Archives par étiquette : anthropologie

[Parution] Se faire contemporain

Se faire contemporain. Les danseurs africains à l’épreuve de la mondialisation culturelle

Altaïr Despres

Publications de la Sorbonne, coll. « Homme et Société », 2016

28405100693470L

Présentation :
Longtemps absents de la scène chorégraphique contemporaine, les danseurs africains semblent bien avoir, depuis une vingtaine d’années, le vent en poupe. Ils sont désormais les invités des festivals et des théâtres internationaux les plus prestigieux, et leurs pièces sont saluées tant par le public que par la critique. C’est que, disent les commentateurs, la mondialisation culturelle est passée par là.
Mais qu’est-ce, au juste, que cette mondialisation ?
L’auteure, sociologue et anthropologue, a mené une enquête de terrain de plusieurs années dans l’univers de la danse contemporaine africaine. À partir d’un travail d’archives, d’observations ethnographiques et du recueil de nombreux témoignages d’artistes et de professionnels de la culture, son livre retrace l’émergence de cette esthétique chorégraphique sur le continent africain. Il documente en particulier le parcours de jeunes danseurs, depuis les quartiers populaires de Bamako et de Ouagadougou jusqu’aux planches des grandes scènes parisiennes. Ce faisant, la mondialisation culturelle cesse d’apparaître comme un phénomène vague et irrépressible : elle devient une réalité concrète, une expérience pratique, dont on saisit tour à tour les ressorts politiques, artistiques ou migratoires.
L’apparition d’une forme « contemporaine » de danse en Afrique repose sur la formation de réseaux institutionnels connectés à l’Europe, sur la construction opportune d’intérêts esthétiques pour le continent noir, sur l’appropriation par les danseurs africains d’un rapport nouveau à l’art et, finalement, sur la formation de subjectivités inédites de danseurs et de chorégraphes qui en viennent à incarner, entre « ici » et « là-bas », l’art africain internationalisé.

Source de l’information : Publications de la Sorbonne.

[Colloque] Traditions en mouvements

Colloque international – TraditionS en mouvementS

Atelier de la danse n°7 dans le cadre du Festival de Danse de Cannes 2015, Cannes, 20-21-22 novembre 2015

Argumentaire

Si les questionnements autour des notions de tradition et de contemporanéité ne sont ni récents, ni absents des études en danse, ils n’ont jusqu’à présent été posés que de façon parcellaire, essentiellement en relation aux répertoires, aux remontages des œuvres chorégraphiques ou aux pratiques dites de ‘danses traditionnelles’. Il nous paraît donc essentiel aujourd’hui de faire le point sur les recherches en ce domaine afin de permettre la confrontation et l’avancée des échanges sur ces questions prégnantes dans le monde actuel des créations chorégraphiques comme des pratiques sociales et culturelles.

Auparavant, et parfois encore, associé à l’idée d’immobilité et porteur d’a priori romantiques ou ethnocentriques, le terme « tradition » peut constituer un concept opérant dans les recherches en danse. Il peut en effet être envisagé comme un lien subtil qui relie au passé tout en inscrivant une dynamique vivante et mouvante qui construit le présent. Les objets mêmes – dansants, dansés tels la ronde par exemple – peuvent paraître nouveaux dans leur usage alors qu’ils permettent de s’interroger sur des formes qui se réitèrent et traversent le temps.

Interroger la tradition en danse signifie notamment questionner comment le passé continue d’agir sur le présent des pratiques chorégraphiques et des acteurs qui les incarnent. Comprendre sous quelle forme et à partir de quels dispositifs les ‘gestes du passé’ se réinscrivent aujourd’hui sur les scènes contemporaines. Comprendre, dans les lieux de pratiques sociales, dans ce qui est dansé aujourd’hui tout en portant le même nom que jadis, ce qui perdure et varie. Le processus de « transmission » ou de « passation » se situe ainsi au cœur de la tradition, permettant d’actualiser les gestes des prédécesseurs, la perpétuation et le devenir de tout héritage chorégraphique de quelque période et de quelque esthétique qu’il s’agisse. Trouvent ainsi place les problématiques liées à la permanence ou à la perte de ce qui apparaît comme des fondamentaux ou des invariants de ces pratiques de danse au fil du temps (question d’espace tel le lieu consacré du studio ou question d’habitudes ou de rituels presque dans l’enseignement, la relation aux maitre ou encore aux techniques).

