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Séminaire de recherche ‘Le genre de l’imagination et l’art de la danse’

[Annonce de communication]

Elizabeth Claire, Historienne (CNRS, EHESS-CRH)

effectuera une communication intitulée

‘Le genre de l’imagination et l’art de la danse (1754-1811)’

 

Institut Emilie du Châtelet, 30 septembre 2016, Jardin des Plantes, Grand amphithéâtre d’entomologie, 43 rue Buffon (Paris 5e), 14h-16h.

Présentation

À l’aube du 19e siècle, l’Europe est saisie d’un phénomène de dansomanie liée à l’introduction des danses de couple-fermé dont la valse, la sauteuse et d’autres formes qui privilégient une rotation perpétuelle du couple pendant le temps d’une danse. Le débat se concentre sur l’engouement enthousiaste et collectif pour ces danses modernes, et porte principalement sur les effets néfastes sur l’imagination des valseuses appartenant à une «jeune génération» de danseurs.  Les effets préoccupants de ces pratiques de bal sont des accidents de santé divers liés à l’imagination malade : le vertige, l’avortement, la folie et même la mort subite. La mobilisation de cette faculté de la connaissance par les médecins et moralistes de l’époque se démarque des discours philosophiques sur la danse dans la dernière moitié du 18e siècle (Noverre, Cahusac, Diderot) où l’imagination et l’enthousiasme sont sollicités pour légitimer le projet du ballet «d’action» comme un art imitatif.

Une question de genre se pose : pourquoi une imagination chauffée par la pratique du bal condamnerait des danseuses à des états pathologiques lorsque le maître du ballet accède, par le biais du même phénomène, au statut de génie artistique, auteur de compositions «modernes» qui révolutionne la scène de l’Opéra ? Notre enquête sur l’histoire de l’imagination et l’art de la danse cherche à faire état de cet écart et des répercutions sur la sociabilité du corps féminin en jeu dans la révolution socio-politique en Europe.

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Elizabeth Claire, historienne et chargée de recherche au CNRS, est membre fondateur de l’Atelier d’histoire culturelle de la danse (CRAL) ainsi que membre associé au Centre de recherches sur les Arts et le Langage. Avec les membres de l’Atelier, elle co-anime au sein de l’EHESS, depuis 2009, le séminaire «Histoire culturelle de la danse» qui vise à promouvoir l’approche culturaliste dans les études en histoire de la danse. Elle co-anime également un séminaire sur l’Histoire du genre dans les arts vivants avec Catherine Deutsch (Paris-Sorbonne) et Raphaëlle Doyon (Univ. de Paris 8). En collaboration avec Béatrice Delaurenti (CRH), Koen Vermeir (CNRS-SPHERE), et Roberto Poma (UPEC), elle organise des colloques internationaux et un séminaire sur l’histoire de la force de l’imagination du XVe-XVIIIe siècles.

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Sélection des publications d’Elizabeth Claire sur ce sujet:

– «A Moral Defence of the Regency Ballroom – vide Wilsons Rooms», European Drama and Performance Studies No. 8 : Danse et morale. Une approche généologique, Marie Glon et Juan Ignacio Vallejos (dir.), Sabine Caouche (éd.), Éd. Classiques Garnier, [à paraître, 2017].

– «Inscrire le corps révolutionnaire dans la pathologie morale : la valse, le vertige, et l’imagination des femmes», Orages. Littérature et culture 1760-1830 : Sexes en Révolution (No 12), Florence Lotterie, Pierre Frantz (dir.), Olivier Bara (éd.), mars 2013, pp. 87-109.

– «Walzliebelust: vertigine e sogno di egualitarismo», Immaginari corporei e rappresentazioni di genere tra danza, scrittura e società, a cura di Susanne Franco, Nuove frontiere per la storia di genere. Atti del V Congresso della Società Italiana delle Storiche (Napoli 28-30 gennaio 2010), a cura di Laura Guidi e Maria Rosaria Pellizzari, Webster Press de l’Università di Salerno, Padova, 2013, pp. 223-228.

– «La Dansomanie, une expression symptomatique, entre ballet et bal au Théâtre de la République et des Arts», Roxane Martin, Marina Nordera (dir.), Les arts de la scène à l’épreuve de l’histoire, Paris, Honoré Champion, coll. « Colloques, Congrès et Conférences » dirigée par Jean Bessière, 2011, pp. 357-371.

– «Monstrous Choreographies: Waltzing, Madness & Miscarriage», Studies in Eighteenth Century Culture, Linda Zionkowski (dir.), Johns Hopkins University Press, 38: 2009, pp. 199-235.


Télécharger la présentation PDF sur le site Institut Emilie du Châtelet.

Source : Institut Emilie du Châtelet

Incorporer la danse en passant par l’écrit

Dans le cadre du colloque Incorporations à la puissance deux : le corps social et ses phénotypes littéraires, organisé par Karin Peters (JGU Mainz/FMSH), Laurence Giavarini (Université de Bourgogne/Grihl), Sophie Houdard (Sorbonne nouvelle-Paris 3/Grihl) et Dinah Ribard (EHESS-CRH/Grihl),

Marie Glon réalisera le 26 juin prochain une communication

« Incorporer la danse par l’écrit.

Le projet des « danses gravées » au XVIIIe siècle »

Carolyn Carlson, « Poems for unknowns, Designs, Drems to realize », (détail), Fonds Carolyn Carlson. IV. Carnets et cahiers de notes. IV.5. Années 2000. Poèmes et dessins, 2005-2008, Bibliothèque nationale de France.

 

Lieu : EHESS, 96 bd Raspail, Paris 6, salle Lombard.

Venez nombreuses et nombreux !


Le programme détaillé du colloque Incorporations à la puissance deux : le corps social et ses phénotypes littéraires

[Colloque] Traditions en mouvements

Colloque international – TraditionS en mouvementS

Atelier de la danse n°7 dans le cadre du Festival de Danse de Cannes 2015, Cannes, 20-21-22 novembre 2015

Argumentaire

Si les questionnements autour des notions de tradition et de contemporanéité ne sont ni récents, ni absents des études en danse, ils n’ont jusqu’à présent été posés que de façon parcellaire, essentiellement en relation aux répertoires, aux remontages des œuvres chorégraphiques ou aux pratiques dites de ‘danses traditionnelles’. Il nous paraît donc essentiel aujourd’hui de faire le point sur les recherches en ce domaine afin de permettre la confrontation et l’avancée des échanges sur ces questions prégnantes dans le monde actuel des créations chorégraphiques comme des pratiques sociales et culturelles.

