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[Programme] Séminaire ‘Histoire culturelle de la danse’ 2016-2017

PROGRAMME 2016-2017
SÉMINAIRE HISTOIRE CULTURELLE DE LA DANSE

2e et 5e lundis du mois de 14 h à 17 h (salle 13, 105 bd Raspail 75 006 Paris), du 14 novembre 2015 au 12 juin 2017. Séances supplémentaires le 24 avril 2017 (salle 8, 105 bd Raspail 75006 Paris) et le 15 mai 2017 (salle 13, 105 bd Raspail 75006 Paris).

Organisatrices : Elizabeth CLAIRE – CNRS-CRH (enseignante principale) & Vannina OLIVESI – CRAL

Ce séminaire propose d’explorer l’histoire des danses sociales et spectaculaires dans une perspective culturaliste, attentive à l’articulation et aux écarts entre les pratiques et les représentations. On étudiera deux axes :
– transnationalisme et circulation des danses,
– genre et rapports sociaux de sexe dans l’histoire de la danse.

14 novembre 2016 : INTRODUCTION GÉNÉRALE

12 décembre 2016 (Genre) :

Vannina OLIVESI (CRAL), « La féminisation du corps de ballet de l’Opéra, 1770-1860 : historiographie, méthodes, résultats ».

Lectures : Lynn Garafola, « The Travesty Dancer in Nineteenth-Century Ballet », Dance Research Journal, Vol. 17/18, Vol. 17, n° 2 – Vol. 18, n° 1 (Autumn, 1985 – Spring, 1986), pp. 35-40.
Marian Smith, « About the House », in Roger Parker, Mary Ann Smart (ed.), Reading Critics Reading : Opera and Ballet Criticism in France from the Revolution to 1848, Oxford, Oxford University Press, 2001, pp. 215-236.

30 janvier 2017 : (Genre)

Florence FILIPPI (Univ. Rouen), « Souvenirs, mémoires et correspondances : l’actrice au miroir de ses mots (XVIIIe-XIXe siècles)».

Lectures :
Aurore Evain, « Les autrices de théâtre et leurs œuvres dans les dictionnaires dramatiques du XVIIIe siècle », communication, 1ères Rencontres de la SIEFAR : Connaître les femmes de l’Ancien Régime. La question des recueils et des dictionnaires, Paris, 20 juin 2003.

Viv Gardner, « By Herself : the actress and autobiography, 1755-1939 », in Maggie B. Gale, John Stokes (ed.), The Cambridge Companion to the Actress, Cambridge, NY, Melbourne, Madrid, CT, Singapore, SP, 2007, pp. 173-192.

[Lecture facultative et complémentaire : Edwige Kellet-Rahbé, « ‘Du théâtre ! ma fille !’ : actrices en romancie aux XVIIe et XVIIIe siècles », communication pour la Society for Seventeenth Century French Studies conference, Londres, 10-12 sept. 2009.

Les documents associés à cette séance peuvent être consultés et téléchargés sur cette page.

13 mars 2017 (Circulations) :

Stéphanie GONÇALVES, (Postdoctorante, Fonds National de la Recherche scientifique belge (FNRS) et CRH), « Maya Plissetskaya à Rome : Guerre froide, circulations et transferts culturels (1983-1985) ».

Lectures :
Béatrice Joyeux-Prunel, « Les transferts culturels. Un discours de la méthode »,
Hypothèses, 2003/1 (6), pp. 149-162.
Sylvain Dufraisse et al., « Les Soviétiques hors d’URSS : quels voyages pour quelles expériences ? », Les Cahiers Sirice, 2016/2 (N° 16), pp. 11-18.
[Lecture facultative et complémentaire : Marie-Pierre Rey, « Préface », Les Cahiers Sirice 2016/2 (N° 16), pp. 5-9.]

Les documents associés à cette séance peuvent être consultés et téléchargés sur cette page.

24 avril 2017 [attention, en Salle 8, 105 bd. Raspail] (Circulations)

Laure GUILBERT, « Moving geographies. La danse en exil dans l’entre-deux-guerres ».
Lecture : Marion Kant, « Anti-fascist theater and dance in Californian exile: ‘For the time being a row of palm trees is nothing but a nice façade,’ dans Jeffrey Fear, Paul Lerner (dir.), Jewish Culture and History. Behind the Screens: Immigrants, Émigrés, and Exiles in Mid Twentieth-Century Los Angeles, 17:1-2, 2016, pp. 94-114.

Les documents associés à cette séance peuvent être consultés et téléchargés sur cette page.

15 mai 2017 (Genre)

Felicia MCCARREN (Institut des Études Avancées de Paris, Tulane Univ.),
« Planting Dance : Entre l’histoire naturelle et l’histoire culturelle du genre en danse »

Lecture(s) : pour consulter et télécharger les documents, voir la page en ligne ici.

29 mai 2017 (Circulations)

Julia PREST (University of St Andrews), « La politique de la danse aux Antilles françaises »

Lectures :

(Source) Moreau de St.-Mery, De la danse, Parme, Bodoni, 1801. Disponible sur MANIOC, la Bibliothèque numérique Caraibe Amazonie Plateau des Guyanes, en ligne ici.

(Bibliographie) Lillian Moore, « Moreau de Saint-Mery and ‘Danse’ », Dance Index, Lincoln Kirstein, Paul Magriel, Donald Windham (eds.), V:10 (October 1946), pp. 231 -260.

(Bibliographie) Gabriel Entiope, Nègres, danse et résistance, Paris, L’Harmattan, 1996, pp. 175-211.

Les documents associés à cette séance peuvent être consultés et téléchargés sur cette page.

Attention, cette séance n’est pas soumise à la validation. Les étudiants sont vivement encouragés à lire les textes de Moore et d’Entiope, à feuilleter l’ouvrage de Saint-Mery afin de favoriser la discussion collective.

12 juin 2017 : CONCLUSION et ACTUALITÉS DE LA RECHERCHE

Table ronde historiographique avec Marie GLON (Univ. Lille III) à l’occasion de la sortie d’un numéro d’European Drama and Performance Studies consacré à la danse et à la morale et d’un numéro de Clio. Femmes, Genre, Histoire dédie à la danse.

Lecture : sélection d’un texte du numéro d’EDPS : La danse est-elle vraiment immorale ?

Plus d’informations sur le site de l’Ehess

La bibliographie associée au séminaire est téléchargeable ici.

Nous contacter : histoireculturelle[dot]danse[at]gmail.com


Le séminaire Histoire culturelle de la danse (Centres de recherches sur les arts et le langage – CRAL) est organisé par Elizabeth Claire (CRNS-CRH) et Vannina Olivesi (CRAL).

