Archives par étiquette : danse de société

[Séminaire 2014-2015] L’auteur en danse

Chers collègues, amis et participants au séminaire,

Voici la bibliographie sur laquelle nous appuierons notre réflexion durant ce premier semestre 2014-2015 consacré à l’auteur en danse.

Bonne lecture !

*

[Société des auteurs et compositeurs de musique], Catalogue des ballets, Paris, s. n., 1888.

Rapport des Assises européennes du droit d’auteur du chorégraphe, 20-23 septembre 1992, Archives de la SACD.

Revue française de sociologie, 1986, 27/3 : « Sociologie de l’art et de la littérature ».

Alsne Anne-Marie, « La chorégraphie et le droit d’auteur en France », Revue internationale du droit d’auteur, n° 162, 1994, pp. 2-119.

Andia Béatrice de, « Les auteurs dramatiques et leurs droits », in Béatrice de Andia, Géraldine Rideau (dir.), Paris et ses théâtres : architecture et décor, textes réunis par Béatrice de Andia et Géraldine Rideau, Paris, Action artistique de la Ville de Paris, « Paris et son patrimoine », 1998, pp. 9-16.

Bayard Pierre, Et si les œuvres changeaient d’auteur ?, Paris, Ed. de Minuit, 2010, 156 p.

Bayet Jean, La Société des auteurs et compositeurs dramatiques, Paris, A. Rousseau, 1908.

Bénichou Paul, Le Sacre de l’écrivain, 1750-1830. Essai sur l’avènement d’un pouvoir spirituel laïque dans la France moderne, Paris, J. Corti, 1973.

Benveniste Émile, Le vocabulaire des institutions indo-européennes, Paris, Ed. de Minuit, 1969.

Blaustein Renée, Pettiti Louis-Edmond, Le droit d’auteur du chorégraphe. 1 : Vers l’avenir logiciel, Paris, Comité français de la danse, 1984, 16 p.

Birn Raymond, « The Profits of Ideas : Privilèges en librairie in 18th c. France », Eighteenth century studies, vol. 4, no 2, 1970, p. 131‑168.

Bois Mario, Le Covec Olivier, Le droit d’auteur du chorégraphe. 2 : Les droits du chorégraphe résidant en France, Paris, Comité français de la danse, 1984, 20 p.

Bonfanti Amélie, Le corps humain comme œuvre de l’esprit, mémoire de Master 2, dir. Muriel Fabre-Magnan, Droit, Univ. Paris 1-Panthéon-Sorbonne, 2011, 61 p.

Bozzoni Olivia, Le droit d’auteur du chorégraphe, thèse, Droit, Univ. Paris II, 1997.

Boncompain Jacques, Auteurs et comédiens au XVIIIe siècle, Paris, Perrin, 1976.

Boncompain Jacques, « Le droit d’être auteur », in La Révolution des auteurs, 1777-1793, Paris, SACD, 1984, pp. 7-32.

Boncompain Jacques, La Révolution des auteurs, Paris, Fayard, 2002.

Boncompain Jacques, De Scribe à Hugo : la condition de l’auteur, 1815-1870, Paris, H. Champion, 2013, 832 p.

Bonnet Jean-Claude, Naissance du Panthéon. Essai sur le culte des grands hommes, Paris, Fayard, 1998.

Bourdieu Pierre, Les règles de l’art. Genèse et structure du champ littéraire, Paris, Seuil, 1992.

Brunn Alain, L’auteur, Paris, GF Flammarion, 2001.

Buch Esteban, « Le chef d’orchestre : pratiques de l’autorité et métaphores politiques », Annales. Histoire, Sciences Sociales, 57e année, n° 4, juillet-août 2002, pp. 1001-1028.

Chartier Roger, L’ordre des livres : lecteurs, auteurs, bibliothèques en Europe entre XIVe et XVIIIe siècle, Aix-en-Provence, Alinea, 2012.

Chartier Roger, Inscrire et effacer : culture écrite et littérature, XIe-XVIIIe siècle, Paris, Gallimard/Le Seuil, 2005.

Compagnon Antoine, Qu’est-ce qu’un auteur ?, cours de licence LLMM 316 F2, UFR de Littérature française et comparée, Université Paris IV-Sorbonne, 2002, http://www.fabula.org/compagnon/auteur.php et http://aphelis.net/wp-content/uploads/2012/03/Compagnon-Auteur.pdf.

Dubois Jacques, L’institution de la littérature, Paris, Bruxelles, Nathan-Labor, 1978.

Dumas-Parmentier Simone-Marie, Les œuvres chorégraphiques et le droit d’auteur, thèse, Droit, Université Paris I, 148 p.

Edelman Bernard, Le sacre de l’auteur, Paris, Seuil, 2004.

Foucault Michel, « Qu’est-ce qu’un auteur ? », in Michel Foucault, Dits et Ecrits, 1954-1975, éd. établie sous la dir. de Daniel Defert et François Ewald, Paris, Gallimard, 2001, pp. 817-837.

Hesse Carla, « Enlightenment Epistemology and the Laws of Authorship in Revolutionary France, 1777-1793 », Representations, no 30, 1990, p. 109‑137.

Jacques-Lefèvre Nicole (dir.), Une histoire de la « fonction-auteur » est-elle possible ?, Actes du colloque organisé par le Centre de recherche LiDiSa, Littérature et discours du savoir, 11-13 mai 2000, E.N.S. Fontenay-Saint-Cloud, Saint-Etienne, Publications de l’Université de Saint-Etienne, 2001, 292 p.

Kant Emmanuel, Qu’est-ce qu’un livre ? Textes de Kant et Fichte, trad. fr. Jocelyn Benoist, Paris, Presses universitaires de France, 1995.

Kristeller Paul Oskar, « The Modern System of the Arts: A Study in the History of Aesthetics (I) », Journal of the History of Ideas, vol. 12, n° 4, Oct. 1951, pp. 496-527

Kristeller Paul Oskar, « The Modern System of the Arts: A Study in the History of Aesthetics (II) », Journal of the History of Ideas, vol. 13, n° 1, janv. 1952, pp. 17-46.

Laurenti Jean-Noël, Lecomte Nathalie, Naudeix Laura, « Introduction », in Louis de Cahusac, La danse ancienne et moderne ou Traité historique de la danse, Paris, Desjonquères – Centre national de la danse, 2004.

Leclerc Gérard, Histoire de l’autorité : l’assignation des énoncés culturels et la généalogie de la croyance, Pais, Presses universitaires de France, 1996.

Leclerc Gérard, Le sceau de l’œuvre, Paris, Éd. du Seuil, coll. « Poétique », 1998.

Letzter Jacqueline, Adelson Robert, « Un drame d’ambitions déçues : les opéras d’Isabelle de Charrière », Revue d’histoire du théâtre, n° 195, 1997/3, pp. 235-254.

Letzter Jacqueline, Adelson Robert, Women Writing Opera. Creativity and Controversy in the Age of the French Revolution, Los Angeles – Londres, University of California Press, 2001, 358 p.

Levinson Jerrold, « Pour une définition historique de l’art », in Jerrold Levinson, L’art, la musique et l’histoire, Paris, Éditions de l’Éclat, 1998.

Lilti Antoine, Figures publiques : l’invention de la célébrité (1750-1850), Paris, Fayard, 2014.

Lucas André, Lucas Henri-Jacques, Lucas-Schloetter Agnès, Traité de la propriété industrielle et artistique, Paris, LexisNexis, 2012 (1ère éd. 1994), 1569 p.

Marquié Hélène, « Du notateur à l’auteur : être chorégraphe au XIXe siècle », in Agnès Graceffa (dir.), Histoire du statut de l’artiste, XVe-XXIe siècle, Paris, Hermann, 2012, pp. 77-88.

Menger Pierre-Michel, « Le travail à l’œuvre. Enquête sur l’autorité contingente du créateur dans l’art lyrique », Annales. Histoire, Sciences Sociales, 65e année, 2010/3, pp. 743-786.

Nye Edward, « ‘Choreography’ is Narrative : The Programmes of the Eighteenth-Century Ballet d’Action », Dance Research, vol. 26, n° 1, Summer 2008, pp. 42-59.

Nye Edward, Mime, Music and Drama on the Eighteenth Century Stage : The Ballet d’Action, Cambridge, Cambridge University Press, 2011.