Auparavant, et parfois encore, associé à l’idée d’immobilité et porteur d’a priori romantiques ou ethnocentriques, le terme « tradition » peut constituer un concept opérant dans les recherches en danse. Il peut en effet être envisagé comme un lien subtil qui relie au passé tout en inscrivant une dynamique vivante et mouvante qui construit le présent. Les objets mêmes – dansants, dansés tels la ronde par exemple – peuvent paraître nouveaux dans leur usage alors qu’ils permettent de s’interroger sur des formes qui se réitèrent et traversent le temps.

Interroger la tradition en danse signifie notamment questionner comment le passé continue d’agir sur le présent des pratiques chorégraphiques et des acteurs qui les incarnent. Comprendre sous quelle forme et à partir de quels dispositifs les ‘gestes du passé’ se réinscrivent aujourd’hui sur les scènes contemporaines. Comprendre, dans les lieux de pratiques sociales, dans ce qui est dansé aujourd’hui tout en portant le même nom que jadis, ce qui perdure et varie. Le processus de « transmission » ou de « passation » se situe ainsi au cœur de la tradition, permettant d’actualiser les gestes des prédécesseurs, la perpétuation et le devenir de tout héritage chorégraphique de quelque période et de quelque esthétique qu’il s’agisse. Trouvent ainsi place les problématiques liées à la permanence ou à la perte de ce qui apparaît comme des fondamentaux ou des invariants de ces pratiques de danse au fil du temps (question d’espace tel le lieu consacré du studio ou question d’habitudes ou de rituels presque dans l’enseignement, la relation aux maitre ou encore aux techniques).

Mais questionner la tradition en danse signifie aussi comprendre comment les héritages chorégraphiques résistent aux changements sociaux et aux ruptures de l’histoire, comment les filiations s’inscrivent dans le prolongement ou dans le détournement, voire l’oubli, des pratiques comme des savoirs. Les transitions économiques, politiques et sociales ainsi que l’apparition de nouveaux contextes performatifs imposent une réorganisation des faits chorégraphiques, des compétences motrices, des engagements sensibles et des valeurs proposées par ces pratiques. Ces changements induisent, parallèlement à un processus de spectacularisation et de médiatisation, un profond renouvellement de l’héritage gestuel et chorégraphique qu’il est nécessaire d’interroger.

Les éclairages anthropologiques, historiques, esthétiques seront sollicités car porteurs de ces réflexions, tout autant que ceux liés à l’ethnographie du travail artistique ou à l’analyse de l’activité professionnelle. La diversité des approches, que nous ne nommons pas toutes ici, permettra d’aborder les objets tout autant que les processus.

Parmi les axes de réflexion envisagés par ce colloque, signalons de manière non exhaustive :

  1. Définition, conceptualisation et opérationnalisation de la notion de ‘tradition’ au sein des études en danse.

Le colloque s’intéressera à la notion de ‘tradition’ d’un point de vue théorique et méthodologique, questionnant la pertinence, l’opérationnalité et les limites de ce concept dans les recherches en danse, ainsi que la spécificité de son emploi dans ce champ d’études. L’objectif de cet axe est donc double : en premier lieu il propose de réfléchir de façon spécifique aux usages du terme tradition au sein des études en danse, pour comprendre la spécificité de cette notion et ses contenus dans ce champ d’études. En deuxième lieu, il propose de réfléchir à l’opérationnalité de ce terme, soulevant des questions relatives à la pertinence et au sens de celui-ci dans la recherche en danse.

  1. Transmission – Filiation – Héritage

Cet axe a pour principal objectif de réfléchir à la notion de tradition à partir de l’acte de transmission. Les propositions permettront d’analyser de quelle manière et par quels biais la tradition demeure agissante au fil du temps, ou comment des pratiques, des connaissances et pensées actuelles remettent en question les pratiques antérieures. Le colloque s’intéresse, non seulement à la continuité des pratiques artistiques, ainsi que des émotions, des représentations et des valeurs qui les définissent, mais aussi et surtout aux discontinuités, aux oublis, aux pertes, aux altérations, aux porosités et aux inventions. Les communications porteront principalement, mais pas exclusivement, sur les « objets » de la transmission, les processus à l’œuvre ainsi que sur les acteurs engagés dans l’acte de transmission.

  1. Etudes de cas. Qu’est-ce qu’on danse ? Comment on danse ?

Cet axe propose de porter des éclairages sur la présence du passé dans la création actuelle, à partir d’études de cas spécifiques, qu’il s’agisse des scènes ou des lieux de pratique. Particulièrement bienvenues seront les propositions portant sur l’analyse de pratiques corporelles dansées – qu’il s’agisse de danses issues d’une tradition liée à un territoire ou de traditions liées à l’émergence des genres artistiques – qui sont aujourd’hui confrontées à l’instant présent, tant dans leur dimension de dynamique vivante de la tradition que dans leur dimension de métissage. Les sujets des communications n’auront pas de limitation temporelle ni géographique et pourront être abordés à partir d’une diversité d’approches – analyse du geste, analyse anthropologique, analyse esthétique, analyse sociologique, analyse historique…

Trent Strohm, The Magic of the Dance
Trent Strohm, The Magic of the Dance

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Communications et modalités de soumission

Le temps dévolu à chaque communication est de 20 minutes suivies de 10 minutes de questions. Des propositions de formats différents peuvent être soumises (communication chercheur, proposition chercheur-artiste, lecture-démonstration, parole dansée…). Le temps imparti ne pourra cependant dépasser 30 minutes, suivie des 10 mn de discussion. La fiche de soumission est à renvoyer pour le 1er mai 2015 au plus tard, aux formats Word et PDF, à l’adresse suivante : atelierdanse7@gmail.com

Les fichiers informatisés de la proposition, envoyés par voie électronique, seront nommés de la façon suivante : nom-prénom de l’auteur. Le Comité Scientifique, après études des propositions reçues, communiquera à tous les candidats la décision sur l’acceptation de leur communication, le 15 juin 2015, au plus tard.