Mais questionner la tradition en danse signifie aussi comprendre comment les héritages chorégraphiques résistent aux changements sociaux et aux ruptures de l’histoire, comment les filiations s’inscrivent dans le prolongement ou dans le détournement, voire l’oubli, des pratiques comme des savoirs. Les transitions économiques, politiques et sociales ainsi que l’apparition de nouveaux contextes performatifs imposent une réorganisation des faits chorégraphiques, des compétences motrices, des engagements sensibles et des valeurs proposées par ces pratiques. Ces changements induisent, parallèlement à un processus de spectacularisation et de médiatisation, un profond renouvellement de l’héritage gestuel et chorégraphique qu’il est nécessaire d’interroger.

Les éclairages anthropologiques, historiques, esthétiques seront sollicités car porteurs de ces réflexions, tout autant que ceux liés à l’ethnographie du travail artistique ou à l’analyse de l’activité professionnelle. La diversité des approches, que nous ne nommons pas toutes ici, permettra d’aborder les objets tout autant que les processus.

Parmi les axes de réflexion envisagés par ce colloque, signalons de manière non exhaustive :

  1. Définition, conceptualisation et opérationnalisation de la notion de ‘tradition’ au sein des études en danse.

Le colloque s’intéressera à la notion de ‘tradition’ d’un point de vue théorique et méthodologique, questionnant la pertinence, l’opérationnalité et les limites de ce concept dans les recherches en danse, ainsi que la spécificité de son emploi dans ce champ d’études. L’objectif de cet axe est donc double : en premier lieu il propose de réfléchir de façon spécifique aux usages du terme tradition au sein des études en danse, pour comprendre la spécificité de cette notion et ses contenus dans ce champ d’études. En deuxième lieu, il propose de réfléchir à l’opérationnalité de ce terme, soulevant des questions relatives à la pertinence et au sens de celui-ci dans la recherche en danse.

  1. Transmission – Filiation – Héritage

Cet axe a pour principal objectif de réfléchir à la notion de tradition à partir de l’acte de transmission. Les propositions permettront d’analyser de quelle manière et par quels biais la tradition demeure agissante au fil du temps, ou comment des pratiques, des connaissances et pensées actuelles remettent en question les pratiques antérieures. Le colloque s’intéresse, non seulement à la continuité des pratiques artistiques, ainsi que des émotions, des représentations et des valeurs qui les définissent, mais aussi et surtout aux discontinuités, aux oublis, aux pertes, aux altérations, aux porosités et aux inventions. Les communications porteront principalement, mais pas exclusivement, sur les « objets » de la transmission, les processus à l’œuvre ainsi que sur les acteurs engagés dans l’acte de transmission.

  1. Etudes de cas. Qu’est-ce qu’on danse ? Comment on danse ?

Cet axe propose de porter des éclairages sur la présence du passé dans la création actuelle, à partir d’études de cas spécifiques, qu’il s’agisse des scènes ou des lieux de pratique. Particulièrement bienvenues seront les propositions portant sur l’analyse de pratiques corporelles dansées – qu’il s’agisse de danses issues d’une tradition liée à un territoire ou de traditions liées à l’émergence des genres artistiques – qui sont aujourd’hui confrontées à l’instant présent, tant dans leur dimension de dynamique vivante de la tradition que dans leur dimension de métissage. Les sujets des communications n’auront pas de limitation temporelle ni géographique et pourront être abordés à partir d’une diversité d’approches – analyse du geste, analyse anthropologique, analyse esthétique, analyse sociologique, analyse historique…