Peacock Alan T., Weir Ronald B., The composer in the market place, London, Faber Music, 1975, 171 p.

Pérez Liliane, L’invention technique au siècle des Lumières, Paris, A. Michel, 2000.

Pouillaude Frédéric, Le désœuvrement chorégraphique : étude sur la notion d’œuvre en danse, Paris, Vrin, 2009, 430 p.

Rose Mark, Authors and owners: the invention of copyright, Cambridge (Mass.), London, Harvard University Press, 1993.

Sapiro Gisèle, « Droit et histoire de la littérature : la construction de la notion d’auteur », Revue d’histoire du XIXe siècle, vol. 48, n° 1, 2014, pp. 107-122.

Schaeffer Jean-Marie, « Originalité et expression de soi », Communications, n° 64, 1997, pp. 89-115.

Scherer Frederic M., Quarter Notes and Bank Notes: The Economics of Music Composition in the Eighteenth and Nineteenth Centuries, Princeton, Princeton University Press, 2004.

Schlanger Judith, L’invention intellectuelle, Paris, Fayard, 1983.

Stévance Sophie (dir.), Composer au XXIe siècle : pratiques, philosophies, langages et analyses, Paris, Vrin, 2010.

Viala Alain, La naissance de l’écrivain. Sociologie de la littérature à l’âge classique, Paris, Éd. de Minuit, 1985.

Viala Alain, « L’auteur et son manuscrit dans l’histoire de la production littéraire », in Michel Contat (dir.), L’auteur et son manuscrit, Paris, PUF, 1991, pp. 95-118.

Woodmansee Martha, « The genius and the copyright : economic and legal conditions of the emergence of the “Author” », Eighteenth century studies, vol. 17, no 4, 1984, p. 425‑448.

Colloque international ‘Les circulations musicales et théâtrales en Europe, vers 1750–vers 1815’

Dans l’Europe du dix-huitième siècle, la mobilité des artistes est un fait établi, et les milieux musicaux et théâtraux sont fortement cosmopolites. À l’époque où le classicisme musical, la comédie de mœurs, l’opéra bouffe et l’opéra-comique façonnent le goût, commence à se constituer un répertoire dramatique et musical commun aux diverses parties de l’Europe urbaine. Du point de vue de l’artiste ou de l’amateur-collectionneur, la pratique musicale, tout comme le voyage, la correspondance ou la sociabilité littéraire, a une dimension formatrice et transfrontalière. Mieux encore, la musique elle-même semble offrir un de ces idiomes universels dont rêvent certains philosophes de l’époque. La musique et le théâtre sont bien plus que des loisirs ; ils sont aussi des expressions identitaires tout comme des objets de commerce et d’investissements. L’objectif de cette rencontre est d’étudier, dans une perspective d’histoire culturelle, la circulation des matières musicales et théâtrales dans Europe de la seconde moitié du dix-huitième siècle, y compris la période révolutionnaire. 

Capture-d’écran-2014-11-12-à-10.47.00

Jeudi 20 novembre 2014 

13h30–18h00 
13h30 Ouverture du colloque : Pierre-Yves Beaurepaire (Université Nice Sophia Antipolis & Institut Universitaire de France) et Charlotta Wolff (Université d’Helsinki) 

L’étranger et le national : les circulations et la définition du goût (présidente de séance : Mélanie Traversier) 

13h45 William Weber (California State University, Long Beach), Domestic versus Foreign Composers at the Opera and the King’s Theatre in the 18th Century 
14h10 Youri Carbonnier (Université d’Artois), Musiques et musiciens étrangers à la Musique du roi, Versailles, vers 1750-1792 
14h35 Pauline Lemaigre-Gaffier (Université de Versailles Saint-Quentin), Cristalliser les circulations théâtrales et musicales ? Génie des nations et service du roi de France dans L’état actuel de la Musique de la Chambre du Roi et des trois spectacles de Paris (1761-1777) 
15h00 Rebecca Dowd Geoffroy-Schwinden (Duke University), Bernard Sarrette and the Acquisition of Musical Manuscripts for the Bibliothèque du Conservatoire (1798–1800) 
16h10 Stanislav Tuksar (University of Zagreb), Musical prints in the Dubrovnik Franciscan musical collection 
16h35 James Harriman-Smith (University of Cambridge), Shakespeare’s Ambassador: the Influence and Legacy of David Garrick in France and Germany 
17h00 Katherine Hambridge (University of Warwick), Melodramatic confrontations in Berlin, 1800–1815 

Vendredi 21 novembre 2014 

9h00–12h00 
Les élites, acteurs de circulations musicales et théâtrales (président de séance : Rahul Markovits) 

9h00 Nathalie Rizzoni (CELLF 16-18, UMR 8599 CNRS & Université Paris-Sorbonne), Des cartons d’archives aux cartons d’écrans : la diffusion du théâtre français en Russie à la fin du XVIIIe siècle 
9h25 Charlotta Wolff (Université d’Helsinki), L’ambassadeur des spectacles : le comte de Creutz et l’opéra 
9h50 Alexei Evstratov (Institut for Advanced Study, Berlin), L’économie symbolique des structures dramatiques dans l’Europe francophone : la comédie et le savoir social 
11h00 Matthieu Magne (Université Nice Sophia Antipolis), De la loge au salon : la musique et le théâtre comme éléments du langage aristocratique dans la Monarchie des Habsbourg au tournant du XVIIIe siècle 
11h25 David Do Paço (Programme Max Weber, Institut Universitaire Européen, Florence), Circulations des hommes, constructions des réputations et mobilités sociales : la carrière de Lorenzo Da Ponte sous le patronage des comtes de Cobenzl (1779-1792) 

13h30–18h00 
L’itinérance des matières musicales et littéraires (président de séance : Philippe Bourdin) 

13h30 Cliff Eisen (King’s College, London), Music transmission in the eighteenth century: the Mozartean paradigm 
13h55 Vjera Katalinić (University of Zagreb), An 18th-century itinerant violin virtuoso and his ‘travelling themes’ 
14h20 Robert Adelson (Musée du Palais Lascaris, Nice), L’introduction et la diffusion du piano à queue en France (1781-1797) : éclairages et documents nouveaux 
15h20 Flora Mele (Université Paris-Sorbonne), L’adaptation des spectacles français à travers la Correspondance de Favart 
15h45 Cécile Champonnois (Université de Montréal), Un librettiste au service de compositeurs européens au Tournant des Lumières : Nicolas François Guillard (1752-1814), le renouveau de la scène lyrique parisienne et sa diffusion en Europe 
16h10 Virginie Yvernault (Université Paris-Sorbonne), Figaro en Europe. Circulation, réception et appropriation des œuvres de Beaumarchais au XVIIIe siècle 

Samedi 22 novembre 2014 

9h00-13h00 
Mobilité artistique et diffusion des œuvres : presse, traduction et réception (présidente de séance : Charlotta Wolff) 

9h00 Marie Glon (École des Hautes Études en Sciences Sociales, Paris), Quand les danses circulent par la poste 
9h25 Magali Soulatges (Université d’Avignon), Il faut du nouveau : fonctions et enjeux de l’information théâtrale et musicale internationale dans le Courrier d’Avignon (1733-1793) 
9h50 Alessia Castagnino (Fondazione Luigi Einaudi, Turin), Haendel à Florence. Traductions et représentations publiques et privées de ses oratorios dans le Grand-duché de Toscane (1768-1772) 
10h50 Julie Johnson (University of Melbourne), Political translation in Revolutionary Lyon, a retranslation of Metastasio’s Artaxerxes 
11h15 Aurélie Barbuscia (Institut Universitaire Européen, Florence), Le congrès de Vienne : nouvelle « feuille de route » pour une carrière musicale internationale, le cas de Gioachino Rossini 
12h00 Philippe Bourdin (Université Blaise-Pascal, Clermont-Ferrand), conclusions 

comité d’organisation : 
Pierre-Yves Beaurepaire (Université Nice Sophia Antipolis-CMMC et Institut Universitaire de France), Mélanie Traversier (Université Charles de Gaulle Lille 3, Institut de Recherches Historiques du Septentrion UMR 8529 CNRS), Charlotta Wolff (Université d’Helsinki)

Séminaire d’histoire culturelle de la danse 2014 – 2015

Nous avons le plaisir de vous informer de la reprise, lundi 3 novembre à 19h, du séminaire d’histoire culturelle de la danse à l’EHESS (105, bd Raspail, 75006 Paris, salle 1). 