Lieux et temps du colloque

Ce colloque, par l’appel à communications, répond à un format classique et universitaire mais il saura aussi mettre en œuvre de nouvelles méthodes d’approche et de débat par le tissage de formats innovants, tels que recherchés dans les journées d’étude conçues par l’équipe Danse du CTEL, la co-présence d’artistes et de chercheurs étant au cœur des Ateliers de la Danse.

 Ce colloque est organisé en partenariat avec le Festival de Danse de Cannes et avec le Centre National de la Danse. Cette année le festival, sous la direction artistique de Brigitte Lefevre, prend la voix de la coprésence des œuvres de diverses « traditions » permettant ainsi la confrontation non seulement des idées et des recherches mais il nourrira les points de vue analytiques et réflexifs et présentera des oeuvres et des artistes qui soutiendront et éclaireront la réflexion.

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Institutions

  • Université Nice Sophia Antipolis (UNS) – UFR Lettres, Arts et Sciences Humaines
  • Département des Arts, Section Danse
  • Centre Transdisciplinaire d’Epistémologie de la Littérature et des Arts Vivants (CTEL EA 6307)
  • Centre National de la Danse (CND)
  • Festival de danse de Cannes

Direction scientifique

  • Federica Fratagnoli, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Joëlle Vellet, MCF danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Laurent Barre, Responsable du service Recherche et Répertoires chorégraphiques, CND

Comité scientifique

  • Sarah Andrieu, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Laurent Barre, Responsable du service Recherche et Répertoires chorégraphiques, CND
  • Federica Fratagnoli, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Mahalia Lassibille, MCF danse, Université Paris8 Saint-Denis
  • Karen Nioche, doctorante Université de Nice Sophia Antipolis
  • Marina Nordera, PR danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Sylvianne Pagès, MCF danse, Université Paris 8 Saint-Denis
  • Joëlle Vellet, MCF danse, Université de Nice Sophia Antipolis

Comité d’organisation 

  • Laurent Barre, Responsable du service Recherche et Répertoires chorégraphiques, CND
  • Sarah Briand, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Gaia Clotilde Chernetich, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Federica Fratagnoli, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Daniela Guzman, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Elisa Lortholat, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Bianca Maurmayr, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Carolane Sanchez, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Alessandra Sini, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Joëlle Vellet, MCF danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • et Eurielle Desevedavy, Festival de Danse de Cannes

[Annonce] PhD workshop « The Body in Cultural History »

The Body in Cultural History

 PhD workshop in Oslo, Norway, November 4.- 6. 2015

What is a human body? Biology, obviously, but also a contested site of subjectivities, identities and theories. The ways bodies are experienced, lived, conceptualized, interpreted and theorized are products of their cultural contexts as well of historically specific conditions and claims.

Carolyn Carlson, “Poems for unknowns, Designs, Dreams to realize”, Carnets et cahiers de notes. III. 5. Poèmes et dessins, 2005-2008. Gouache noire. BnF.

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The workshop on the Body in Cultural History invites PhD students who work on issues and aspects concerning the human body in cultural and historical contexts. Within the overall perspectives of cultural history the key concepts will be normal / pathological; discipline; body hierarchies; stigma; nutrition; biopolitics; body images; health; gender; age.

 The invited key note lecturers are:

  • Anu Korhonen is a university lecturer in European Area and Cultural Studies at the University of Helsinki in Finland, and a cultural historian working on early modern English topics.
  • Christina Lutter is a professor at the History Department, University of Vienna and PI of the project Social and Cultural Communities across Medieval Monastic, Urban, and Courtly Cultures.
  • Dag Album is a professor at the Department of Sociology and Human Geography and heads a research project on disease prestige hierarchies in medical culture.

Teachers and respondents in the discussion of texts from the PhD students will also be : professor in cultural history Anne Eriksen, professor in medical epistemology Eivind Engebretsen, professor in sociology Marit Haldar and postdoctor in linguistics / sociology Jan Grue.

The PhD students who are accepted to the workshop will be invited to present a text (for instance one chapter) related to their theses and get it discussed by the invited resource persons as well as by the entire group. They are also expected to be respondents to the work of one other participant. A reading list of approximately 600 pages will be distributed before the course. The workshop offers possibilities to meet and work across disciplinary borders, as it invites participants from social and human sciences as well as from medicine and health care.

The workshop will take place at the University of Oslo, Blindern Campus from 4th to 6th November 2015. There is no fee, but participants will be expected to pay their own travel. A grant for the stay in Oslo is offered, as well as free meals during the workshop. The workshop will welcome up to ten PhD students. Applicants are requested to send a short abstract (max 300 words) presenting their work and the issues they particularly want to discuss at the workshop. Deadline for applications is 1 July 2015. Participation at the workshop equals 5 ECTS.

Former un danseur-lecteur

Séminaire 2014-2015 
Institut Interdisciplinaire d’Anthropologie du Contemporain
Séminaire de l’axe culture

Evelyne Ribert, Sylvie Sagnes 
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EHESS, 2e jeudi du mois de 17 h à 19 h (salle 8, 105 bd Raspail 75006 Paris) 
 
 

La première rencontre aura lieu jeudi 13 novembre, de 17h à 19h, salle 8 au 105 bd Raspail

 

La discussion portera sur une partie de la thèse de Marie Glon :

 Doctorante EHESS
IIAC – Equipe CEM
 
 « Former un danseur-lecteur : audaces et angoisses vis-à-vis d’une autonomie inédite (XVIIIe siècle) »
 

Discutant :
 
Sophie Maisonneuve  
 Maîtresse de conférence, Université Paris Descartes, Sorbonne Paris Cité
IIAC – Equipe LAHIC
 
Résumé : Dans sa thèse d’histoire (Les Lumières chorégraphiques. Les maîtres de danse européens au cœur d’un phénomène éditorial (1700-1760), sous la direction de Georges Vigarello, soutenance en décembre prochain), Marie Glon cherche à comprendre le mouvement d’édition qui se déploie en Europe, durant deux tiers de siècle, à partir de la Chorégraphie – « art de décrire la danse » dont les principes sont publiés à Paris en 1700. Grâce à cet art scripturaire sont publiées plusieurs centaines de « danses gravées », objets à la lisière de l’écriture et de l’image, dont le déchiffrage est destiné à mettre en mouvement le corps de l’usager. Lors de cette séance, elle se penchera sur les utilisations de ces « danses gravées » et sur les débats qu’elles ont occasionnés, qui révèlent des expériences novatrices quant à l’autonomie du lecteur-danseur postulé par ces objets. 