Il propose d’explorer l’histoire des danses sociales et spectaculaires dans une perspective culturaliste, attentive à l’articulation et aux écarts entre les pratiques et les représentations. On étudiera les moments clés, grandes figures et lieux de mémoire qui ont marqué l’historiographie de la danse ; la construction de la danse comme pratique sociale légitime et comme profession insérée dans un système de production des spectacles ; les lieux et la circulation des pratiques ; la danse comme construction des rapports entre les sexes et des identités de genre ; la question de l’auteur en danse.


Séminaire de recherche ‘Le genre de l’imagination et l’art de la danse’

[Annonce de communication]

Elizabeth Claire, Historienne (CNRS, EHESS-CRH)

effectuera une communication intitulée

‘Le genre de l’imagination et l’art de la danse (1754-1811)’

 

Institut Emilie du Châtelet, 30 septembre 2016, Jardin des Plantes, Grand amphithéâtre d’entomologie, 43 rue Buffon (Paris 5e), 14h-16h.

Présentation

À l’aube du 19e siècle, l’Europe est saisie d’un phénomène de dansomanie liée à l’introduction des danses de couple-fermé dont la valse, la sauteuse et d’autres formes qui privilégient une rotation perpétuelle du couple pendant le temps d’une danse. Le débat se concentre sur l’engouement enthousiaste et collectif pour ces danses modernes, et porte principalement sur les effets néfastes sur l’imagination des valseuses appartenant à une «jeune génération» de danseurs.  Les effets préoccupants de ces pratiques de bal sont des accidents de santé divers liés à l’imagination malade : le vertige, l’avortement, la folie et même la mort subite. La mobilisation de cette faculté de la connaissance par les médecins et moralistes de l’époque se démarque des discours philosophiques sur la danse dans la dernière moitié du 18e siècle (Noverre, Cahusac, Diderot) où l’imagination et l’enthousiasme sont sollicités pour légitimer le projet du ballet «d’action» comme un art imitatif.

Une question de genre se pose : pourquoi une imagination chauffée par la pratique du bal condamnerait des danseuses à des états pathologiques lorsque le maître du ballet accède, par le biais du même phénomène, au statut de génie artistique, auteur de compositions «modernes» qui révolutionne la scène de l’Opéra ? Notre enquête sur l’histoire de l’imagination et l’art de la danse cherche à faire état de cet écart et des répercutions sur la sociabilité du corps féminin en jeu dans la révolution socio-politique en Europe.

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Elizabeth Claire, historienne et chargée de recherche au CNRS, est membre fondateur de l’Atelier d’histoire culturelle de la danse (CRAL) ainsi que membre associé au Centre de recherches sur les Arts et le Langage. Avec les membres de l’Atelier, elle co-anime au sein de l’EHESS, depuis 2009, le séminaire «Histoire culturelle de la danse» qui vise à promouvoir l’approche culturaliste dans les études en histoire de la danse. Elle co-anime également un séminaire sur l’Histoire du genre dans les arts vivants avec Catherine Deutsch (Paris-Sorbonne) et Raphaëlle Doyon (Univ. de Paris 8). En collaboration avec Béatrice Delaurenti (CRH), Koen Vermeir (CNRS-SPHERE), et Roberto Poma (UPEC), elle organise des colloques internationaux et un séminaire sur l’histoire de la force de l’imagination du XVe-XVIIIe siècles.

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Sélection des publications d’Elizabeth Claire sur ce sujet:

– «A Moral Defence of the Regency Ballroom – vide Wilsons Rooms», European Drama and Performance Studies No. 8 : Danse et morale. Une approche généologique, Marie Glon et Juan Ignacio Vallejos (dir.), Sabine Caouche (éd.), Éd. Classiques Garnier, [à paraître, 2017].

– «Inscrire le corps révolutionnaire dans la pathologie morale : la valse, le vertige, et l’imagination des femmes», Orages. Littérature et culture 1760-1830 : Sexes en Révolution (No 12), Florence Lotterie, Pierre Frantz (dir.), Olivier Bara (éd.), mars 2013, pp. 87-109.

– «Walzliebelust: vertigine e sogno di egualitarismo», Immaginari corporei e rappresentazioni di genere tra danza, scrittura e società, a cura di Susanne Franco, Nuove frontiere per la storia di genere. Atti del V Congresso della Società Italiana delle Storiche (Napoli 28-30 gennaio 2010), a cura di Laura Guidi e Maria Rosaria Pellizzari, Webster Press de l’Università di Salerno, Padova, 2013, pp. 223-228.

– «La Dansomanie, une expression symptomatique, entre ballet et bal au Théâtre de la République et des Arts», Roxane Martin, Marina Nordera (dir.), Les arts de la scène à l’épreuve de l’histoire, Paris, Honoré Champion, coll. « Colloques, Congrès et Conférences » dirigée par Jean Bessière, 2011, pp. 357-371.

– «Monstrous Choreographies: Waltzing, Madness & Miscarriage», Studies in Eighteenth Century Culture, Linda Zionkowski (dir.), Johns Hopkins University Press, 38: 2009, pp. 199-235.


Télécharger la présentation PDF sur le site Institut Emilie du Châtelet.

Source : Institut Emilie du Châtelet

[Séminaire 2016-2017] Prochaine séance

Chers tous et toutes, ami.e.s, étudiant.e.s et collègues,

Le programme du séminaire Histoire culturelle de la danse 2016-2017 vous sera bientôt communiqué. Nous continuerons à explorer le thème des circulations et nous commencerons un nouveau chantier consacré au genre et à la danse.

Source : Jean-Pierre Dalbéra, Rama Vaidyanathan au Musée Guimet, 2009.
Source : Jean-Pierre Dalbéra, Rama Vaidyanathan, Musée Guimet, 2009.

En attendant, vous pouvez d’ores et déjà noter que la séance de rentrée aura lieu le lundi 14 novembre prochain de 14h à 17h.

Au plaisir de vous y rencontrer !


→ Pour toute demande d’information et inscription à notre liste de diffusion, vous pouvez nous écrire à l’adresse suivante : histoireculturelle.danse [at] gmail [dot] com.

[Annonce de poste] Barnard College – Columbia University

Le Barnard College – Columbia University propose un poste en Dance Studies

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The Department of Dance of Barnard College, Columbia University in New York City, invites applications for an outstanding scholar to appoint as a tenure-track Assistant Professor of Dance Studies starting July 1, 2017.

Founded in 1889, Barnard College is a private women’s liberal arts college affiliated with Columbia University. The Barnard College Department of Dance is the center for dance scholarship, research, and performance for all of Columbia University and as such, provides the artistic and academic programming to support majors, minors, and concentrations offered by the undergraduate divisions of the University (Barnard, Columbia College, School of General Studies, School of Engineering).