Le premier semestre sera consacré à l’ouverture d’un nouveau chantier : la question de l’auteur en danse. Le second semestre poursuivra la recherche engagée l’an dernier sur les lieux de danse.

Pour favoriser les échanges et les avancées collectives, nous proposons cette année une nouvelle formule : chaque semestre comptera quatre séances traditionnelles (2 heures le lundi soir) puis une matinée conjuguant exposé(s) et table-ronde, pour revenir sur les dossiers étudiés et prolonger la réflexion (4 heures le samedi matin). 

Au plaisir de vous revoir,

Elizabeth Claire, Emmanuelle Delattre, Marie Glon, Sophie Jacotot, Vannina Olivesi

1er semestre

•   lundi 3 novembre, 19h-21h : introduction

•   lundi 24 novembre, 19h-21h (exceptionnellement en salle 2) : Hélène Marquié (maîtresse de conférence, Paris 8), De Filippo Taglioni à Louise Stichel : rôle et place des chorégraphes au XIXe siècle

•   lundi 15 décembre, 19h-21h : Marie Glon (doctorante à l’EHESS), Les “danses en Chorégraphie” ou la naissance de deux statuts d’auteur en danse au XVIIIe siècle

•   lundi 19 janvier, 19h-21h : Guillaume Sintès (doctorant à Paris 8, département Danse), Préfiguration, structuration et enjeux esthétiques du métier de chorégraphe (France, 1957-1984). Une histoire administrative et réglementaire

•   samedi 24 janvier, 9h-13h : Vannina Olivesi (doctorante à l’EHESS), Des professionnels en quête d’autorité et de légitimité : maîtres de ballet et chorégraphes de l’Opéra au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, suivie par une Table-ronde.

Le programme du second semestre sera bientôt annoncé.

L’histoire de la danse dans le premier Congrès des Etudes de genre

L’Institut du Genre CNRS/Universités organise le premier Congrès des études de genre du 3 au 5 septembre 2014 à l’Ecole Normale Supérieure de Lyon.

Le jeudi 4 septembre, deux ateliers réaliseront un état des lieux de la recherche en danse et en arts du spectacle.

*

Atelier Genre et danse

› Des savoirs en danse pour penser le genre – Hélène Marquié, Genres, Travail, Mobilités ; 11:30-13:00.
› La fabrique du féminin en danse contemporaine – Betty Lefevre, Laboratoire CETAPS ; 11:30-13:00.
› La perspective du genre en histoire et historiographie de la danse – Marina Nordera, Centre Transdisciplinaire d’Épistémologie de la Littérature et des Arts vivants ; 11:30-13:00.
› Le danseur masculin à l’intersection du genre, de la race et de la sexualité – Ramsay Burt, De Montfort University ; 11:30-13:00.

*

Atelier Genre et arts vivants dans l’histoire

› Genre et arts vivants dans l’histoire : danse, musique, théâtre – Elizabeth Claire, Centre de recherches historiques – Catherine Deutsch, Université Paris-Sorbonne – Raphaëlle Doyon, Université Paris 8 ; 17:00-18:30.
› Les conditions des luttes d’émancipation féminine dans les champs artistiques : l’exemple du spectacle vivant – Serge Proust, Centre Max Weber ; 17:00-18:30.
› Les femmes et la musique à l’image : de la composition à l’orchestration, analyse de la transformation genrée d’un univers professionnel – Pauline Adenot, Centre Max Weber ; 17:00-18:30.

*

Le Congrès se tiendra du 3 au 5 septembre à l’Ecole Normale Supérieure de Lyon. Il  permettra de faire la démonstration de l’importance scientifique, de la vitalité et de la diversité des études de genre en France et dans le monde francophone, en dressant  le tableau le plus complet possible des recherches menées actuellement dans ce domaine.  Le Congrès accueillera à la fois des ateliers portant sur des thématiques ou des objets de recherche déjà bien identifiés, et des ateliers portant sur des thématiques émergentes, fruits de croisements disciplinaires ou de questionnements nouveaux. En même temps qu’aux avancées scientifiques reconnues, place sera donnée aux tournants épistémologiques récents et aux nouvelles perspectives théoriques. Enfin, suivant les engagements scientifiques de l’Institut du Genre, recherches interdisciplinaires, approches transversales et confrontations inédites de langages et de paradigmes, seront à l’honneur.

Ici, le programme détaillé du Congrès et les informations pratiques.

Médaille d’argent pour ‘les bals clandestins’

Le documentaire « Danser quand même : les bals clandestins en France pendant la guerre », diffusé sur France Culture dans La Fabrique de l’Histoire le 7 janvier 2014, a obtenu la médaille d’argent aux New York Festivals 2014 dans la catégorie « Histoire, information et documentaire ».

Ida Gerhardi, Pariser Tanzlokal 'Bal Bullier', ca 1900.

Ida Gerhardi, Pariser Tanzlokal ‘Bal Bullier’, ca 1900. Source.

Ce documentaire (54 minutes) a été produit par Perrine Kervran et réalisé par Françoise Camar. Prise de son : Benjamin Thuan et Mai Tran. Mixage : Claude Niort.
Vous pouvez le découvrir ou le réécouter ici.

*

Crédit photographique pour l’image à la une : Kevin Collins, Blek le Rat – “Last Tango in Paris” at 941 Geary Gallery, San Francisco, (cc-by), source.

Symposium ‘Choreography and Imagination’. Appel à communications.

Symposium ‘Choreography and Imagination’, 4 et 5 juillet 2014, Université de Cologne.

Appel à communication

*

Research on imagination holds a central place in the humanities. However, movement, dance, and choreography are rarely discussed in these investigations, even though dance practices can be exemplarily analyzed as a reservoir of processes of imagination. Imagination is central to the performance, transmission and choreographic structuring of movement and has a visible and immediate effect on their execution. More so, individual dance techniques and choreographic practices can be differentiated on the base of how they use and understand imagination. Thus, the investigation of dance and choreography cannot only illuminate processes of habitualization in relation to imagination – as it is central to how social, historical and aesthetic ideals are incorporated or produced – but it can also function to ponder the relationship between imagination and forms of knowing. Research on dance and imagination fosters questions about the hierarchies of the senses as it is mostly conceptualized a visual concept: but are we able to imagine – especially movement – without a physical sensation, meaning a kinesthetic perception or through proprioception? Thus, concepts of knowledge and esthetics structure the practice of imagination as much as the research on it. Thus we would like to ask by focusing on movement, dance and choreography: What hierarchies are established through a focus on certain forms of imagination?

The 6. Choreography-Symposium at the Center of Contemporary Dance likes to open an interdisciplinary exchange on this interdependent relationship of imagination and artistic and social movement structures. It will take place in cooperation with the Theater Studies Archive of the University in Cologne – and will feature both English and German papers/workshops. A publication of the papers held at the conference is planned.

We invite abstracts for papers of about 25 min. length dealing with one of the areas/questions below. Please send your abstract (English or German) with max. 2000 signs to:
yvonne.hardt@hfmt-koeln.de
taiya.mikisch@gmail.com

by March 31, 2014.

Concept: Prof. Dr. Yvonne Hardt and Taiya Mikisch M.A. (ZZT, HfMT Köln)
In cooperation with: Prof. Dr. Peter W. Marx (Universität zu Köln)
At: Zentrum für Zeitgenössischen Tanz, HfMT Köln, Turmstr. 3-5, 50733 Köln and Theaterwissenschaftliche Sammlung Schloss Wahn, Burgallee 2, 51147 Köln

*

Questions/potential sections:

  • Cultural spaces of imagination in relation to movement: How have historical changes in imaginations influenced the choreographic field? How are developments in the art and the sciences interlinked in this development?
  • Which impact do the gestural material and choreographic reservoir of a given time have on the representation and production of the imagination of community and collective? Body/Movement shaping and practices of transmission: Which bodies and realities are produced in relation to which forms of imagination? How is imagination actively used in processes of transmission on movement? What are the esthetic as well as hierarchical implications of practices of imagination? And can imagination be used to reflect on them? Media and Imagination: How have the images changed in relation the development of media?
  • Economy and hierarchies of Imagination: Which economic and scientific paradigms influence imagination and their acceptance and rejection in the field of dance and choreography?
  • Imagination and Globalization: How are processes of imagination part in the construction of a globalized dance scene?