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Au nombre des quatre axes transversaux qui structurent l’IIAC, l’axe Culture privilégie, parmi les définitions qui s’attachent à son objet, celle qui entend la culture au sens d’un ensemble de biens, mis à distance physiquement et symboliquement. Observable aux quatre coins du monde, le geste de dissociation et d’élection qui préside à son instauration offre le spectacle d’une véritable mutation anthropologique, diversement saisissable : par les réceptacles de la valeur culturelle (notamment les arts et le patrimoine) ; par les enjeux politiques constitutifs des processus d’institution ; par, enfin, le regard réflexif que nous pouvons porter sur notre propre discipline en tant qu’actrice de cette démarcation. Attentif à rendre compte de ce vaste éventail d’approches, le séminaire de l’axe se veut un lieu et un moment de rencontres et d’échanges, autour de travaux, individuels ou collectifs, en voie de finalisation (thèses, rapports de recherche, ouvrages, essais, films). S’y exprimeront, aussi bien à titre d’intervenants que de discutants, doctorants, post-doctorants et chercheurs du laboratoire.

Symposium ‘Choreography and Imagination’. Appel à communications.

Symposium ‘Choreography and Imagination’, 4 et 5 juillet 2014, Université de Cologne.

Appel à communication

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Research on imagination holds a central place in the humanities. However, movement, dance, and choreography are rarely discussed in these investigations, even though dance practices can be exemplarily analyzed as a reservoir of processes of imagination. Imagination is central to the performance, transmission and choreographic structuring of movement and has a visible and immediate effect on their execution. More so, individual dance techniques and choreographic practices can be differentiated on the base of how they use and understand imagination. Thus, the investigation of dance and choreography cannot only illuminate processes of habitualization in relation to imagination – as it is central to how social, historical and aesthetic ideals are incorporated or produced – but it can also function to ponder the relationship between imagination and forms of knowing. Research on dance and imagination fosters questions about the hierarchies of the senses as it is mostly conceptualized a visual concept: but are we able to imagine – especially movement – without a physical sensation, meaning a kinesthetic perception or through proprioception? Thus, concepts of knowledge and esthetics structure the practice of imagination as much as the research on it. Thus we would like to ask by focusing on movement, dance and choreography: What hierarchies are established through a focus on certain forms of imagination?

The 6. Choreography-Symposium at the Center of Contemporary Dance likes to open an interdisciplinary exchange on this interdependent relationship of imagination and artistic and social movement structures. It will take place in cooperation with the Theater Studies Archive of the University in Cologne – and will feature both English and German papers/workshops. A publication of the papers held at the conference is planned.

We invite abstracts for papers of about 25 min. length dealing with one of the areas/questions below. Please send your abstract (English or German) with max. 2000 signs to:
yvonne.hardt@hfmt-koeln.de
taiya.mikisch@gmail.com

by March 31, 2014.

Concept: Prof. Dr. Yvonne Hardt and Taiya Mikisch M.A. (ZZT, HfMT Köln)
In cooperation with: Prof. Dr. Peter W. Marx (Universität zu Köln)
At: Zentrum für Zeitgenössischen Tanz, HfMT Köln, Turmstr. 3-5, 50733 Köln and Theaterwissenschaftliche Sammlung Schloss Wahn, Burgallee 2, 51147 Köln

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Questions/potential sections:

  • Cultural spaces of imagination in relation to movement: How have historical changes in imaginations influenced the choreographic field? How are developments in the art and the sciences interlinked in this development?
  • Which impact do the gestural material and choreographic reservoir of a given time have on the representation and production of the imagination of community and collective? Body/Movement shaping and practices of transmission: Which bodies and realities are produced in relation to which forms of imagination? How is imagination actively used in processes of transmission on movement? What are the esthetic as well as hierarchical implications of practices of imagination? And can imagination be used to reflect on them? Media and Imagination: How have the images changed in relation the development of media?
  • Economy and hierarchies of Imagination: Which economic and scientific paradigms influence imagination and their acceptance and rejection in the field of dance and choreography?
  • Imagination and Globalization: How are processes of imagination part in the construction of a globalized dance scene?

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Appel à communication : ‘Quels corps pour quelles scènes ? Le corps sur la scène et hors de la scène’

Appel à contribution

Atelier #1. 7 mars 2014. Centre national de la danse (Pantin)

Quels corps pour quelles scènes ? Le corps sur la scène et hors de la scène (part 2)

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Fonds Carolyn Carlson. III. Carnets et cahiers de notes. III.5. Années 2000. Poèmes et dessins, 2005-2008

Fonds Carolyn Carlson. III. Carnets et cahiers de notes. III.5. Années 2000. Poèmes et dessins, 2005-2008. 

Source: gallica.bnf.fr

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•> Date limite de réponse à l’appel : 21 février 2014

Nous avons le plaisir de vous inviter à participer au premier atelier de la saison 2013/2014 à l’occasion duquel nous vous proposons d’approfondir certaines des thématiques déjà traitées dans le troisième atelier de la saison précédente, en réfléchissant ensemble à la question du corps sur la scène et hors de la scène.
Notre intérêt porte sur les corps de la danse : ceux qui se transforment selon les espaces qu’ils habitent avec leur action artistique et ceux qui modifient à leur tour les espaces et la perception. Si la distinction entre danses scéniques et danses sociales est propre à la conception occidentale de la danse — et, en particulier, à une vision canonique et conventionnelle du spectacle, dans cet atelier, nous souhaitons proposer d’analyser les espaces que la danse investit en dehors des scènes occidentales et hors des espaces scéniques habituels. Car la scène n’est pas le seul lieu de la danse.
Les manifestations chorégraphiques qui naissent aux États-Unis et en Europe se déplacent depuis les années 1990 de plus en plus dans l’espace public, habitent les espaces urbains, travaillent dans les lieux d’entrecroisements socioculturels. Ces nouvelles formes d’interaction avec les publics et les métissages des pratiques du corps favorisent la prolifération des discours sur la danse dans le domaine historique, sociologique, ethnographique, etc. en construisant un sujet d’étude interdisciplinaire. En proposant le corps du danseur comme point d’observation privilégié, nous voudrions approfondir et questionner ces métissages entre la danse scénique, la danse dite « de rue », les danses traditionnelles, ou encore les « danses du monde ».