The ideal candidate will have expertise in theatrical dance history (preferably with specializations in ballet, African-American dance, and/or contemporary choreography), as well as innovative critical and methodological approaches to one or more of the following areas of research: social or popular dance; dance theory, ethnography and/or dramaturgy; relationships between music and dance; and/or intersections between the performing arts and policy, diplomacy, and/or activism. Applicants must have a Ph.D. in dance or related discipline at time of appointment, a distinguished record of scholarly publication or promise of such, proven capacity for teaching excellence at the college level, and ability and desire to perform service within the department, college, and university.

Pour plus de détails : Barnard College – Columbia University

Calendrier de fin d’année

Chers collègues et participants au séminaire, voici le calendrier des prochaines séances du séminaire Histoire culturelle de la danse :

  • 4 mai 2015 (19h-21h, Salle 7)

Emmanuelle Delattre-Destemberg (doctorante, CHCSC-UVSQ)

« À la recherche de l’École de danse : une histoire des lieux et des politiques de gestion de la danse à l’Opéra (1779-1874) »

  • 11 mai 2015 (19h-21h, Salle 7)

Lola Gonzalez-Quijano (postdoctorante, LARHRA-Univ. Lyon II)

«”Dites mon bordel” : l’amour vénal dans les établissements de spectacle parisiens au XIXe siècle »

  • Samedi 16 mai 2015 (9h-13h, salle 1)

Tiziana Leucci (CNRS/CEIAS)

« Paris, New York, Londres, Calcutta: quelques étapes de la fabrication et circulation de la danse dite “hindoue” »

Séance suivie par une table ronde avec les intervenants du second semestre.

Au plaisir d’échanger avec vous lors de ces prochaines séances !

Vue de la salle de Walse construite au carré de la laiterie; Vue du temple de la paix dans le grand carré des Champs Elisées. Print shows celebrations for the anniversary of the founding of the French Republic, July 14, 1801 in two images, including a tent for dancing and a balloon ascension from which André Jacques Garnerin descends in a parachute above the Temple de la Paix and the Champs-Elysées. Library of Congress.
« Fête du 14 Juillet An IX. Vue de la salle de Walse construite au carré de la laiterie. Vue du temple de la paix dans le grand carré des Champs Elisées », 1801, Library of Congress.

Informations pratiques : Ecole des hautes études en sciences sociales (salle 7 les lundis, salle 1 le samedi – 105 bd Raspail 75006 Paris).

Un séminaire organisé par Elizabeth Claire, chargée de recherche au CNRS (CRH-CRAL) ; Emmanuelle Delattre-Destemberg, doctorante à l’Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines (CHCSC) ; Marie Glon, docteure de l’EHESS (Centre Edgar Morin, IIAC-EHESS) ; Sophie Jacotot, docteure de l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; Vannina Olivesi, doctorante de l’EHESS (CRAL).


Ce séminaire propose d’explorer l’histoire des danses sociales et spectaculaires dans une perspective culturaliste, attentive à l’articulation et aux écarts entre les pratiques et les représentations. On étudiera les moments clés, grandes figures et lieux de mémoire qui ont marqué l’historiographie de la danse ; la construction de la danse comme pratique sociale légitime et comme profession ; les lieux et la circulation des pratiques ; la danse comme construction des rapports entre les sexes et des identités de genre ; la question de l’auteur en danse. Une attention particulière sera accordée aux usages des sources dans l’historiographie de la danse : quels types de sources pour quelle histoire de la danse ? comment étudier l’iconographie ? quels enjeux scientifiques émergent lors de la reconstruction des pratiques et à l’occasion de leur mise en récit historique ? enfin, quelles méthodes spécifiques mobilise-t’on pour problématiser la distance entre l’historien et l’époque qu’il étudie, s’interroger sur l’anachronisme et faire de l’écart historique un instrument heuristique ?

[Parution] Entre cours et jardins d’illusion. Le ballet en Europe (1515-1715)

Nous annonçons la parution de l’ouvrage de Nathalie Lecomte dans la collection Histoires du Centre national de la danse :

Entre cours et jardins d’illusion. Le ballet en Europe (1515-1715) 

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Ce livre retrace les étapes cruciales, entre 1515 et 1715, de l’histoire du ballet : son émergence, dans le contexte de la Renaissance humaniste, au moment où la culture italienne entre en force à la cour de François Ier ; son apogée au Grand Siècle et le déploiement de son influence dans les cours européennes ; son déclin, à la mort de Louis XIV, alors que d’autres genres de spectacle dansé ont déjà pris sa place et que la cour n’en est plus le cadre privilégié. Cette étude dévoile également l’univers dans lequel les danses de spectacle naissent, évoluent et créent l’illusion, car le danseur incarne les valeurs sociales et morales de son temps. Que ce soit dans le cadre des festivités de cour ou, ensuite, dans celui du théâtre et de la scène à l’italienne, il est l’acteur d’un monde « en représentation ».

Cet ouvrage a pour ambition de proposer une synthèse à l’échelle européenne des multiples travaux sur la période. Il fournit également des analyses inédites élaborées à partir de sources premières et donne à voir une riche iconographie.

L’auteur : historienne de la danse, Nathalie Lecomte est spécialiste des XVIIe et XVIIIe siècles. Chercheuse indépendante, conférencière, elle est aussi membre fondateur de l’ACRAS (Association pour un centre de recherche sur les arts du spectacle aux XVIIe et XVIIIe siècles). Elle a contribué au Dictionnaire de la danse (Larousse), à L’Histoire de la danse : repères dans le cadre du diplôme d’État (CND) et a coécrit La Danse classique (Gallimard Jeunesse Musique – Cité de la musique, 1999) et Scènes de bal, bals en scène (CND, 2011).

Danseurs d’encre et d’aquarelle sous le règne de Louis XIV

Mercredi 19 février 2014 de 18h30 à 20h00

Danseurs d’encre et d’aquarelle sous le règne de Louis XIV : le costume de ballet au regard des pratiques de scènes et d’atelier, une conférence de Mickaël Bouffard, chercheur invité au Centre André Chastel, dans le cadre du Cycle de rencontres scientifiques du Centre André Chastel (UMR 8150).

Lieu : Galerie Colbert, 2 rue Vivienne, 75002 Paris, salle Ingres, 2e étage, entrée libre.

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Costume de deux Égyptiennes, attribué à Jean Bérain, n. d., maquette de costume, BnF.
Costume de deux Égyptiennes, attribué à Jean Bérain (1640-1711), non daté, maquette de costume, BnF.