*

Le programme du séminaire 2013-2014. Second semestre

Voici la suite du programme du séminaire Histoire culturelle de la danse 2013-2014

Le séminaire se déroule à l’EHESS (105, bd Raspail, 75006 Paris, salle 7, 19h-21h).

 

Teatro eretto alla Carlina, villa del signor Bovio, l’anno 1725 per rappresentarvi la Rodoguna di Pierre Corneille Incisione all’acquaforte BCABo, GDS Cart. H, Feste e scene teatrali, n. 46 Bologna (Italy), Biblioteca dell’archiginnasio.

Teatro eretto alla Carlina, villa del signor Bovio, l’anno 1725 per rappresentarvi la Rodoguna di Pierre Corneille.
Incisione all’acquaforte. BCABo, GDS Cart. H, Feste e scene teatrali, n. 46. Bologna (Italia),
Biblioteca dell’Archiginnasio
.

*
10 février 2014 : Roland Huesca (Professeur, Université de Lorraine),  A chaque lieu, ses attentes. Théâtre des Champs-Elysées et théâtre du Châtelet à l’époque des Ballets russes.
24 février 2014 : Isabelle Conte (doctorante à l’EPHE), Les différents lieux des bals d’artistes à Paris: l’exemple du Bal des Quat’Z’Arts (1892-1966).
10 mars 2014 : Pauline Lemaigre-Gaffier (maître de conférence, Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines), Danser à la cour, danser pour la cour : les Menus Plaisirs et la danse dans la France des Lumières.

24 mars 2014 : Katharina Van Dyk (doctorante, Paris 8), Sur quelques archives filmiques de la modern dance : enjeux méthodologiques et esthétiques ; discutante : Laetitia Doat.

7 avril 2014 : François Gasnault (Conservateur général du patrimoine, chercheur à l’IIAC-Lahic), Fest-noz et bal folk : parcours, usages et fonctions de la danse en milieu « trad » (années 1950-années 2000).

28 avril 2014 : Sarah di Bella (Université de Paris Ouest-Nanterre), La danse circulaire : paradigme chorégraphique de la pensée disciplinaire,16e-17e siècles ; discutant : à confirmer.

12 mai 2014 : Table-ronde autour de la question des lieux dans le livre de Sophie Jacotot, Danser à Paris dans l’entre-deux-guerres. Lieux, pratiques et imaginaires des danses de société des Amériques (1919-1939).

26 mai 2014 : Séance de conclusion.

Petit rappel : le séminaire est en entrée libre et ouvert à tous dans la limite des places disponibles.

L’histoire des bals sur France Culture

La Fabrique de l’Histoire sur France Culture a produit cette semaine quatre émissions sur l’histoire des bals : 

  • la première émission était consacrée à Michel Reilhac qui a inventé “Le Bal moderne” en 1993 ;
  • celle de mardi 7 janvier proposait un documentaire sur les bals clandestins durant la Seconde Guerre mondiale ;
  • dans la troisième, Emmanuel Laurentin recevait Marie-Françoise Bouchon et Marina Nordera sur le sujet du bal des débutantes et à l’entrée dans le monde ;
  • le débat historiographique de la quatrième émission était consacré à deux ouvrages : Scènes de bal, bals en scène par Marie-Françoise Bouchon, Virginie Garandeau, Sophie Jacotot, Nathalie Lecomte (Pantin, Centre national de la danse, 2011) et à l’ouvrage récent de Sophie Jacotot, Danser à Paris dans l’entre-deux-guerres : lieux, pratiques et imaginaires des danses de société des Amériques, 1919-1939 (Paris, Nouveau Monde, 2013).

A écouter ici !

84736100182560L

 

Bibliographie #1 : généralités en histoire de la danse

Pour bien commencer l’année, voici une bibliographie rassemblant les ouvrages généraux en histoire de la danse.

Nous prenons soin de la mettre à jour régulièrement. D’autres bibliographies suivront bientôt. Bonnes lectures !

L’atelier d’histoire culturelle de la danse

 

The British Museum: the reading room, with many readers. Engraving by Thomas Hosmer Shepherd after Harden Sidney Melville. London.  The British Museum - Wellcome Library

The British Museum: the reading room, with many readers. Engraving by Thomas Hosmer Shepherd after Harden Sidney Melville. London, 19th century.
The British Museum – Wellcome Library

Source

 **   *   **

La danse et ses sources, Actes du colloque du 31 octobre 1992, Toulouse, Isatis/Cahiers d’ethnomusicologie régionale, n° 2, 1993.

Danse et société, Actes du colloque du 29 octobre 1988, Toulouse, Isatis/Cahiers d’ethnomusicologie régionale, n° 1, 1992.

ADSHEAD-LANSDALE Janet et LAYSON June, Dance history, an introduction, Londres, New York, Routledge, 1994 (1ère éd. 1983), 289 p.

ADSHEAD-LANSDALE Janet, Dance Analysis : Theory and Practice, Londres, Dance Books, 1988, 198 p.

Association européenne des historiens de la danse, Symposium “L’homme et la femme dans la danse”, Leuven, 1990.

Association européenne des historiens de la danse, Symposium “Who are the renovators of dance ? : the genesis of dance languages”, Eaubonne, 1991.

Association européenne des historiens de la danse, Symposium “The Memory of Dance”, Eaubonne, 1994.

BANES Sally, Terpischore in Sneakers, Boston, Houghton and Mifflin, 1980, 292 p.

BAXMANN Inge, ROUSIER Claire et VEROLI, Patrizia, Les Archives internationales de la danse 1931-1952, Pantin, CND, 2006.

BLANC-CHALÉARD Marie-Claude, « Les trois temps du bal musette ou la place des étrangers (1880-1960) », dans Jean-Louis ROBERT et Danielle TARTAKOWSKY (dir.), Paris le peuple XVIIIe-XXe siècle, Paris, Publications de la Sorbonne, 1999, pp. 77-90.

BRACK Clairette, WUYTS Irina  (eds.), Proceedings of the Internatioal Congress on Dance and Research, July 2-6, 1989, Brussels, Belgium, Leuven, Peeters Press, 1991, 240 p.

BROOKS Lynn Matluck (ed.), Women’s Work: making dance in Europe before 1800, Madison, University of Wisconsin Press, 2007, 270 p.

BOUCHON Marie-Françoise, « Le monde chorégraphique a-t-il peur de l’histoire ? », Marsyas – Revue de pédagogie musicale et chorégraphique, n° 37-38, juin 1996, pp. 95-100.

BUCKLAND Theresa Jill (ed.),  Dancing from Past to Present: nation, culture, identities, Madison, University of Wisconsin Press, 2006, 238 p.

BURT Ramsay, The Male Dancer: bodies, spectacle and sexuality, London, Routledge, 1995, 224 p.

BURT Ramsay,  Alien Bodies: representations of modernity, race and nation in early modern dance, London, Routledge, 1998, 222 p.

CARTER Alexandra (ed.), The Routledge Dance Studies Reader, London, Routledge, 1998, 316 p.

CARTER Alexandra (ed.), Rethinking Dance history, A Reader, Londres, New York, Routledge, 2004, 212 p.

CHAZIN-BENNAHUM, Judith.  The Lure of Perfection: fashion and ballet, 1780-1830, London, Routledge, 2005, 280 p.

COHEN Sarah R.  Art, Dance, and the Body in French Culture of the Ancient Régime, Cambridge, Cambridge University Press, 2000, 352 p.

COHEN Selma Jeanne, “Dance as a Theatre Art : Source Readings”, dans Ann DILS et Ann COOPER ALLBRIGHT, Dance History from 1581 to the Present, Wesleyan University Press, 2001, 492 p.

COPELAND Roger et COHEN Marshall, What is Dance ? Readings in Theory and Criticism, Oxford, OxfordUniversity Press, 1983, 582 p.

DÉCORET-AHIHA Anne, Les danses exotiques en France 1880-1940, Pantin, CND, 2004.