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Nous vous suggérons ci-dessous quelques pistes de réflexion :
1- Comment le rapport du corps du danseur à la scène s’est-il transformé au cours de l’histoire ? Quels sont les effets de la subversion des règles de la représentation théâtrale sur la perception du corps du danseur?
2- Comment se déroulent les processus d’appropriation des techniques et des méthodes ? Quelles sont les différences de point de vue que l’on peut identifier, d’une part chez le créateur, et d’autre part, chez le danseur-interprète ? A travers quels langages, quels moyens le chorégraphe arrive-t-il à créer ces /« ses » corps scéniques ? Comment le chorégraphe forme les corps des danseurs ? Par quelles pratiques et« techniques du corps » (M. Mauss) ?
3- Comment et pourquoi des formes de danse nées dans des contextes socioculturels urbains (danses traditionnelles et danses populaires) ont-elles été investies les scènes institutionnelles ? Quelles significations donner à cette intégration ? Quelles sont les implications sociopolitiques de cette assimilation?
4- Comment les espaces « hors cadre » de la danse/performance influencent-ils le mouvement des corps dansants ? Et comment la danse modifie-t-elle l’interaction des spectateurs avec l’espace public ? Quelles nouvelles formes d’interactions et d’écritures ces nouveaux cadres apportent-t-ils à la danse ?
5- Peut-on également désigner par « hors cadre » la danse théâtrale elle-même lorsque les chorégraphes prennent des orientations artistiques qui sortent des bornes habituelles de la représentation scénique (interaction avec les spectateurs, décloisonnement des codes de la représentation, ouverture multidisciplinaire, etc.) ?

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Ces pistes de réflexion sont des suggestions. Elles restent ouvertes à toute autre proposition concernant le sujet proposé et ne sont limitées par aucune frontière chronologique, géographique et culturelle.
Nous vous rappelons que ces ateliers, organisés depuis mai 2007, sont proposés aux doctorants disséminés au sein de différentes universités et dans des disciplines très variées. Ils permettent, dans une atmosphère d’échange et de collaboration, de débattre des difficultés méthodologiques rencontrées dans le travail de thèse.
Il ne s’agit en aucun cas d’un colloque. Les présentations sont avant tout des questionnements et non des communications abouties. Il nous semble particulièrement nécessaire d’insister sur cet aspect de work in progress pour cet atelier, où nous vous invitons à venir participer à notre réflexion commune en abordant vos doutes, vos difficultés, autour de votre corpus et de vos
sources. Les échanges seront encadrés par des chercheurs confirmés, présents pour enrichir et orienter la discussion.
Tous les jeunes chercheurs ayant la danse comme objet de recherche sont donc invités à répondre à cet appel, quelle que soit leur discipline.

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Nous vous proposons deux formats d’intervention :
• Intervention individuelle de 15 à 20 minutes autour d’une question méthodologique + temps de discussion avec un répondant invité.
• Dialogue : entre deux doctorants (ou plus) autour d’un objet de recherche commun, mettant face à face des méthodologies de recherche différentes pour les interroger. 30 à 45 minutes + temps de discussion avec un répondant invité.
Nous encourageons les dialogues interdisciplinaires autour des questions proposées !

Merci de nous faire parvenir vos propositions d’intervention, sous la forme d’un résumé de 2500 signes maximum, au plus tard le 21 février 2014, à l’adresse : doctorantsendanse@gmail.com.
Votre proposition doit impérativement être accompagnée des précisions suivantes :
– Nom, Prénom
– Intitulé de la thèse
– Université/Laboratoire ou équipe
– Directeur de thèse
– Discipline(s)
– Année de votre inscription en doctorat.

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Appel à contribution ‘Dancing Spaces’

Call for Contributions: Dancing Spaces. Guest editors : Drs Ying Zhu and Alexis Weisbrod

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Sans titre ni photographe connu, [danseurs sur un toit parisien], agence de presse Meurisse, 1936. Bibliothèque nationale de France.
Sans titre ni photographe connu, [danseurs sur un toit parisien], agence de presse Meurisse, 1936. Bibliothèque nationale de France.

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Where the moving, inscriptive body and its accompanying choreographies nurture a constant and visually loud dialogue with the spaces within which they are embedded, dance scholarship houses investigations in which the body is layered over examinations of accompanying spatiality. Yet the dancing performed in everyday life by bodies operating in and with the built environment is equally revealing of culture.

This volume of Conversations Across the Field of Dance Studies investigates what transpires at the intersection between pedestrian bodies and the theater of the everyday landscape. It is seeking conduits for uncovering meanings produced when space and architecture collide with bodies navigating and using the built environment, and when we make our way onto the streets and observe the shifting, gesturing, moving bodies that inhabit them.

Submissions could relate (but are not limited) to the following proposed themes:

  1. How does the body’s interaction with the built environment uncover cultural meaning ?
  2. How do pedestrian bodies and choreography define space and/or engage in the re-purposing of space (ex: The (re-) appropriation of Zucotti Park, NY by members of the Occupy Wall Street movement)
  3. The impact of flashmobs on public (and private) space
  4. The centrality of space and architecture in the development of site-specific choreography
  5. Are pedestrian choreographies, within the built environment, relevant to dance studies?
  6. How do built environments and space theory foreground the study of the dancing body?
  7. How do bodies physically navigate the infrastructure and space of the internet?

As spaces for developing ideas and promoting debate, submissions should be approx. 1500 words in length, up to a max. of 2500 words. They may take on various formats including (but not limited to) short articles, poetry/fiction, critical dialogues, photography, illustrations, visual images, cartoons, drawings, or performative representations of dance.