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Résumé

Souvent utilisé comme maquette de costume, le dessin de figures de ballet ne se limite pas à la simple description des habits dont ont besoin les artisans pour les confectionner. En tant que « projet » à soumettre pour approbation, ces œuvres poursuivent des objectifs de séduction qui se décèlent aussi bien dans les rehauts d’or et d’argent que dans le choix de postures délicates. Pour ce qui est de ces dernières, on peut se demander jusqu’à quel point elles sont en phase avec les pratiques chorégraphiques du temps, sachant qu’elles pouvaient être réappliquées de manière générique à d’autres personnages dansants (et même chantants) par des raccourcis de production propres aux ateliers d’artistes. Et si ces attitudes correspondaient effectivement aux pratiques scéniques contemporaines, chercheraient-elles à plaire par une esthétique plus moderne de la figure humaine, délaissant ainsi les canons classicistes dominants dans le choix des proportions et du contraste des membres du corps ?

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Revisiter l’historiographie de la danse et éclairer l’histoire du genre. 2e journée d’étude

Deuxième journée d’étude du Projet de recherche 

Revisiter l’historiographie de la danse et éclairer l’histoire du genre :

étude de quelques figures de danseuses 

(France, fin XVIIe – début XXe siècle), 24 et 25 janvier 2014 

Coordination : Hélène Marquié et Marina Nordera.

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Projet financé par le GIS, Institut du genre. Accueil du Centre National de la Danse. En partenariat avec le CRESPPA-GTM (UMR 7217) et le Centre transdisciplinaire de l’épistémologie de la littérature et des arts vivants (CTEL 6307), Université Nice Sophia Antipolis.

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"Lola has come! Enthusiastic reception of Lola by American audience", lithographie de David Claypoole Johnston, ca 1852, Library of Congress.
« Lola has come! Enthusiastic reception of Lola by American audience« , lithographie de David Claypoole Johnston, ca 1852,
Library of Congress.

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Centre National de la Danse, 1 rue Victor Hugo, Pantin. Salle de conférence 1er étage (24 janvier), Salle d’étude 1er étage (25 janvier) et Studio 4.

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Programme

Vendredi 24 janvier 2014

Salle de conférence 1er étage

9h30    Hélène Marquié et Marina Nordera, Accueil des participants et introduction

9h50   Vannina Olivesi, La construction de l’identité professionnelle dans les Souvenirs de Marie Taglioni : interpréter, créer, transmettre

10h30  Marina Nordera, Danser seule au XVIIIe siècle : partitions, interprétations, récits

11h      pause café

11h20 Claudia Jeschke et Patrizia Veroli, The Construction of Celebrity : Lola Montez and Cléo de Merode

12h20  Hélène Marquié, Stratégies et idéologies dans la reconnaissance des chorégraphes de la Belle Époque

13h      Discussion menée par Camille Paillet

13h30 – pause repas

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Studio 4

Atelier XIXe siècle

14h30  Claudia Jeschke, Mariquita par Justamant

16h      Jean Guizerix, Justamant pas

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Samedi 25 janvier

Studio 4

Atelier XVIIIe siècle

9h30-11h  Béatrice Massin, La chaconne de Phaëton : version pour femme et pour homme

11h-12h  Dora Kiss, Pour une lecture des danses de Mlle Subligny

12h-12h30 Bianca Maurmayr, Présentation de quelque danse de Mlle Guyot

12h30-13h Discussion sur l’Atelier XVIIIe siècle et conclusion.

13h –  pause repas

 

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Bibliographie #1 : généralités en histoire de la danse

Pour bien commencer l’année, voici une bibliographie rassemblant les ouvrages généraux en histoire de la danse.

Nous prenons soin de la mettre à jour régulièrement. D’autres bibliographies suivront bientôt. Bonnes lectures !

L’atelier d’histoire culturelle de la danse

 

The British Museum: the reading room, with many readers. Engraving by Thomas Hosmer Shepherd after Harden Sidney Melville. London.  The British Museum - Wellcome Library
The British Museum: the reading room, with many readers. Engraving by Thomas Hosmer Shepherd after Harden Sidney Melville. London, 19th century.
The British Museum – Wellcome Library

Source

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La danse et ses sources, Actes du colloque du 31 octobre 1992, Toulouse, Isatis/Cahiers d’ethnomusicologie régionale, n° 2, 1993.

Danse et société, Actes du colloque du 29 octobre 1988, Toulouse, Isatis/Cahiers d’ethnomusicologie régionale, n° 1, 1992.

ADSHEAD-LANSDALE Janet et LAYSON June, Dance history, an introduction, Londres, New York, Routledge, 1994 (1ère éd. 1983), 289 p.

ADSHEAD-LANSDALE Janet, Dance Analysis : Theory and Practice, Londres, Dance Books, 1988, 198 p.

Association européenne des historiens de la danse, Symposium “L’homme et la femme dans la danse”, Leuven, 1990.

Association européenne des historiens de la danse, Symposium “Who are the renovators of dance ? : the genesis of dance languages”, Eaubonne, 1991.

Association européenne des historiens de la danse, Symposium “The Memory of Dance”, Eaubonne, 1994.

BANES Sally, Terpischore in Sneakers, Boston, Houghton and Mifflin, 1980, 292 p.

BAXMANN Inge, ROUSIER Claire et VEROLI, Patrizia, Les Archives internationales de la danse 1931-1952, Pantin, CND, 2006.

BLANC-CHALÉARD Marie-Claude, « Les trois temps du bal musette ou la place des étrangers (1880-1960) », dans Jean-Louis ROBERT et Danielle TARTAKOWSKY (dir.), Paris le peuple XVIIIe-XXe siècle, Paris, Publications de la Sorbonne, 1999, pp. 77-90.

BRACK Clairette, WUYTS Irina  (eds.), Proceedings of the Internatioal Congress on Dance and Research, July 2-6, 1989, Brussels, Belgium, Leuven, Peeters Press, 1991, 240 p.

BROOKS Lynn Matluck (ed.), Women’s Work: making dance in Europe before 1800, Madison, University of Wisconsin Press, 2007, 270 p.

BOUCHON Marie-Françoise, « Le monde chorégraphique a-t-il peur de l’histoire ? », Marsyas – Revue de pédagogie musicale et chorégraphique, n° 37-38, juin 1996, pp. 95-100.

BUCKLAND Theresa Jill (ed.),  Dancing from Past to Present: nation, culture, identities, Madison, University of Wisconsin Press, 2006, 238 p.

BURT Ramsay, The Male Dancer: bodies, spectacle and sexuality, London, Routledge, 1995, 224 p.

BURT Ramsay,  Alien Bodies: representations of modernity, race and nation in early modern dance, London, Routledge, 1998, 222 p.

CARTER Alexandra (ed.), The Routledge Dance Studies Reader, London, Routledge, 1998, 316 p.