FAURE Sylvia, Corps, savoir et pouvoir, Sociologie historique du champ chorégraphique, Presses universitaires de Lyon, 2001, 181 p.

FILLOUX-VIGREUX Marianne, La danse et l’Institution – Genèse et premiers pas d’une politique de la danse en France, 1970-1990, Paris, L’Harmattan, 2001, 332 p.

FOSTER Susan Leigh (ed.),  Choreographing History, Bloomington, Indiana University Press, 1995, 257 p.

FOSTER Susan Leigh (ed.), Corporealities: Dancing knowledge, culture and power, London, Routledge, 1996, 263 p.

FOSTER Susan, Choreography and NarrativeBallet’s Staging of Story and Desire, Bloomington, Indiana University Press, 1996.

FRANCO Susanne et NORDERA Marina (dir.), I discorzi della danza. Parole chiave per una metodologia della ricerca, Torino, Utet Libreria, 2007 / Dance Discourses. Keywords for Methodologies in Dance Research, New York-London, Routledge, 2007.

FRANKO Mark, La Danse comme texte : idéologies du corps baroque, Paris, Ed. de l’Eclat, 2005  (1ère éd. en anglais 1993), 334 p.

FRANKO Mark, The work of dance, Labor, Movement, and Identity in the 1930’s, Middletown, Wesleyan University Press, 2002, 214 p.

GALE Maggie B., GARDNER Viv, Women, theatre and performance. New histories, new historiographies, Manchester – New York, Manchester University Press, 2000, 243 p.

GARAFOLA Lynn (ed.), Rethinking the Sylph: New perspectives on the Romantic ballet, Hanover, University Press of New England, 1997, 287 p.

GASNAULT François, Guinguettes et lorettes. Bals publics et danse sociale à Paris entre 1830 et 1870, Paris, Aubier, 1986.

GASNAULT François, « Bals ou bacchanales ? Les sources de l’histoire de la danse sociale à Paris de 1830 à 1870 », La danse et ses sources, Toulouse, Isatis/Cahiers d’ethnomusicologie régionale, n° 2, 1993, pp. 22-35.

GERBOD Paul, « Un espace de sociabilité. Le bal en France au XXe siècle (1910-1970) », Ethnologie Française, XIX, 4, 1989, pp. 362-370.

GLON Marie, LAUNAY Isabelle (dir.), Histoire des Gestes, Arles, Actes Sud, 2012.

GUEST Ivor, Ballet Under Napoleon, Alton, Dance Books, 2002, 528 p.

GUEST Ivor, The Romantic Ballet in Paris, London: Dance Books, 2008, 273 p.

GUILBERT Laure, Danser avec le IIIe Reich, Les danseurs modernes sous le nazisme, Editions Complexe, 2000, 449 p.

GUILCHER Jean-Michel, La contredanse : un tournant dans l’histoire française de la danse, Bruxelles, Editions Complexe, Pantin, CND, 2003, 238 p.

GUILCHER Jean-Michel et Yves, L’Histoire de la danse : parent pauvre de la recherche, Toulouse, Conservatoire occitan, Coll. Isatis / cahiers d’ethnomusicologie régionale, 93 p.

L’histoire de la danse : repères dans le cadre du diplôme d’Etat, Pantin, CND, 2001.

HENNEBERT Elisabeth, « Coureurs de cachet ». Histoire des danseurs russes de Paris (1917-1944), thèse d’histoire sous la direction de Pascal Ory, Université Paris 1-Panthéon Sorbonne, 2002.

HUESCA Roland, Triomphes et scandales. La belle époque des Ballets russes, Paris, Hermann, 2001.

IHL Olivier, « Le rire et le sacré. Sur les bals du 14 juillet sous la IIIe République », dans Histoires de bal. Vivre, représenter, recréer le bal, Paris, Cité de la musique, 1998, pp. 71-83.

IHL Olivier, « Le bal du 14 juillet », dans Florence GÉTREAU et Michel COLARDELLE (dir.), Musiciens des rues de Paris, Paris, RMN, 1997, pp. 87-92.

KARINA Lilian & KANT Marion, Hitler’s Dancers: German modern dance and the Third Reich, New York, Berghahn Books, 2003, 364 p.

KING-DORSET Rodreguez, Black Dance in London, 1730-1850: Innovation, tradition and resistance, Jefferson, McFarland & Co., 2008, 196 p.

KANT Marion (ed.), The Cambridge Companion to Ballet, Cambridge, New York, Melbourne, Madrid, Cape Town, Singapore, São Paulo, Cambridge University Press, 2007, 353 p.

LAUNAY Isabelle, À la recherche d’une danse moderne. Rudolf Laban, Mary Wigman, Paris, Chiron, 1996.

LAUNAY Isabelle, PAGES Sylviane (dir.), Histoire et mémoire en danse, Paris, L’Harmattan, 2010.

LAYSON June, «Dance history methodology : dynamic models for teaching, learning and research», The Fifth Hong Kong International Dance Conference Papers, 1990, T. II, pp. 56-65.

LE MOAL Philippe, La Danse à l’épreuve de la mémoire : analyse d’un corpus d’écrits sur la mémoire de la danse, Paris, Ministère de la culture et de la communication – Département des études et de la prospective, 1998, 270 p.

LE MOAL Philippe (dir.), Dictionnaire de la danse, Paris, Larousse, 2008 (1ère éd. 1999).

LOUISON-LASSABLIÈRE Marie-Joëlle, Études sur la danse. De la Renaissance au siècle des Lumières, L’Harmattan, Paris, 2003.

LOUPPE Laurence, Poétique de la danse contemporaine, Bruxelles, Contredanse, 1997 (rééd. 2004), 351 p.

MANNING Susan,  Ecstasy and the Demon: the Dances of Mary Wigman, 2ed., Minneapolis, University of Minnesota Press, 2006, 352 p.

MANNING Susan, Ecstasy and the Demon: Feminism and Nationalism in the Dances of Mary Wigman, Berkeley, University of California Press, 1993, 353 p.

MARTIN Roxane et NORDERA Marina (dir.), Les Arts de la scène à l’épreuve de l’histoire. Les objets et les méthodes de l’historiographie des spectacles produits sur la scène française (1635-1906). Actes du colloque international tenu à l’Université de Nice-Sophia Antipolis les 12, 13 et 14 mars 2009, Paris, Honoré Champion, 2011, 401 p.

McCARREN Felicia, Dance Pathologies: Performance, Poetics, Medicine, Stanford, Stanford University Press, 1998, 278 p.

McCARREN Felicia. Dancing Machines: Choreographies of the Ages of Mechanical Reproduction, Stanford, Stanford University Press, 2003, 254 p.

McGOWAN Margaret, Dance in the Renaissance: European fashion, French obsession, New Haven, Yale University Press, 2008, 330 p.

NORDERA Marina, La construction de la féminité dans la danse. Catalogue de l’exposition, Pantin, Centre National de la Danse, 2004.

MICHEL Marcelle et GINOT Isabelle, La danse au XXe siècle, Paris, éditions Bordas, Librairie de la danse, 1995. 272 p.

NEVILE Jennifer (ed.), Dance, Spectacle, and the Body Politick, 1250-1750, Bloomington, Indiana University Press, 2008, 375 p.

ORY Pascal, « La langue d’Esope. Pour une histoire culturelle de la danse », La danse, naissance d’un mouvement de pensée ou le complexe Cunningham, Paris, Armand Colin, 1989.

PARKER Roger & SMART Mary Ann (eds.), Reading Critics Reading: Opera and Ballet Criticism from the Revolution to 1848, Oxford: Oxford University Press, 2001, 271 p.

PONTREMOLI Alessandro, VEROLI Patrizia (a cura di), Passi, trace, percorsi. Scritti sulla danza italiana in omaggio a José Sasportes, Roma, Aracne Editrice, 2012, 349 p.

POUILLAUDE Frédéric, Danse et politique : démarche artistique et contexte historique, Synthèse du séminaire organisé par le Centre national de la danse et le Mas de la danse les 8-12 décembre 2001, Pantin, CND, 63 p.

ROUSIER Claire (dir.), Scènes de bal, bals en scène, Pantin, Centre national de la danse, 2010, 127 p.