Trent Strohm, The Magic of the Dance

Trent Strohm, The Magic of the Dance

*

Communications et modalités de soumission

Le temps dévolu à chaque communication est de 20 minutes suivies de 10 minutes de questions. Des propositions de formats différents peuvent être soumises (communication chercheur, proposition chercheur-artiste, lecture-démonstration, parole dansée…). Le temps imparti ne pourra cependant dépasser 30 minutes, suivie des 10 mn de discussion. La fiche de soumission est à renvoyer pour le 1er mai 2015 au plus tard, aux formats Word et PDF, à l’adresse suivante : atelierdanse7@gmail.com

Les fichiers informatisés de la proposition, envoyés par voie électronique, seront nommés de la façon suivante : nom-prénom de l’auteur. Le Comité Scientifique, après études des propositions reçues, communiquera à tous les candidats la décision sur l’acceptation de leur communication, le 15 juin 2015, au plus tard.

Lieux et temps du colloque

Ce colloque, par l’appel à communications, répond à un format classique et universitaire mais il saura aussi mettre en œuvre de nouvelles méthodes d’approche et de débat par le tissage de formats innovants, tels que recherchés dans les journées d’étude conçues par l’équipe Danse du CTEL, la co-présence d’artistes et de chercheurs étant au cœur des Ateliers de la Danse.

 Ce colloque est organisé en partenariat avec le Festival de Danse de Cannes et avec le Centre National de la Danse. Cette année le festival, sous la direction artistique de Brigitte Lefevre, prend la voix de la coprésence des œuvres de diverses « traditions » permettant ainsi la confrontation non seulement des idées et des recherches mais il nourrira les points de vue analytiques et réflexifs et présentera des oeuvres et des artistes qui soutiendront et éclaireront la réflexion.

*

Institutions

  • Université Nice Sophia Antipolis (UNS) – UFR Lettres, Arts et Sciences Humaines
  • Département des Arts, Section Danse
  • Centre Transdisciplinaire d’Epistémologie de la Littérature et des Arts Vivants (CTEL EA 6307)
  • Centre National de la Danse (CND)
  • Festival de danse de Cannes

Direction scientifique

  • Federica Fratagnoli, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Joëlle Vellet, MCF danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Laurent Barre, Responsable du service Recherche et Répertoires chorégraphiques, CND

Comité scientifique

  • Sarah Andrieu, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Laurent Barre, Responsable du service Recherche et Répertoires chorégraphiques, CND
  • Federica Fratagnoli, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Mahalia Lassibille, MCF danse, Université Paris8 Saint-Denis
  • Karen Nioche, doctorante Université de Nice Sophia Antipolis
  • Marina Nordera, PR danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Sylvianne Pagès, MCF danse, Université Paris 8 Saint-Denis
  • Joëlle Vellet, MCF danse, Université de Nice Sophia Antipolis

Comité d’organisation 

  • Laurent Barre, Responsable du service Recherche et Répertoires chorégraphiques, CND
  • Sarah Briand, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Gaia Clotilde Chernetich, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Federica Fratagnoli, MCF Danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Daniela Guzman, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Elisa Lortholat, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Bianca Maurmayr, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Carolane Sanchez, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Alessandra Sini, doctorante en danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • Joëlle Vellet, MCF danse, Université de Nice Sophia Antipolis
  • et Eurielle Desevedavy, Festival de Danse de Cannes

[Colloque] Orchestrer la nation. Musiques, danses et (trans)nationalismes

Orchestrer la nation. Musiques, danses et (trans)nationalismes Colloque international organisé à Paris