Please forward inquiries and submissions to Ying Zhu — yingz81@gmail.com
Deadline: April 22, 2013.

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Bibliographie #2 : L’iconographie de la danse

Nous poursuivons cette année notre réflexion historiographique et méthodologique sur les usages de l’iconographie dans l’histoire de la danse.

Vous trouverez ici la bibliographie que nous avons constitué pour la préparation des séances du séminaire. Elle n’est pas exhaustive.

Toutes vos suggestions de lectures complémentaires seront les bienvenues.

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Gabriel de Saint-Aubin, Interior of the Coliseum, Paris, ca 1771-1780, black chalk with watercolour, British Museum.
Gabriel de Saint-Aubin, Interior of the Coliseum, Paris, ca 1771-1780, black chalk with watercolour, British Museum.

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1. Historiographie – Méthodologie

Barbichon Guy, « Usages de l’image : faire, dire », Ethnologie française, nouvelle série, t. 24, n° 2 : Usages de l’image, avril-juin 1994, pp. 169-175.

Burke Peter, Eyewitnessing, London, Reaktion, 2001.

Burke Peter, « Interrogating the Eyewitness », Cultural and Social History, 7:4, 2010, pp. 435-443.

Garelli Marie-Hélène, « Gestuelle et danse dans le monde antique. Deux questions de bibliographie », Pallas, 71, 2006, pp. 151-167.

Goetschel Pascale, « Les usages de l’image en histoire », Vie sociale, « Iconographie et histoire sociale », n° 1, 2005, pp. 21-41.

Hunt Lynn et Vanessa R. Schwartz, « Capturing the Moment: Images and Eyewitnessing in History », Journal of Visual Culture, décembre 2010 9:3, pp. 259-271.

Maguet Frédéric, « De la série éditoriale dans l’imagerie : l’exemple des costumes régionaux », Ethnologie française, nouvelle série, t. 24, n° 2 : Usages de l’image, avril-juin 1994, pp. 226-241.

Vigarello Georges, « Le corps comme objet de représentation : un regard d’historien », dans B. Madiot, É. Lage, A. Arruda (dir.), Une approche engagée en psychologie sociale : l’œuvre de Denise Jodelet, Paris, Érès, 2008, p. 189-197.

Vovelle Michel, Idéologies et mentalités, Paris, François Maspero, 1982.

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2. Histoire des images et des techniques de reproduction

Baridon Laurent, Guédron Martial, L’art et l’histoire de la caricature, Paris, Citadelles & Mazenod, 2009, 303 p.

Bassy Alain-Marie, « Le texte et l’image », dans Roger Chartier, Henri-Jean Martin (dir.), Histoire de l’édition française, vol. II : Le Livre triomphant. 1660-1830, Paris, Fayard, Cercle de la librairie, 1990.

Cabanne Pierre, Honoré Daumier, témoin de la Comédie humaine, Paris, Éditions de l’Amateur, 1999, 189 p.

Gaudriault Raymond, La gravure de mode féminine en France, Paris, Éditions de l’Amateur, 1983, 223 p.

Gaudriault Raymond, Répertoire de la gravure de mode française des origines à 1815, Paris, Promodis – Éditions du Cercle de la Librairie, 1988, 309 p.

Gervereau Laurent, Histoire du visuel au XXe siècle, Paris, Editions du Seuil, 2003.

Grivel Marianne, Le commerce de l’estampe à Paris au XVIIe siècle, Genève : Droz, Paris : Champion, 1986, 448 p.

Michaud Stéphane, Mollier Jean-Yves, Savy Nicole (dir.), Usages de l’image au XIXe siècle, Créaphis, 1992.

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3. Théories des images

Agamben Giorgio, Image et mémoire, Paris, Hoëbeke, 1998.

Careri Giovanni, Lissarrague François, Schmitt Jean-Claude et Severi Giovanni (dir.), Traditions et temporalités des images, Paris, éd. de l’EHESS, 2009.

Careri Giovanni, Envols d’amour. Le Bernin montage des arts et dévotion baroque, Paris, Usher, 1990.

Careri Giovanni, La Jérusalem délivrée du Tasse. Poésie, peinture, musique, ballet, Klincksiek, Musée du Louvre, 1999, 449 p. Edition des actes du colloque organisé à l’Institut Culturel Italien et au Louvre en 1993.

Careri Giovanni, Gestes d’amour et de guerre. L’image-affect. Poésie, peinture, théâtre et danse dans l’Europe du Tasse, Paris, éd. de l’EHESS, 2005.

Didi-Huberman Georges, Devant l’image : question posée aux fins d’une histoire de l’art, Paris, Éd. de Minuit, 1990.

Didi-Huberman Georges, Devant le temps : histoire de l’art et anachronisme des images, Paris, Éd. de Minuit, 2000.

Didi-Huberman Georges, L’Image survivante : histoire de l’art et temps des fantômes selon Aby Warburg, Paris, Éd. de Minuit, 2002.

Ginzburg Carlo, « De A. Warburg à E. Gombrich. Notes sur un problème de méthode », dans Mythes Emblèmes Traces. Morphologie et histoire (trad. M. Aymard et al.), Lagrasse, Verdier, 2010.

Marin Louis, Détruire la peinture, Paris, Galilée, 1977.

Marin Louis, Des pouvoirs de l’image, Paris, Seuil, 1993.

Marin Louis, De la représentation, Paris, Gallimard/Le Seuil, 1994, 396 p.

Marin Louis, Opacité de la peinture, Paris, éd. de l’EHESS, 2006, 263 p.

Michaud Philippe-Alain, Aby Warburg et l’image en mouvement, Paris, Macula, 1998

Panofsky Erwin, La perspective comme forme symbolique (trad. sous la dir. de Guy Ballangé), Paris, Ed. de Minuit, 1991.

Panofsky Erwin, Essais d’iconologie (trad. C. Herbette et B. Teyssèdr), Paris, Gallimard, 1979.

Severi Carlo (dir.), Image et anthropologie, numéro spécial de la revue L’Homme, n. 165, Janvier/ mars 2003.

Severi Carlo (dir.), Pièges à voir, pièges à penser, numéro spécial de la revue Gradhiva, 2011.