SASPORTES José, Pensar a dança : a reflexão estética de Mallarmé a Cocteau, Lisboa, Imprensa Nacional-Casa da Moeda, 2006, 223 p.

SASPORTES José (a cura di), Storia della danza italiana dalle origini ai giorni nostri, Torino, EDT, 2011, 408 p.

SASPORTES José (a cura di), La danza italiana in Europa nel Settecento, Roma, Bulzoni Editore, 2011, 224 p.

SASPORTES José (a cura di), La danza italiana in Europa nell’Ottocento. Quaderno n° 4, Roma, Aracne editrice, 2013, 285 p.

SMITH Marian, Ballet and Opera in the Age of Giselle, Princeton, Oxford, Princeton University Press, 2000, 305 p.

SMITH Marian (ed.), La Sylphide. Paris 1832 and beyond, London, Dance Books, 2012, 381 p.

SUQUET Annie, « Le corps dansant : un laboratoire de la perception », dans Jean-Jacques COURTINE (dir), Histoire du corps, tome 3, Paris, Seuil, 2006, pp. 393-415.

SUQUET Annie, L’Eveil des modernités. Une histoire culturelle de la danse (1870-1945), Pantin, Centre national de la danse, 2012.

TOMKO Linda J., Dancing Class: Gender, Ethnicity and Social Divides in American Dance, 1890-1920, Bloomington, Indiana University Press, 1999, 283 p.

*

Écrire l’histoire de la danse : des enjeux scientifiques aux enjeux idéologiques

Écrire l’histoire de la danse : des enjeux scientifiques aux enjeux idéologiques

Le Ballet de l’Opéra. Trois siècles de suprématie depuis Louis XIV[1]. Ce titre, celui d’un ouvrage tout récemment paru[2], nous a fait sursauter : présenter la « suprématie » comme une valeur séduisante est, pour le moins, dérangeant.

Cela apparaît d’abord, bien sûr, comme une assertion fausse. On ne peut supposer sérieusement que le Ballet de l’Opéra de Paris se soit trouvé, durant trois siècles, en position de domination, idée dont il faudrait, dans tous les cas, discuter les critères et le périmètre[3]. Un tel titre participe en fait de la concurrence que se livrent les États, les capitales, les théâtres à l’échelle européenne depuis le XVIIe siècle : affirmer que le Ballet de l’Opéra a toujours été un lieu de « suprématie », c’est faire fi de bien des métissages, des captations de savoirs et savoir-faire exogènes, sans parler des pans entiers de l’histoire de la danse qui se sont déroulés à l’écart de, voire en opposition à, cette institution. Mais surtout, cette mise en avant de la « suprématie », c’est-à-dire de la supériorité et du pouvoir sur les autres, est une position idéologique, dont on peut s’inquiéter du fait qu’elle soit postulée comme attirante pour les acheteurs visés : une idéologie délétère, qui invite à penser en termes d’infériorité et de supériorité (de classes, de genres, de nations…), et qui valorise la position de domination sur les autres. Le Ballet de l’Opéra de Paris a pu, et peut encore, servir une telle idéologie, mais le rôle d’un ouvrage scientifique doit être d’analyser les discours de propagande, et non de les reproduire.

Or c’est bien là qu’est l’enjeu. Un tel sous-titre – que le contenu du livre en question, heureusement, ne semble pas refléter – est sans doute moins un problème en lui-même, que le symptôme d’un problème plus large. Ce problème, à nos yeux, renvoie à la responsabilité des historiens. Car si ce sous-titre a pu paraître opportun à une équipe éditoriale, c’est peut-être que les historiens de la danse ont trop souvent laissé la porte ouverte à des représentations simplistes, parfois directement reprises de textes du passé qui auraient dû être étudiés en tant que discours, et non cités comme des vérités. Ainsi, on a régulièrement pu voir des travaux historiques entérinant l’idée d’une « supériorité française » telle que la clamait l’entourage de Louis XIV, ou nourrissant une forme de nostalgie face à la « pureté » d’un art qui aurait ensuite été victime d’une « dégénérescence », ou encore considérant implicitement que la danse se réduit à la danse pratiquée dans les sphères de la société les plus privilégiées…

La liste est longue de ces poncifs. Ils sont parfois véhiculés par des ouvrages relativement anciens[4] (bien qu’une distance d’une vingtaine d’années soit loin de justifier toutes les valeurs qui heurtent nos sensibilités) ; mais n’ayant que rarement été suivis de la publication de travaux actualisés, ces ouvrages font toujours autorité[5]. Si, au cours de conversations et d’échanges informels entre chercheurs, nous sommes nombreux à déplorer régulièrement l’existence de tels impensés, force est de constater qu’aucun texte à destination d’un large public n’a été produit pour faire le point sur les sens qui sont trop souvent donnés à l’histoire de la danse occidentale, notamment de la danse sous l’Ancien Régime[6]. Le présent article voudrait poser quelques jalons en ce sens, inciter à la vigilance, et ouvrir la voie à une réflexion d’envergure sur les façons d’écrire et d’utiliser l’histoire de la danse.

Transferts culturels versus « suprématie »

Parler de « suprématie », c’est imaginer un modèle s’imposant aux autres (autres lieux de danse, autres danseurs, autres pays…), en sens unique. On peut remarquer que les historiens de la danse ont eux-mêmes laissé la voie ouverte à cette conception de la circulation des danses et des façons de danser. Ainsi, un colloque récent, organisé à Versailles, s’intitulait « La danse française et son rayonnement[7] ». Bien entendu, un tel titre ne pose pas de problèmes idéologiques comme le fait la valorisation d’une « suprématie », mais on peut remarquer qu’il reprend lui aussi une image du passé sans la discuter – s’engageant sur une pente glissante. L’image en question est aisément rattachable à celle du roi-soleil dont les rayons se répandraient sur toute l’Europe : elle laisse penser qu’un art « rayonne » naturellement sur des lieux, des cultures, des individus que l’on est alors tenté d’envisager comme « récepteurs » passifs.

Penser qu’un art ou une culture « se diffuse » de soi-même, éclaire les autres de sa « suprématie », c’est précisément ce qu’interdisent nombre de travaux d’histoire, et d’autres sciences sociales, des trente dernières années. Dès 1987, la notion de « transferts culturels » proposée par Michael Werner et Michel Espagne a permis de mettre à distance l’idée d’« acculturation » (marquée par l’idée d’une assimilation progressive de la culture « réceptrice » à la culture « émettrice ») pour envisager les emprunts d’une culture à l’autre sur un nouveau mode[8] : une « mise en relation de deux systèmes autonomes et asymétriques[9] ». Une culture accueillant des éléments exogènes ne le fait qu’au terme d’un processus de sélection des éléments ainsi accueillis, et les transforme autant qu’elle se transforme en incorporant ces nouveautés. La culture « émettrice » ne sort pas indemne de cette interprétation et se reconfigure elle aussi dans ce processus. Une telle conception des échanges, des emprunts réciproques d’une culture à l’autre, suggère que la « réception » (d’un art, d’une pratique, d’une idée…) n’est jamais passive ; elle est « le lieu et le lien d’un usage, donc d’une recréation[10] ».

Ainsi, parler de « suprématie », c’est oublier qu’un art qui circule ne s’impose pas de façon homogène et planifiée. Il ne s’agit pas de nier les stratégies de pouvoir ni les phénomènes de coercition : ainsi, il est manifeste que la danse française a, à certaines époques, suscité l’admiration et l’envie de plusieurs danseurs des autres pays européens, leur fournissant un modèle ; l’État français a encouragé cette admiration, et cherché à la développer. Mais face à ce soi-disant « modèle français » (dans le domaine de la danse comme dans les autres), il faudrait, comme le remarquait Robert Mandrou dès 1977, s’interroger « sur la signification qu’il convient d’accorder à des phénomènes qui méritent plus que des énumérations complaisantes[11] ». On découvre alors que bien des marques supposées de la « suprématie française » sont à nuancer largement, voire se limitent à des discours, politiques et idéologiques. Que bien des phénomènes présentés comme un « rayonnement » d’un centre vers une périphérie, comme une « exportation » vers des territoires quasi-colonisés, étaient en réalité des importations, organisées de façon volontaire par des acteurs de ces cultures « réceptrices » qui poursuivaient, à travers ces importations, leurs propres projets et stratégies (qu’un regard ethnocentriste ne permettait pas d’observer). On découvre encore que dans ces processus, les arts qui circulent font l’objet d’appropriations, reconfigurations créatives sur lesquelles leur « culture d’origine » n’a que peu de prise. Et que l’admiration pour une culture artistique d’ailleurs est rarement univoque – ainsi, la danse « française », au moment où elle était louée et imitée dans les pays étrangers, suscitait aussi des moqueries et satires, voire des contestations, qui pouvaient même devenir le moteur de créations, en réaction à ces « modèles »[12].