Maison des Cultures du Monde – 12 et 13 Novembre 2015

Depuis une vingtaine d’années, le développement d’un champ de recherche sur les pratiques musicales et dansées a donné naissance à un nombre considérable de monographies s’attachant à décrire la construction de mondes, de genres et de marchés musicaux, dans des Etats extra-occidentaux et postcoloniaux notamment. La musique y est présentée comme un creuset de transformations sociales, en lien avec la production de « modernités » (Erlmann, 1999) et l’urbanisation (Waxer, 2010), mais aussi comme un site central de production des nationalismes et des représentations de la nation : Peter Wade (2000) a ainsi démontré comment en Colombie, la musique permettait simultanément de construire les frontières de la nation et de s’imaginer dans le monde, tandis qu’en Tanzanie, Kelly Askew (2006) apporta des révisions considérables à la connaissance des nationalismes, en montrant que dans ce contexte où la propagation de l’écriture ne s’était pas opérée de façon générale, les sociétés de danse et de musique avaient été des véhicules majeurs pour inculquer une conscience politique et nationale à la fin de la colonisation et aux indépendances. Tout en offrant une large attention aux dialogues transnationaux sur lesquels reposent ces pratiques musicales et aux cosmopolitismes qu’elles conduisent à inventer (Turino, 2000 ; Glick-Schiller, Meinhof, 2011), différents travaux ont permis d’apporter des éclairages importants concernant les logiques de production de la nation dans des Etats postcoloniaux (à travers notamment la création des ensembles artistiques nationaux : ballets, orchestres, etc.), tandis que d’autres ont démontré, en Afrique notamment, la conjugaison entre projets nationalistes étatiques et identifications à une nation noire transnationale (Apter, 2006 ; Dorsch, 2010 ; Aterianus-Owanga et Guedj, 2014). Actuellement, l’observation des appropriations de différents genres musicaux mondialisés à des fins d’identification nationale – rap (Aterianus-Owanga, 2014), rock (Dorin, 2012), jazz (Martin et Roueff, 2002 ; Kelley, 2012), salsa (Waxer, 2010), reggae (Cooper, 2012) – démontre encore combien dans le creuset de la musique s’expriment autant des nationalismes d’Etat orientés par les politiques culturelles (Trébinjac, 2000, 2008), que des nationalismes « alternatifs » (Kiwan, 2014) ou des nationalismes « transnationaux » portés par les diasporas (Pacini, 2014).

De plus, notons qu’avec l’expansion des politiques de patrimonialisation et la quête de reconnaissance de certains Etats dans les marchés de la culture, plusieurs genres musicaux et chorégraphiques labellisés nationalement deviennent des « patrimoines » nationaux (sabar sénégalais, highlife ghanéen, salsa cubaine, champeta colombienne, tango argentin, candombe uruguayen, bharata natyam indien, etc.), parfois reconnus au PCI. Alors que les sciences humaines et les études sur les diasporas ont insisté sur la nécessité de construire un cadre théorique plus en adéquation avec le tournant global (Caillé, Dufoix, 2013), en parlant de « transnational » ou de « postnational », ces exemples soulignent combien les musiques et les danses offrent des sites d’observation privilégiés des variations que prend le nationalisme dans un monde globalisé, marqué par la complexification des réseaux de circulation et d’identification. Nous proposons dans ce colloque de réunir ce champ de recherche sur les pratiques musicales et dansées, pour discuter de la complexité des productions nationales dans un contexte de transnationalisation et de cosmopolitisation des parcours ou des identités dans la mondialisation. Il s’agira alors d’appréhender, par l’entrée musicale, les logiques de glissement, de confrontation ou de co-construction s’opérant entre nationalismes et transnationalismes dans les postcolonies.

Joan Vinckeboons, L'ile de Makian vue depuis les abords de Ngofakiaha, 1670, extrait de l'Atlas Blaeu-Van der Hem.

Joan Vinckeboons, L’ile de Makian vue depuis les abords de Ngofakiaha, 1670, extrait de l’Atlas Blaeu-Van der Hem.