Warburg Aby, Essais florentins (trad. S. Muller), Paris, Klincksieck, 2003 [1990].

Warburg Aby,  Le Rituel du serpent, (trad. S. Muller et al.), Paris, Macula, 2003.

Warburg Aby, « Les costumes de scène pour les Intermèdes de 1589 » [1895], dans A. Surgers (trad. et présentation), La Pellegrina et les Intermèdes, Florence, 1589, Vijon, Lampsaque, 2009.

Warburg Aby, Miroirs de faille : à Rome avec Giordano Bruno et Édouard Manet, 1928-29 (trad. S. Zilberfarb), Dijon, Les Presses du réel, Paris, Institut national d’histoire de l’art, l’Écarquillé, 2011.

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4. Histoire & Culture Visuelle

Bal Mieke, « Part 3: Visual Analysis », dans A Mieke Bal Reader Chicago, University of Chicago Press, 2006, pp. 269-334.

[Coll.], « Visual Culture Questionnaire », October, Vol. 77. (Summer, 1996), pp. 25-70.

Coronil Fernando, « Seeing History », Hispanic American Historical Review, 84.1 (2004) 1-4.

Dikovitskaya Margarita, Visual culture : the study of the visual after the cultural turn, Cambridge, Mass., MIT Press, 2005, 316 p.

Bryson Norman, Michael Ann Holly, et Keith Moxey (éds.), Visual culture : images and interpretations, Hanover, NH : UP of New England / Wesleyan University Press, 1994, 429 p.

Evans Jessica and Stuart Hall (eds.), Visual Culture: The Reader London, Sage Publications Ltd., 1999, 512 p.

Holly Michael Ann and Moxey Keith (eds.), Art History, Aesthetics, Visual Studies, New Haven, CT: Sterling and Francine Clark Art Institute/Yale University Press, 2002.

Howells Richard, Visual culture, Cambridge, Polity, 2003, 292 p.

Jay Martin, « Cultural relativism and the visual turn », Journal of Visual Culture, December 2002 1, pp. 267-278.

Jay Martin, Downcast Eyes: The Denigration of Vision in Twentieth-Century French Thought, Berkeley, University of California Press, 1994, 648 p.

Mirzoeff Nicolas, « On Visuality », Journal of Visual Culture, 5:1, avril 2006, pp. 53-79.

Mirzoeff Nicolas, « What is Visual Culture? », An Introduction to Visual Culture, London, Routledge, 1999, p. 1-33.

Mirzoeff Nicholas, Bodyscape : art, modernity and the ideal figure, London, Routledge, 1995, 214 p.

Mitchell, W.J.T., Iconology: Image, Text, Ideology, Chicago, University of Chicago Press, 1987, 226 p.

Mitchell, W.J.T., Picture Theory: Essays on Verbal and Visual Representation, Chicago, University of Chicago Press, 1994.

Mulvey Laura, « Visual Pleasure and Narrative Cinema », Screen, 16.3, Autumn 1975, pp. 6-18.

Mulvey Laura, Visual & Other Pleasures, London, Palgrave MacMillan, 2009 (1989).

Phelan Peggy, Unmarked: the politics of performance, London, Routledge, 1993, 224p.

Schwartz Vanessa R., et Jeannene M. Przyblyski (éds.), The Nineteenth-Century Visual Culture Reader, London, Routledge, 2004, pp. 235-38.

Schwartz Vanessa R., Spectacular Realities: Early Mass Culture in fin-de-siècle Paris, Berkeley, University of California Press, 1998.

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5. Théâtre – Danse

Aliverti Maria Inès, Il Rittrato d’attore nel Settecento francese e inglese, Pisa, ETS ed., 1986, 168 p.

Aliverti Maria Inès, La Naissance de l’acteur moderne. L’acteur et son portrait au XVIIIe siècle, Paris, Gallimard, coll. « Le temps des images », 1998, 247 p.

Anglo Sydney, L’escrime, la danse et l’art de la guerre. Le livre et la représentation du mouvement, Paris, Bibliothèque nationale de France, 2011, 95 p.

Asleson Robyn (éd.), Notorious Muse : the Actress in British Art and Culture, 1776-1812, New Haven-Londres, Yales University Press, 2003, 240 p.

Auclair Mathias, Vidal Pierre (dir.), Image[s] de la danse, Paris, Bibliothèque nationale de France ; Montreuil, Gourcuff-Gradenigo, 2008, 95 p.

Balme Christopher Bryan, Chiara Maria, Erenstein Robert, Molinari Cesare, Pietrini Sandra, European theatre iconography: proceedings of the European Science Foundation Network : Mainz, 22-26 July 1998, Wassenaar, 21-25 July 1999, Poggio a Caiano, 20-23 July 2000, Roma, Bulzoni, 2002, 388 p.

Clarke Mary, Crisp Clement, Ballet in art : from the Renaissance to the present, London, Ash & Grant, 1978, 144 p.

Claire Elizabeth, « L’inconvenance du corps révolutionnaire en Angleterre, ou la valse macabre », Analele Universitatii Bucuresti, Seria Historia, n° 58/2009, Editura Universitatii Bucuresti, 2010, pp. 49-66.

Cohen Sarah R., Art, Dance, and the Body in French Culture of the Ancien Regime, Cambridge, Melburne, Madrid, Cambridge University Press, 2000, 352 p.

[Coll.], Figures libres, Figures imposées de la danse. Exposition du 13 juin au 19 septembre 2010, Patrimoine en Isère – musée Saint-Antoine-l’Abbaye, 2010, 128 p. [Catalogue d’expo : l’iconographie de la danse de l’Antiquité au XXe siècle]

Debat Michelle (dir.), Photographie et danse, numéro spécial de la revue Ligiea, dossiers sur l’art, 2012.

Declercq Gilles, Guardia Jean de (dir.), Iconographie théâtrale et genres dramatiques. Mélanges offerts à Martine de Rougemont, Paris, Presses Sorbonne Nouvelle, 2008, 272 p.

Erenstein Robert L., « Theatre Iconography: An Introduction », Theatre Research International, XXII, n° 3 (autumn 1997), pp. 185-189.

Guillot Catherine, « Portraits d’acteurs (XVIIe siècle – début XIXe siècle) », Revue d’histoire du théâtre, 1er trimestre 2008, n° 237.