S’attacher à ces circulations conduit également à observer, en sens inverse, les apports « étrangers » qui ont fait la « danse française »[13]. On oublie trop souvent de citer les circulations d’artistes, dans toute l’Europe, qui ont nourri la danse en France de sources venues d’Italie, d’Angleterre, d’Espagne, d’Allemagne, de Russie, entre autres[14]. Pour ce qui est du XIXe siècle, reprenant sans examen critique des discours de l’époque qui cherchaient à dénigrer des genres spectaculaires venus d’ailleurs, plusieurs ouvrages relèguent ces genres au rang d’expressions mineures, de divertissement – seul le ballet romantique français étant considéré comme art[15]. De tels discours sont régulièrement fondés sur des « caractères nationaux » particulièrement réducteurs et sur une conception des rapports avec l’« autre » considérés comme suspects, voire dangereux[16].

Ainsi, trop souvent, les travaux historiques ont évacué des aspects tels que les échanges, les collaborations, les métissages et les appropriations – particulièrement à l’œuvre dans le milieu de la danse, marqué par les transmissions orales. Étudier la danse avec les outils conceptuels et les attentions qui permettent de voir aussi ces dimensions, c’est, non plus faire l’histoire d’une suprématie qui n’a que peu de sens, mais chercher à comprendre des dialogues, des créations collectives, des transformations réciproques : des mises en commun d’imaginaires autant que des enjeux de pouvoir, des rivalités mais aussi des utopies partagées… Afin d’éclairer des histoires riches et toujours complexes, qui ne sont pas moins passionnantes que celles qui tâchent d’établir une hégémonie.

De l’usage des mots en histoire

Les exemples de discours historiques mentionnés ci-dessus relèvent d’une conception des rapports entre différentes cultures qui, comme on vient de le voir, mériterait amplement d’être revue. Mais ils témoignent aussi de l’utilisation d’un vocabulaire spécifique : des champs lexicaux récurrents diffusent, dans l’historiographie de la danse, des valeurs et des schémas de pensée qu’il est urgent d’interroger.

On peut, pour cela, se reporter à un travail entrepris en 2008 : l’analyse des références historiques utilisées dans les discours de Nicolas Sarkozy[17]. L’inflation des termes historiques, le recours systématique à des personnages connus par toute la communauté nationale avaient fini par alerter le Comité de vigilance face aux usages publics de l’histoire. Cette réaction légitime de la communauté historienne invitait un grand public à comprendre les ressorts d’une instrumentalisation constante de l’opinion publique (convoquer Napoléon Ier, par exemple, était une façon d’associer la France à l’idée de grandeur – d’empire – à un moment où les Français découvraient la crise des subprimes). Au-delà des méconnaissances scientifiques que cet ouvrage relevait, il était avant tout question de montrer comment l’énonciation même de certains termes permettait d’actionner des sentiments de fierté nationale, de communautarisme, de patriotisme, etc. Ce travail rappelait, à la suite de Lucien Febvre, qu’« une histoire qui sert est une histoire serve[18] ». Il s’agissait donc de réfléchir autant au sens des mots et de leurs implications qu’aux enjeux de l’histoire dans l’espace public[19].

Dans l’historiographie de la danse, un tel examen met en évidence l’utilisation privilégiée de termes comme « règne », « suprématie » ou « triomphe » : parfois effectuée à bon escient pour déconstruire les mécanismes de l’imposition d’un pouvoir, elle n’est souvent qu’un outil de narration (voire de « théâtralisation ») facile, qui plaque sur des réalités sociales un mode de compréhension simpliste et sans nuances[20]. La rhétorique de l’ « apogée » et de la « décadence[21] » affirme quant à elle une vision téléologique de l’histoire, mais aussi un idéal nostalgique de la « pureté[22] » qui serait ensuite « pervertie[23] » : de tels termes viennent essentialiser une « identité » qui sert à opposer les cultures, d’une façon extraordinairement peu féconde – nourrissant la peur de l’autre et du changement.

  

L’histoire a une fonction politique, et l’historien ne peut pas ignorer que dans les choix qu’il fait, il y a des enjeux, un positionnement par rapport au passé, mais aussi par rapport au présent. Produisant des modes d’intelligibilité du monde, l’historien est responsable des représentations qu’il crée – car les représentations sont actives et travaillent nos pratiques, nos relations aux autres, nos décisions[24]. L’histoire de la danse ne saurait se considérer comme dispensée de ces questions fondamentales et de la vigilance qu’elles doivent susciter : elle doit interroger les « portes d’accès au passé[25] » qu’elle choisit, les banalités historiographiques, les éléments que l’on croit savoir, et mettre en œuvre la plus grande méfiance vis-à-vis des usages de l’histoire qui visent à illustrer ou légitimer une prétendue « identité » et un pouvoir sur les autres.

Quelques règles de base de la discipline historique sont là pour nous y aider. La nécessité de croiser les sources, qui permet d’éclairer différents points de vue (et non pas seulement, par exemple, les discours de la direction d’une institution au détriment de ses salariés, d’une capitale au détriment de la province, ou d’un pays au détriment du reste du monde). La nécessité, aussi, de contextualiser, de replacer les textes et les images dans les logiques de leurs producteurs – et non pas de s’en saisir pour illustrer un schéma interprétatif pré-établi.

Soulignons pour finir que les projets de recherche qui mettent en œuvre ces façons de faire de l’histoire, rigoureuses et ouvertes à la complexité des échanges et des circulations, existent bel et bien. Il est urgent qu’ils soient reconnus et utilisés par ceux qui, notamment dans le milieu de l’édition et de l’enseignement, diffusent des histoires de la danse aveugles à ces nouvelles études. Citons, par exemple, les travaux en histoire des spectacles qui visent à décentraliser le regard : jusqu’à présent, les études historiques avaient rarement porté sur les lieux de danse ou de théâtre de province (la centralisation française – historiquement construite – guide l’intérêt vers les grandes capitales culturelles, de même que la richesse des sources conservées dans les « grandes » institutions) ; aujourd’hui, un programme portant sur les personnels dramatiques, répertoires et salles de spectacles en province est en train de nous sortir de l’ornière « Paris sinon rien »[26]. D’autres études portent sur les caricatures dont la danse française faisait l’objet à l’étranger au XVIIIe siècle, éclairant le caractère multiple et contrasté de la réception d’un modèle dominant[27]. Concernant la période contemporaine, des recherches en cours sur le ballet de l’Opéra de Paris sous l’occupation allemande font salutairement voler en éclats l’image d’une institution répandant tout au long de son histoire la « splendeur française »[28]. Une synthèse récente sur l’histoire de la danse dite moderne met au cœur de son interprétation la « fascination des ailleurs » et les transferts culturels[29]. On pourrait citer bien d’autres travaux, stimulants, novateurs, nuancés. Ils éclairent des aspects méconnus de l’histoire. Ils nous invitent à revisiter nos connaissances, mais aussi nos façons de penser. Et montrent, en acte, que l’histoire de la danse mérite bien mieux que des affirmations péremptoires de supériorité.

Emmanuelle Delattre-Destemberg, Marie Glon, Vannina Olivesi

Pour citer cet article : DELATTRE-DESTEMBERG Emmanuelle, GLON Marie, OLIVESI Vannina, « Écrire l’histoire de la danse : des enjeux scientifiques aux enjeux idéologiques », article mis en ligne le 9 décembre 2013 sur le carnet de recherche de l’Atelier d’histoire culturelle de la danse, URL : http://ahcdanse.hypotheses.org/


[1] Auclair M.,  Ghristi C. (dir.), Le Ballet de l’Opéra. Trois siècles de suprématie depuis Louis XIV, Paris, Albin Michel/ Bibliothèque nationale de France / Opéra de Paris, 2013.