CARTER Alexandra (ed.), Rethinking Dance history, A Reader, Londres, New York, Routledge, 2004, 212 p.

CHAZIN-BENNAHUM, Judith.  The Lure of Perfection: fashion and ballet, 1780-1830, London, Routledge, 2005, 280 p.

COHEN Sarah R.  Art, Dance, and the Body in French Culture of the Ancient Régime, Cambridge, Cambridge University Press, 2000, 352 p.

COHEN Selma Jeanne, “Dance as a Theatre Art : Source Readings”, dans Ann DILS et Ann COOPER ALLBRIGHT, Dance History from 1581 to the Present, Wesleyan University Press, 2001, 492 p.

COPELAND Roger et COHEN Marshall, What is Dance ? Readings in Theory and Criticism, Oxford, OxfordUniversity Press, 1983, 582 p.

DÉCORET-AHIHA Anne, Les danses exotiques en France 1880-1940, Pantin, CND, 2004.

FAURE Sylvia, Corps, savoir et pouvoir, Sociologie historique du champ chorégraphique, Presses universitaires de Lyon, 2001, 181 p.

FILLOUX-VIGREUX Marianne, La danse et l’Institution – Genèse et premiers pas d’une politique de la danse en France, 1970-1990, Paris, L’Harmattan, 2001, 332 p.

FOSTER Susan Leigh (ed.),  Choreographing History, Bloomington, Indiana University Press, 1995, 257 p.

FOSTER Susan Leigh (ed.), Corporealities: Dancing knowledge, culture and power, London, Routledge, 1996, 263 p.

FOSTER Susan, Choreography and NarrativeBallet’s Staging of Story and Desire, Bloomington, Indiana University Press, 1996.

FRANCO Susanne et NORDERA Marina (dir.), I discorzi della danza. Parole chiave per una metodologia della ricerca, Torino, Utet Libreria, 2007 / Dance Discourses. Keywords for Methodologies in Dance Research, New York-London, Routledge, 2007.

FRANKO Mark, La Danse comme texte : idéologies du corps baroque, Paris, Ed. de l’Eclat, 2005  (1ère éd. en anglais 1993), 334 p.

FRANKO Mark, The work of dance, Labor, Movement, and Identity in the 1930’s, Middletown, Wesleyan University Press, 2002, 214 p.

GALE Maggie B., GARDNER Viv, Women, theatre and performance. New histories, new historiographies, Manchester – New York, Manchester University Press, 2000, 243 p.

GARAFOLA Lynn (ed.), Rethinking the Sylph: New perspectives on the Romantic ballet, Hanover, University Press of New England, 1997, 287 p.

GASNAULT François, Guinguettes et lorettes. Bals publics et danse sociale à Paris entre 1830 et 1870, Paris, Aubier, 1986.

GASNAULT François, « Bals ou bacchanales ? Les sources de l’histoire de la danse sociale à Paris de 1830 à 1870 », La danse et ses sources, Toulouse, Isatis/Cahiers d’ethnomusicologie régionale, n° 2, 1993, pp. 22-35.

GERBOD Paul, « Un espace de sociabilité. Le bal en France au XXe siècle (1910-1970) », Ethnologie Française, XIX, 4, 1989, pp. 362-370.

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Écrire l’histoire de la danse : des enjeux scientifiques aux enjeux idéologiques

Écrire l’histoire de la danse : des enjeux scientifiques aux enjeux idéologiques

Le Ballet de l’Opéra. Trois siècles de suprématie depuis Louis XIV[1]. Ce titre, celui d’un ouvrage tout récemment paru[2], nous a fait sursauter : présenter la « suprématie » comme une valeur séduisante est, pour le moins, dérangeant.

Cela apparaît d’abord, bien sûr, comme une assertion fausse. On ne peut supposer sérieusement que le Ballet de l’Opéra de Paris se soit trouvé, durant trois siècles, en position de domination, idée dont il faudrait, dans tous les cas, discuter les critères et le périmètre[3]. Un tel titre participe en fait de la concurrence que se livrent les États, les capitales, les théâtres à l’échelle européenne depuis le XVIIe siècle : affirmer que le Ballet de l’Opéra a toujours été un lieu de « suprématie », c’est faire fi de bien des métissages, des captations de savoirs et savoir-faire exogènes, sans parler des pans entiers de l’histoire de la danse qui se sont déroulés à l’écart de, voire en opposition à, cette institution. Mais surtout, cette mise en avant de la « suprématie », c’est-à-dire de la supériorité et du pouvoir sur les autres, est une position idéologique, dont on peut s’inquiéter du fait qu’elle soit postulée comme attirante pour les acheteurs visés : une idéologie délétère, qui invite à penser en termes d’infériorité et de supériorité (de classes, de genres, de nations…), et qui valorise la position de domination sur les autres. Le Ballet de l’Opéra de Paris a pu, et peut encore, servir une telle idéologie, mais le rôle d’un ouvrage scientifique doit être d’analyser les discours de propagande, et non de les reproduire.

Or c’est bien là qu’est l’enjeu. Un tel sous-titre – que le contenu du livre en question, heureusement, ne semble pas refléter – est sans doute moins un problème en lui-même, que le symptôme d’un problème plus large. Ce problème, à nos yeux, renvoie à la responsabilité des historiens. Car si ce sous-titre a pu paraître opportun à une équipe éditoriale, c’est peut-être que les historiens de la danse ont trop souvent laissé la porte ouverte à des représentations simplistes, parfois directement reprises de textes du passé qui auraient dû être étudiés en tant que discours, et non cités comme des vérités. Ainsi, on a régulièrement pu voir des travaux historiques entérinant l’idée d’une « supériorité française » telle que la clamait l’entourage de Louis XIV, ou nourrissant une forme de nostalgie face à la « pureté » d’un art qui aurait ensuite été victime d’une « dégénérescence », ou encore considérant implicitement que la danse se réduit à la danse pratiquée dans les sphères de la société les plus privilégiées…

La liste est longue de ces poncifs. Ils sont parfois véhiculés par des ouvrages relativement anciens[4] (bien qu’une distance d’une vingtaine d’années soit loin de justifier toutes les valeurs qui heurtent nos sensibilités) ; mais n’ayant que rarement été suivis de la publication de travaux actualisés, ces ouvrages font toujours autorité[5]. Si, au cours de conversations et d’échanges informels entre chercheurs, nous sommes nombreux à déplorer régulièrement l’existence de tels impensés, force est de constater qu’aucun texte à destination d’un large public n’a été produit pour faire le point sur les sens qui sont trop souvent donnés à l’histoire de la danse occidentale, notamment de la danse sous l’Ancien Régime[6]. Le présent article voudrait poser quelques jalons en ce sens, inciter à la vigilance, et ouvrir la voie à une réflexion d’envergure sur les façons d’écrire et d’utiliser l’histoire de la danse.