Comment les musiques et les danses ont-elles pu être employées pour produire, spectaculariser et incarner une idéologie issue de l’Occident, et pour la modeler selon de nouvelles significations ? En quoi le projet nationaliste étatique (qu’il soit marqué par l’idéologie « multiethnique », « métisse », « indigéniste » ou « multiculturelle ») a-t-il été performé par ces pratiques ? A l’inverse, quels contournements des ordres étatiques ou réinventions de la nation les musiques et les danses ont-elles pu abriter ? Comment enfin, dans les situations de production, de diffusion et de réception des musiques, l’interaction complexe entre production des frontières nationales, invention de l’ethnicité et imagination du soi dans le monde s’est-elle négociée ? En partant des musiques et des danses, c’est ce faisant la question des émotions et l’approche sensible que nous pourrons interroger, afin d’appréhender la manière dont les pratiques musicales et dansées permettent de donner chair ou d’incorporer l’idéologie de la nation, d’en exprimer sa dimension affective (Stokes, 2010), ou au contraire de s’en écarter, de s’y opposer, ou d’y résister. Ce colloque souhaite réunir des travaux empiriques autant que des réflexions théoriques, en vue d’amener, par l’approche du musical, des nouveaux débats sur la production des nationalismes dans les nations postcoloniales, sur leur transnationalisation et sur les outils conceptuels les plus favorables à leur connaissance. Nous tenons à réunir pour cet événement des ethnomusicologues, anthropologues de la musique et de la danse, musicologues, historiens ou sociologues, afin de favoriser un dialogue interdisciplinaire fécond et de mobiliser diverses perspectives disciplinaires propices à une compréhension de l’intrication entre nationalismes et production musicale. Les contributions pourront se baser sur des études de cas dans les nations asiatiques, africaines ou sud-américaines, ainsi que sur les reconfigurations identitaires et musicales dans les diasporas et les migrations. En examinant les processus de longue durée sur lesquels reposent ces fabriques de nationalismes, les contributions éclaireront l’hétérogénéité des acteurs, espaces et institutions impliqués dans ce processus, tant du côté des politiques culturelles étatiques, que des marchés de diffusion et de production internationales (festivals, marchés de world-music, labels), ainsi que les technologies et les objets qui y sont mobilisés (reproduction phonographique, radio, sampling, plateformes de diffusion et de vente en ligne, etc.).

Les propositions de communication, de 250 mots maximum, devront être envoyées avant le 22 Mai 2015, accompagnées de leur bibliographie et d’une courte présentation de l’auteur (3 lignes), à l’adresse suivante : orchestrerlanation@yahoo.fr Les participants sélectionnés devront ensuite envoyer leur contribution complète trois semaines avant l’événement, de manière à faciliter le travail des discutants. Nous souhaitons vivement que les contributeurs accompagnent leurs présentations de matériaux audiovisuels. Programme prévisionnel : 22 mai : réception des candidatures 22 juin : annonce de la sélection des contributeurs 15 octobre : envoi des contributions 12 et 13 novembre : déroulement du colloque

Coordination Alice Aterianus-Owanga (Labex CAP, IIAC/LAHIC, Musée du Quai Branly, CREA) Elina Djebbari (Modern Moves, King’s College London)

Comité Scientifique :

  • Sarah ANDRIEU (CTEL, Université de Nice Sophia Antipolis)
  • Marie-Pierre GIBERT (CREA, Université Lyon 2)
  • Pauline GUEDJ (CREA, Université Lyon 2 / CIRHUS, NYU)
  • Christine GUILLEBAUD (CREM, CNRS)
  • Ananya Jahanara KABIR (Modern Moves, King’s College London)
  • Ulricke Hanna MEINHOF (University of Southampton)
  • Marissa MOORMAN (Indiana University)
  • Emmanuelle OLIVIER (CNRS, Centre Georg Simmel-UMR CNRS-EHESS 8131)
  • Catherine SERVAN-SCHREIBER (CEIAS, CNRS) Martin STOKES (King’s College London)
  • Sabine TREBINJAC (LESC, UMR 7186, CNRS)

Comité d’organisation :

  • Marta Amico (Center for World Music, Université de Hildesheim / Centre Georg Simmel, EHESS)
  • Alice Aterianus-Owanga (Labex CAP, IIAC/LAHIC, Musée du quai Branly, CREA – Lyon 2)
  • Clara Biermann (CREM / LESC – Paris Ouest Nanterre – UMR 7186 CNRS)
  • Elina Djebbari (Modern Moves, King’s College London)

Partenaires : Labex CAP – Paris / Modern Moves, King’s College London / IIAC-LAHIC / Maison des Cultures du Monde – Festival de l’imaginaire