[2] Et auquel nous avons collaboré, en ne découvrant le sous-titre « Trois siècles de suprématie depuis Louis XIV » qu’une fois l’ouvrage imprimé.

[3] Comment expliquer, par exemple, la difficulté pour l’institution académique de former des danseurs solistes durant la seconde moitié du XIXe siècle ? Que faire des autres scènes européennes qui sont, elles aussi, des pôles de création et où circulent des danseurs d’écoles de danse reconnues ?

[4] Et reprenant fréquemment les récits proposés par des ouvrages plus anciens encore, comme ceux de Léandre Vaillat ou André Levinson : les schèmes interprétatifs de l’histoire de la danse se sont reproduits en restant spectaculairement à l’écart des réflexions sur l’épistémologie et la méthodologie historique.

[5] De tels ouvrages sont par exemple présentés comme des références fondamentales pour la préparation de l’examen d’histoire de la danse dans le cadre de l’obtention du Diplôme d’Etat de professeur de danse. Voir la bibliographie de C. Rousier (dir.), L’Histoire de la danse : repères dans le cadre du diplôme d’Etat, Pantin, Centre national de la danse, 2000.

[6] Lire pour exemple la construction du discours royal et du rapport au corps : Apostolidès J.-M., Le Roi-machine, le spectacle et la politique au temps de Louis XIV, Paris, Éd. de Minuit, 1981.

[7] « La danse française et son rayonnement (1600-1800) », colloque organisé en décembre 2012 par l’Association pour un Centre de Recherche sur les Arts du Spectacle aux XVIIe et XVIIIe siècles, le Centre de musique baroque de Versailles (FRE 3493 du CNRS), le Centre de recherche du château de Versailles. Les communications de ce colloque ne reflétaient pas une vision aussi simpliste des échanges culturels ni de la position française ; l’une des demi-journées était d’ailleurs intitulée « Transferts culturels ». C’est le titre qui pouvait ouvrir la voie à des représentations biaisées des phénomènes d’échanges et d’appropriations. Loin de vouloir mettre en cause les organisateurs de ce colloque, nous soulignons ici sa dimension représentative de discours très généralement utilisés ou admis par les historiens de la danse. L’une des auteurs du présent texte, Marie Glon, a d’ailleurs participé à ce colloque sans penser à profiter de l’occasion pour questionner le bien-fondé et les sous-entendus de son intitulé.

[8] Espagne M., Werner M., « La construction d’une référence culturelle allemande en France : genèse et histoire (1750-1914) », Annales E.S.C., juillet-août 1987, n° 4, pp. 969-992.

[9] Espagne M., Werner M., Transferts. Les relations interculturelles dans l’espace franco-allemand (XVIIIe-XIXe siècles), Paris, Éditions Recherche sur les Civilisations, 1988, p. 5.

[10] Ory P., « Qu’est-ce que l’histoire culturelle ? », dans Yves Michaud (dir.), Université de tous les savoirs. Qu’est-ce que la société ?, tome 3, Paris, Odile Jacob, p. 26.

[11] Mandrou R., L’Europe « absolutiste ». Raison et raison d’État 1649-1775, Paris, Fayard, 1977, p. 186.

[12] Par exemple une caricature telle que « The French dancing master », [Londres], Picot & Delatre, [1771], image accessible en ligne sur la Yale University Lewis Walpole Digital Collection, n°771.07.27.01 : http://images.library.yale.edu/walpoleweb/fullzoom.asp?imageid=lwlpr03133

[13] Un ouvrage publié récemment prend acte de ce phénomène à l’époque contemporaine dans divers domaines culturels, y compris la danse : Ory P. (dir.), Dictionnaire des étrangers qui ont fait la France, Paris, Éditions Robert Laffont, 2013. Un colloque en 2008 a ouvert de nouvelles perspectives en s’interrogeant sur l’interpénétration d’acteurs français et étrangers et de leurs rapports avec le répertoire français diffusé, traduit ou remanié sur des scènes à l’étranger. La notion de suprématie est, dans cette réflexion collective, bien étudiée comme une construction dont les mécanismes et les limites sont identifiés. La domination du théâtre français à l’étranger est analysée comme la manifestation et l’héritage des politiques culturelles de l’époque moderne. Yon J.-C. (dir.), Le Théâtre français à l’étranger, histoire d’une suprématie culturelle à l’étranger, Paris, Nouveau Monde, 2008.

[14] On peut citer par exemple un catalogue des documents transcrivant les danses au XVIIIe siècle – travail monumental qui par ailleurs force l’admiration, et est utilisé tous les jours par les historiens de la danse – qui répertorie les œuvres des maîtres de danse français vivant en France, en incluant celles des maîtres de danse français travaillant et publiant à l’étranger, mais en excluant celles, pourtant similaires, de leurs confrères étrangers, au motif que la « belle dance » serait un art français. Lancelot F., La Belle dance : catalogue raisonné fait en l’An 1995, Paris, Van Dieren, 1996.

[15] Naugrette F., « La périodisation du romantisme théâtral », dans Roxane Martin et Marina Nordera (dir.), Les Arts de la scène à l’épreuve de l’histoire, Paris, Honoré Champion, pp. 145-154.

[16] Un exemple parmi de nombreux autres : « L’école classique française recherchait une beauté mesurée, une expression à la fois d’élégance et de sensibilité. Dans l’école académique est venu s’y ajouter un élément antinomique, l’apport italien, tout de vélocité, de virtuosité d’exécution, d’extériorité. » Bourcier P., Histoire de la danse en Occident, Paris, Seuil, 1994, vol. 2, p. 31.

[17] Cock L. (de), Madeline F.,  Offenstadt N., Wahnich S., Comment Sarkozy écrit l’histoire de France, Paris, Agone/Passé et Présent, 2008.

[18] Febvre L., « L’histoire dans le monde en ruines », leçon d’ouverture du cours d’histoire moderne de l’Université de Strasbourg le 4 décembre 1919, Revue de synthèse historique, t. XXX, n° 88, février 1920, pp. 1-15.

[19] Offenstadt N., L’histoire bling-bling. Le retour du roman national, Paris, Stock, 2009.

[20] Par exemple, dans le cas des rapports de genre : la première partie du XVIIIe siècle serait « l’époque de la suprématie incontestée des danseurs de sexe masculin » (Guest I., Le Ballet de l’Opéra de Paris. Trois siècles d’histoire et de tradition, Paris, Flammarion, édition revue et augmentée, 2001, p. 24) tandis que le XIXe marquerait « le règne absolu et international de la ballerine » (Christout M.-F., Le Ballet occidental, Paris, Desjonquères, 1995, p. 80).

[21] Parmi d’innombrables exemples : « Parvenu à l’apogée d’un genre diffusé en Europe au XVIIIe siècle, préservé au Danemark et en Russie, le ballet classique a progressivement connu une défaveur de la part du public, entraînant un déclin momentané à la fin du XIXe siècle. », cf. M. F. Christout, op. cit., p. 216. La danse classique n’est pas la seule à susciter ce type d’analyse.

[22]  Christout M.-F., op. cit., p. 215.

[23] Bourcier P., op. cit., p. 17.

[24] Roger Chartier rappelle que les « pratiques » et les « représentations » ne sont pas étanches, et que si les pratiques sont « incorporées » sous la forme de représentations collectives, ces représentations sont elles aussi « les matrices de pratiques constructrices du monde social lui-même ». Au bord de la falaise, Paris, Albin Michel, 1998, p. 78.

[25] Jouhaud C., Sauver le Grand-Siècle ? Présence et transmission du passé, Paris, Seuil, 2007, p. 27.

[26] Il s’agit du programme ANR THEREPSICORE, porté par des chercheurs de l’université Blaise-Pascal (Clermont 2) et de l’université Paris IV. https://www.cairn.info/resume.php?ID_ARTICLE=AHRF_367_0017

[27] Milhous J., « Picturing Dance in Eighteenth-Century England », Music in Art: International Journal for Music Iconography, vol. XXXVI, 2011.

[28] Nous pensons ici aux travaux, en cours, de Mark Franko sur Serge Lifar et ses liens avec le IIIe Reich.

[29] Suquet A., L’Éveil des modernités. Une histoire culturelle de la danse (1870-1945), Pantin, Centre national de la danse, 2012.