Transferts culturels versus « suprématie »

Parler de « suprématie », c’est imaginer un modèle s’imposant aux autres (autres lieux de danse, autres danseurs, autres pays…), en sens unique. On peut remarquer que les historiens de la danse ont eux-mêmes laissé la voie ouverte à cette conception de la circulation des danses et des façons de danser. Ainsi, un colloque récent, organisé à Versailles, s’intitulait « La danse française et son rayonnement[7] ». Bien entendu, un tel titre ne pose pas de problèmes idéologiques comme le fait la valorisation d’une « suprématie », mais on peut remarquer qu’il reprend lui aussi une image du passé sans la discuter – s’engageant sur une pente glissante. L’image en question est aisément rattachable à celle du roi-soleil dont les rayons se répandraient sur toute l’Europe : elle laisse penser qu’un art « rayonne » naturellement sur des lieux, des cultures, des individus que l’on est alors tenté d’envisager comme « récepteurs » passifs.

Penser qu’un art ou une culture « se diffuse » de soi-même, éclaire les autres de sa « suprématie », c’est précisément ce qu’interdisent nombre de travaux d’histoire, et d’autres sciences sociales, des trente dernières années. Dès 1987, la notion de « transferts culturels » proposée par Michael Werner et Michel Espagne a permis de mettre à distance l’idée d’« acculturation » (marquée par l’idée d’une assimilation progressive de la culture « réceptrice » à la culture « émettrice ») pour envisager les emprunts d’une culture à l’autre sur un nouveau mode[8] : une « mise en relation de deux systèmes autonomes et asymétriques[9] ». Une culture accueillant des éléments exogènes ne le fait qu’au terme d’un processus de sélection des éléments ainsi accueillis, et les transforme autant qu’elle se transforme en incorporant ces nouveautés. La culture « émettrice » ne sort pas indemne de cette interprétation et se reconfigure elle aussi dans ce processus. Une telle conception des échanges, des emprunts réciproques d’une culture à l’autre, suggère que la « réception » (d’un art, d’une pratique, d’une idée…) n’est jamais passive ; elle est « le lieu et le lien d’un usage, donc d’une recréation[10] ».

Ainsi, parler de « suprématie », c’est oublier qu’un art qui circule ne s’impose pas de façon homogène et planifiée. Il ne s’agit pas de nier les stratégies de pouvoir ni les phénomènes de coercition : ainsi, il est manifeste que la danse française a, à certaines époques, suscité l’admiration et l’envie de plusieurs danseurs des autres pays européens, leur fournissant un modèle ; l’État français a encouragé cette admiration, et cherché à la développer. Mais face à ce soi-disant « modèle français » (dans le domaine de la danse comme dans les autres), il faudrait, comme le remarquait Robert Mandrou dès 1977, s’interroger « sur la signification qu’il convient d’accorder à des phénomènes qui méritent plus que des énumérations complaisantes[11] ». On découvre alors que bien des marques supposées de la « suprématie française » sont à nuancer largement, voire se limitent à des discours, politiques et idéologiques. Que bien des phénomènes présentés comme un « rayonnement » d’un centre vers une périphérie, comme une « exportation » vers des territoires quasi-colonisés, étaient en réalité des importations, organisées de façon volontaire par des acteurs de ces cultures « réceptrices » qui poursuivaient, à travers ces importations, leurs propres projets et stratégies (qu’un regard ethnocentriste ne permettait pas d’observer). On découvre encore que dans ces processus, les arts qui circulent font l’objet d’appropriations, reconfigurations créatives sur lesquelles leur « culture d’origine » n’a que peu de prise. Et que l’admiration pour une culture artistique d’ailleurs est rarement univoque – ainsi, la danse « française », au moment où elle était louée et imitée dans les pays étrangers, suscitait aussi des moqueries et satires, voire des contestations, qui pouvaient même devenir le moteur de créations, en réaction à ces « modèles »[12].

S’attacher à ces circulations conduit également à observer, en sens inverse, les apports « étrangers » qui ont fait la « danse française »[13]. On oublie trop souvent de citer les circulations d’artistes, dans toute l’Europe, qui ont nourri la danse en France de sources venues d’Italie, d’Angleterre, d’Espagne, d’Allemagne, de Russie, entre autres[14]. Pour ce qui est du XIXe siècle, reprenant sans examen critique des discours de l’époque qui cherchaient à dénigrer des genres spectaculaires venus d’ailleurs, plusieurs ouvrages relèguent ces genres au rang d’expressions mineures, de divertissement – seul le ballet romantique français étant considéré comme art[15]. De tels discours sont régulièrement fondés sur des « caractères nationaux » particulièrement réducteurs et sur une conception des rapports avec l’« autre » considérés comme suspects, voire dangereux[16].

Ainsi, trop souvent, les travaux historiques ont évacué des aspects tels que les échanges, les collaborations, les métissages et les appropriations – particulièrement à l’œuvre dans le milieu de la danse, marqué par les transmissions orales. Étudier la danse avec les outils conceptuels et les attentions qui permettent de voir aussi ces dimensions, c’est, non plus faire l’histoire d’une suprématie qui n’a que peu de sens, mais chercher à comprendre des dialogues, des créations collectives, des transformations réciproques : des mises en commun d’imaginaires autant que des enjeux de pouvoir, des rivalités mais aussi des utopies partagées… Afin d’éclairer des histoires riches et toujours complexes, qui ne sont pas moins passionnantes que celles qui tâchent d’établir une hégémonie.

De l’usage des mots en histoire

Les exemples de discours historiques mentionnés ci-dessus relèvent d’une conception des rapports entre différentes cultures qui, comme on vient de le voir, mériterait amplement d’être revue. Mais ils témoignent aussi de l’utilisation d’un vocabulaire spécifique : des champs lexicaux récurrents diffusent, dans l’historiographie de la danse, des valeurs et des schémas de pensée qu’il est urgent d’interroger.

On peut, pour cela, se reporter à un travail entrepris en 2008 : l’analyse des références historiques utilisées dans les discours de Nicolas Sarkozy[17]. L’inflation des termes historiques, le recours systématique à des personnages connus par toute la communauté nationale avaient fini par alerter le Comité de vigilance face aux usages publics de l’histoire. Cette réaction légitime de la communauté historienne invitait un grand public à comprendre les ressorts d’une instrumentalisation constante de l’opinion publique (convoquer Napoléon Ier, par exemple, était une façon d’associer la France à l’idée de grandeur – d’empire – à un moment où les Français découvraient la crise des subprimes). Au-delà des méconnaissances scientifiques que cet ouvrage relevait, il était avant tout question de montrer comment l’énonciation même de certains termes permettait d’actionner des sentiments de fierté nationale, de communautarisme, de patriotisme, etc. Ce travail rappelait, à la suite de Lucien Febvre, qu’« une histoire qui sert est une histoire serve[18] ». Il s’agissait donc de réfléchir autant au sens des mots et de leurs implications qu’aux enjeux de l’histoire dans l’espace public[19].