Guilmar-Geddes Laurence, « De l’iconographie de quelques figures de ballet sous le règne de Louis XIV », La Recherche en danse, n° 2, 1983, pp. 39-44.

Hawcroft Michael, « Le théâtre français du XVIIe siècle et le livre illustré », dans Larry F. Norman, Philippe Desan, Richard Strier (dir.), Du spectateur au lecteur. Imprimer la scène aux XVIe et XVIIe siècles, Fasano, Paris, Schena Editore, Presses de l’Université de Paris-Sorbonne, 2002, pp. 317-348.

Heck Thomas (dir.), Picturing Performance: The Iconography of the Performing Arts in Concept and Practice, Rochester, N. Y.; Woodbridge, University of Rochester Press, 1999, 255 p.

Guibert Noëlle (dir.), Portrait(s) de Sarah Bernhardt, Paris, Bibliothèque nationale de France, 2000, 207 p.

Guibert Noëlle, Garcia Joëlle (dir.), Acteurs en scène : regards de photographes, Paris, Bibliothèque nationale de France, 2008, 125 p.

Kowzan Tadeusz, « Iconographie-iconologie théâtrale : le signe iconique et son référent », Diogène, n° 130 (avril-juin 1985), pp. 51-68.

La Gorce Jérôme de, Monbeig Goguel Catherine, Iconographie et arts du spectacle. Actes du séminaire CNRS, Paris, Klincksieck, 1996.

Launay Isabelle, « Portrait d’une danseuse en sorcière, Hexentanz de Mary Wigman », Théâtre / Public, 2000.

Louppe Laurence, « Le corps visible. La photographie comme source iconographique de l’histoire de la danse moderne et contemporaine. Supports, genres, usages », dans L’histoire de la danse, repères dans le cadre du diplôme d’Etat, Pantin, CND, 2000, pp. 46-54.

McCarren Felicia, Dancing Machines: Choreographies of the Age of Mechanical Reproduction, Stanford Univ. Press, 2003, 264 p.

Mirimonde Albert P. de, L’iconographie musicale sous les Bourbons. La musique dans les arts plastiques (XVIIe-XVIIIe siècles), Paris, Éditions A. et J. Picard, 1975, 202 p.

Music in Art. International Journal for Music Iconography, Vol. XXXVI, n° 1-2, Spring 2011. [N° spécial sur l’iconographie de la danse].

Nordera Marina, La construction de la féminité dans la danse (XVe-XVIIIe siècle), (catalogue d’exposition, Centre national de la danse, 4 novembre 2004-21 janvier 2005), Pantin, Centre national de la danse, 2004, 47 p.

Olivesi Vannina, « L’iconographie comme source dans l’historiographie du ballet de l’Opéra de Paris : l’exemple des Galeries théâtrales du premier XIXe siècle », dans Roxane Martin, Marina Nordera (dir.), Les arts de la scène à l’épreuve de l’histoire. Les objets et les méthodes de l’historiographie des spectacles produits sur la scène française (1635-1906). Actes du colloque international tenu à l’Université de Nice-Sophia Antipolis, Paris, Honoré Champion, 2011, pp. 193-210.

Perry Gill, Roach Joseph, The First Actresses : Nell Gwyn to Sarah Siddons, London, National Portrait Gallery, 2011.

Quaderni di Teatro, VII, 28 (maggio 1985) : « Rittrato d’attore ».

Revue de la Bibliothèque nationale de France, n°29, 2008 : « La danse », pp. 3-36.

Rougemont Martine de, « Deux images d’un théâtre ou l’Image du Théâtre », Quaderni di Teatro, III, 11 (febraio 1981) : « Il teatro dell’Illuminismo », pp. 51-66.

Rougemont Martine de, « Situation de l’iconographie théâtrale », dans Jean-Marie Thomasseau (dir.), Le théâtre au plus près. Pour André Veinstein, Saint-Denis, Presses universitaires de Vincennes, 2005, pp. 168-182.

Rousier Claire (dir.), Scènes de bal, bals en scène, Pantin, Centre national de la danse, 2010, 124 p.

Sobchackz Vivian, Carnal Thoughts : Embodiment and Moving Image Culture, University of California Press, 2004, 340 p.

Sowell Madison U. (et al.), Il balletto romantico : tesori della collezione Sowell, Palermo, L’Epos, 2007, 242 p.

Van Dyk Katharina, « D’une figure d’extase. Étude d’une photographie de Doris Humphrey dans le solo Two Ecstatic Themes (1931) », Funambule, n° 10, déc. 2010, pp. 75-92.

Vertigo. Esthétique et histoire du cinéma, hors-série Danses, Marseille, Images En Manœuvres Éditions, octobre 2005.

West Shearer, The Image of the Actor: Verbal and Visual Representation in the Age of Garrick and Kemble, London, Pinter Publishers, 1991.

Wild Nicole, Décors et costumes du XIXe siècle, Paris, Bibliothèque nationale, 2 vol., 1987.

Zorzi Ludovico, Représentation picturale et représentation théâtrale, Paris, G. Monfort, 1998.

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L’histoire des bals sur France Culture

La Fabrique de l’Histoire sur France Culture a produit cette semaine quatre émissions sur l’histoire des bals : 

  • la première émission était consacrée à Michel Reilhac qui a inventé « Le Bal moderne » en 1993 ;
  • celle de mardi 7 janvier proposait un documentaire sur les bals clandestins durant la Seconde Guerre mondiale ;
  • dans la troisième, Emmanuel Laurentin recevait Marie-Françoise Bouchon et Marina Nordera sur le sujet du bal des débutantes et à l’entrée dans le monde ;
  • le débat historiographique de la quatrième émission était consacré à deux ouvrages : Scènes de bal, bals en scène par Marie-Françoise Bouchon, Virginie Garandeau, Sophie Jacotot, Nathalie Lecomte (Pantin, Centre national de la danse, 2011) et à l’ouvrage récent de Sophie Jacotot, Danser à Paris dans l’entre-deux-guerres : lieux, pratiques et imaginaires des danses de société des Amériques, 1919-1939 (Paris, Nouveau Monde, 2013).

A écouter ici !

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