Dans l’historiographie de la danse, un tel examen met en évidence l’utilisation privilégiée de termes comme « règne », « suprématie » ou « triomphe » : parfois effectuée à bon escient pour déconstruire les mécanismes de l’imposition d’un pouvoir, elle n’est souvent qu’un outil de narration (voire de « théâtralisation ») facile, qui plaque sur des réalités sociales un mode de compréhension simpliste et sans nuances[20]. La rhétorique de l’ « apogée » et de la « décadence[21] » affirme quant à elle une vision téléologique de l’histoire, mais aussi un idéal nostalgique de la « pureté[22] » qui serait ensuite « pervertie[23] » : de tels termes viennent essentialiser une « identité » qui sert à opposer les cultures, d’une façon extraordinairement peu féconde – nourrissant la peur de l’autre et du changement.

  

L’histoire a une fonction politique, et l’historien ne peut pas ignorer que dans les choix qu’il fait, il y a des enjeux, un positionnement par rapport au passé, mais aussi par rapport au présent. Produisant des modes d’intelligibilité du monde, l’historien est responsable des représentations qu’il crée – car les représentations sont actives et travaillent nos pratiques, nos relations aux autres, nos décisions[24]. L’histoire de la danse ne saurait se considérer comme dispensée de ces questions fondamentales et de la vigilance qu’elles doivent susciter : elle doit interroger les « portes d’accès au passé[25] » qu’elle choisit, les banalités historiographiques, les éléments que l’on croit savoir, et mettre en œuvre la plus grande méfiance vis-à-vis des usages de l’histoire qui visent à illustrer ou légitimer une prétendue « identité » et un pouvoir sur les autres.

Quelques règles de base de la discipline historique sont là pour nous y aider. La nécessité de croiser les sources, qui permet d’éclairer différents points de vue (et non pas seulement, par exemple, les discours de la direction d’une institution au détriment de ses salariés, d’une capitale au détriment de la province, ou d’un pays au détriment du reste du monde). La nécessité, aussi, de contextualiser, de replacer les textes et les images dans les logiques de leurs producteurs – et non pas de s’en saisir pour illustrer un schéma interprétatif pré-établi.

Soulignons pour finir que les projets de recherche qui mettent en œuvre ces façons de faire de l’histoire, rigoureuses et ouvertes à la complexité des échanges et des circulations, existent bel et bien. Il est urgent qu’ils soient reconnus et utilisés par ceux qui, notamment dans le milieu de l’édition et de l’enseignement, diffusent des histoires de la danse aveugles à ces nouvelles études. Citons, par exemple, les travaux en histoire des spectacles qui visent à décentraliser le regard : jusqu’à présent, les études historiques avaient rarement porté sur les lieux de danse ou de théâtre de province (la centralisation française – historiquement construite – guide l’intérêt vers les grandes capitales culturelles, de même que la richesse des sources conservées dans les « grandes » institutions) ; aujourd’hui, un programme portant sur les personnels dramatiques, répertoires et salles de spectacles en province est en train de nous sortir de l’ornière « Paris sinon rien »[26]. D’autres études portent sur les caricatures dont la danse française faisait l’objet à l’étranger au XVIIIe siècle, éclairant le caractère multiple et contrasté de la réception d’un modèle dominant[27]. Concernant la période contemporaine, des recherches en cours sur le ballet de l’Opéra de Paris sous l’occupation allemande font salutairement voler en éclats l’image d’une institution répandant tout au long de son histoire la « splendeur française »[28]. Une synthèse récente sur l’histoire de la danse dite moderne met au cœur de son interprétation la « fascination des ailleurs » et les transferts culturels[29]. On pourrait citer bien d’autres travaux, stimulants, novateurs, nuancés. Ils éclairent des aspects méconnus de l’histoire. Ils nous invitent à revisiter nos connaissances, mais aussi nos façons de penser. Et montrent, en acte, que l’histoire de la danse mérite bien mieux que des affirmations péremptoires de supériorité.

Emmanuelle Delattre-Destemberg, Marie Glon, Vannina Olivesi

Pour citer cet article : DELATTRE-DESTEMBERG Emmanuelle, GLON Marie, OLIVESI Vannina, « Écrire l’histoire de la danse : des enjeux scientifiques aux enjeux idéologiques », article mis en ligne le 9 décembre 2013 sur le carnet de recherche de l’Atelier d’histoire culturelle de la danse, URL : http://ahcdanse.hypotheses.org/


[1] Auclair M.,  Ghristi C. (dir.), Le Ballet de l’Opéra. Trois siècles de suprématie depuis Louis XIV, Paris, Albin Michel/ Bibliothèque nationale de France / Opéra de Paris, 2013.

[2] Et auquel nous avons collaboré, en ne découvrant le sous-titre « Trois siècles de suprématie depuis Louis XIV » qu’une fois l’ouvrage imprimé.

[3] Comment expliquer, par exemple, la difficulté pour l’institution académique de former des danseurs solistes durant la seconde moitié du XIXe siècle ? Que faire des autres scènes européennes qui sont, elles aussi, des pôles de création et où circulent des danseurs d’écoles de danse reconnues ?

[4] Et reprenant fréquemment les récits proposés par des ouvrages plus anciens encore, comme ceux de Léandre Vaillat ou André Levinson : les schèmes interprétatifs de l’histoire de la danse se sont reproduits en restant spectaculairement à l’écart des réflexions sur l’épistémologie et la méthodologie historique.

[5] De tels ouvrages sont par exemple présentés comme des références fondamentales pour la préparation de l’examen d’histoire de la danse dans le cadre de l’obtention du Diplôme d’Etat de professeur de danse. Voir la bibliographie de C. Rousier (dir.), L’Histoire de la danse : repères dans le cadre du diplôme d’Etat, Pantin, Centre national de la danse, 2000.

[6] Lire pour exemple la construction du discours royal et du rapport au corps : Apostolidès J.-M., Le Roi-machine, le spectacle et la politique au temps de Louis XIV, Paris, Éd. de Minuit, 1981.

[7] « La danse française et son rayonnement (1600-1800) », colloque organisé en décembre 2012 par l’Association pour un Centre de Recherche sur les Arts du Spectacle aux XVIIe et XVIIIe siècles, le Centre de musique baroque de Versailles (FRE 3493 du CNRS), le Centre de recherche du château de Versailles. Les communications de ce colloque ne reflétaient pas une vision aussi simpliste des échanges culturels ni de la position française ; l’une des demi-journées était d’ailleurs intitulée « Transferts culturels ». C’est le titre qui pouvait ouvrir la voie à des représentations biaisées des phénomènes d’échanges et d’appropriations. Loin de vouloir mettre en cause les organisateurs de ce colloque, nous soulignons ici sa dimension représentative de discours très généralement utilisés ou admis par les historiens de la danse. L’une des auteurs du présent texte, Marie Glon, a d’ailleurs participé à ce colloque sans penser à profiter de l’occasion pour questionner le bien-fondé et les sous-entendus de son intitulé.

[8] Espagne M., Werner M., « La construction d’une référence culturelle allemande en France : genèse et histoire (1750-1914) », Annales E.S.C., juillet-août 1987, n° 4, pp. 969-992.

[9] Espagne M., Werner M., Transferts. Les relations interculturelles dans l’espace franco-allemand (XVIIIe-XIXe siècles), Paris, Éditions Recherche sur les Civilisations, 1988, p. 5.

[10] Ory P., « Qu’est-ce que l’histoire culturelle ? », dans Yves Michaud (dir.), Université de tous les savoirs. Qu’est-ce que la société ?, tome 3, Paris, Odile Jacob, p. 26.

[11] Mandrou R., L’Europe « absolutiste ». Raison et raison d’État 1649-1775, Paris, Fayard, 1977, p. 186.

[12] Par exemple une caricature telle que « The French dancing master », [Londres], Picot & Delatre, [1771], image accessible en ligne sur la Yale University Lewis Walpole Digital Collection, n°771.07.27.01 : http://images.library.yale.edu/walpoleweb/fullzoom.asp?imageid=lwlpr03133

[13] Un ouvrage publié récemment prend acte de ce phénomène à l’époque contemporaine dans divers domaines culturels, y compris la danse : Ory P. (dir.), Dictionnaire des étrangers qui ont fait la France, Paris, Éditions Robert Laffont, 2013. Un colloque en 2008 a ouvert de nouvelles perspectives en s’interrogeant sur l’interpénétration d’acteurs français et étrangers et de leurs rapports avec le répertoire français diffusé, traduit ou remanié sur des scènes à l’étranger. La notion de suprématie est, dans cette réflexion collective, bien étudiée comme une construction dont les mécanismes et les limites sont identifiés. La domination du théâtre français à l’étranger est analysée comme la manifestation et l’héritage des politiques culturelles de l’époque moderne. Yon J.-C. (dir.), Le Théâtre français à l’étranger, histoire d’une suprématie culturelle à l’étranger, Paris, Nouveau Monde, 2008.

[14] On peut citer par exemple un catalogue des documents transcrivant les danses au XVIIIe siècle – travail monumental qui par ailleurs force l’admiration, et est utilisé tous les jours par les historiens de la danse – qui répertorie les œuvres des maîtres de danse français vivant en France, en incluant celles des maîtres de danse français travaillant et publiant à l’étranger, mais en excluant celles, pourtant similaires, de leurs confrères étrangers, au motif que la « belle dance » serait un art français. Lancelot F., La Belle dance : catalogue raisonné fait en l’An 1995, Paris, Van Dieren, 1996.

[15] Naugrette F., « La périodisation du romantisme théâtral », dans Roxane Martin et Marina Nordera (dir.), Les Arts de la scène à l’épreuve de l’histoire, Paris, Honoré Champion, pp. 145-154.

[16] Un exemple parmi de nombreux autres : « L’école classique française recherchait une beauté mesurée, une expression à la fois d’élégance et de sensibilité. Dans l’école académique est venu s’y ajouter un élément antinomique, l’apport italien, tout de vélocité, de virtuosité d’exécution, d’extériorité. » Bourcier P., Histoire de la danse en Occident, Paris, Seuil, 1994, vol. 2, p. 31.

[17] Cock L. (de), Madeline F.,  Offenstadt N., Wahnich S., Comment Sarkozy écrit l’histoire de France, Paris, Agone/Passé et Présent, 2008.

[18] Febvre L., « L’histoire dans le monde en ruines », leçon d’ouverture du cours d’histoire moderne de l’Université de Strasbourg le 4 décembre 1919, Revue de synthèse historique, t. XXX, n° 88, février 1920, pp. 1-15.

[19] Offenstadt N., L’histoire bling-bling. Le retour du roman national, Paris, Stock, 2009.

[20] Par exemple, dans le cas des rapports de genre : la première partie du XVIIIe siècle serait « l’époque de la suprématie incontestée des danseurs de sexe masculin » (Guest I., Le Ballet de l’Opéra de Paris. Trois siècles d’histoire et de tradition, Paris, Flammarion, édition revue et augmentée, 2001, p. 24) tandis que le XIXe marquerait « le règne absolu et international de la ballerine » (Christout M.-F., Le Ballet occidental, Paris, Desjonquères, 1995, p. 80).

[21] Parmi d’innombrables exemples : « Parvenu à l’apogée d’un genre diffusé en Europe au XVIIIe siècle, préservé au Danemark et en Russie, le ballet classique a progressivement connu une défaveur de la part du public, entraînant un déclin momentané à la fin du XIXe siècle. », cf. M. F. Christout, op. cit., p. 216. La danse classique n’est pas la seule à susciter ce type d’analyse.

[22]  Christout M.-F., op. cit., p. 215.

[23] Bourcier P., op. cit., p. 17.

[24] Roger Chartier rappelle que les « pratiques » et les « représentations » ne sont pas étanches, et que si les pratiques sont « incorporées » sous la forme de représentations collectives, ces représentations sont elles aussi « les matrices de pratiques constructrices du monde social lui-même ». Au bord de la falaise, Paris, Albin Michel, 1998, p. 78.

[25] Jouhaud C., Sauver le Grand-Siècle ? Présence et transmission du passé, Paris, Seuil, 2007, p. 27.

[26] Il s’agit du programme ANR THEREPSICORE, porté par des chercheurs de l’université Blaise-Pascal (Clermont 2) et de l’université Paris IV. https://www.cairn.info/resume.php?ID_ARTICLE=AHRF_367_0017

[27] Milhous J., « Picturing Dance in Eighteenth-Century England », Music in Art: International Journal for Music Iconography, vol. XXXVI, 2011.

[28] Nous pensons ici aux travaux, en cours, de Mark Franko sur Serge Lifar et ses liens avec le IIIe Reich.

[29] Suquet A., L’Éveil des modernités. Une histoire culturelle de la danse (1870-1945), Pantin, Centre national de la danse, 2012.