[Parution] Se faire contemporain

Se faire contemporain. Les danseurs africains à l’épreuve de la mondialisation culturelle

Altaïr Despres

Publications de la Sorbonne, coll. « Homme et Société », 2016

28405100693470L

Présentation :
Longtemps absents de la scène chorégraphique contemporaine, les danseurs africains semblent bien avoir, depuis une vingtaine d’années, le vent en poupe. Ils sont désormais les invités des festivals et des théâtres internationaux les plus prestigieux, et leurs pièces sont saluées tant par le public que par la critique. C’est que, disent les commentateurs, la mondialisation culturelle est passée par là.
Mais qu’est-ce, au juste, que cette mondialisation ?
L’auteure, sociologue et anthropologue, a mené une enquête de terrain de plusieurs années dans l’univers de la danse contemporaine africaine. À partir d’un travail d’archives, d’observations ethnographiques et du recueil de nombreux témoignages d’artistes et de professionnels de la culture, son livre retrace l’émergence de cette esthétique chorégraphique sur le continent africain. Il documente en particulier le parcours de jeunes danseurs, depuis les quartiers populaires de Bamako et de Ouagadougou jusqu’aux planches des grandes scènes parisiennes. Ce faisant, la mondialisation culturelle cesse d’apparaître comme un phénomène vague et irrépressible : elle devient une réalité concrète, une expérience pratique, dont on saisit tour à tour les ressorts politiques, artistiques ou migratoires.
L’apparition d’une forme « contemporaine » de danse en Afrique repose sur la formation de réseaux institutionnels connectés à l’Europe, sur la construction opportune d’intérêts esthétiques pour le continent noir, sur l’appropriation par les danseurs africains d’un rapport nouveau à l’art et, finalement, sur la formation de subjectivités inédites de danseurs et de chorégraphes qui en viennent à incarner, entre « ici » et « là-bas », l’art africain internationalisé.

Source de l’information : Publications de la Sorbonne.

[Séminaire 2015-16] Programme de l’année

PROGRAMME 2015-2016
SÉMINAIRE HISTOIRE CULTURELLE DE LA DANSE

2e lundi du mois de 15 h à 18 h (salle 11, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 9 novembre 2015 au 13 juin 2016.
Elizabeth CLAIRE (enseignante principale), Emmanuelle DELATTRE, Sophie JACOTOT, Vannina OLIVESI.

*

9 novembre 2015 : Introduction générale par les membres de l’Atelier d’histoire culturelle de la danse.

Stéphanie Gonçalves, docteure en histoire, ATER Université Rennes 2, « Une guerre des étoiles : les tournées de ballet dans la diplomatie culturelle de la Guerre froide (1945-1968. Méthodologie et enjeux d’une recherche sur l’histoire de la danse transnationale ».

14 décembre 2015 (danse et économie), 15 h-17 h en salle 13 puis de 17 h à 18 h en salle 11

Felicia McCarren (Tulane University) « Capital et culture : économie(s) de danse(s) EU/US (Union européenne/États-Unis) ».

Lecture : Patrick Germain-Thomas, « Inventer et construire des compromis entre l’art et l’économie : le cas de la danse contemporaine », Négociations, 2, n° 20, 2013, pp. 41-58 ; lecture complémentaire : Roberta Shapiro, « Du smurf au ballet. L’invention de la danse hip-hop », in N. Heinrich, R. Shapiro (dir.), De l’artification. Enquêtes sur le passage à l’art, Paris, Editions de l’Ecole des hautes études en sciences sociales, 2012, pp. 171-192.

11 janvier 2016 (danse et morale), 15 h-17 h en salle 13 puis de 17 h à 18 h en salle 11.

Séance organisée par Adrien Belgrano, doctorant au CRH. Présentation par Elizabeth Claire du numéro sur « Danse et morale »  la revue European Studies in Drama and Theatre .

Simon Gabay, « Entre prédication et droit canonique : quelle place les autorités cléricales réservent-elles aux danseurs dans l’Occident latin médiéval ? »

Lecture : Alessandro Arcangeli, « Danse et sociabilité dans le miroir du discours théologique », in A. Montandon (dir.), Sociopoétique de la danse, Paris, Anthropos, 1998, pp. 55-63.

8 février 2016 (auteur en danse), 15 h-18 h en salle 11

Dora Kiss (Haute école de musique de Genève), « Faire auteur, en danse ».

Lecture : Frédéric Pouillaude, Le désœuvrement chorégraphique. Etude sur la notion d’œuvre en danse, Paris, Vrin, 2014, pp. 15-25 (chapitre « Un désœuvrement fondamental ») et pp. 243-263 (chapitre « Deux régimes d’identité »).

14 mars 2016 (auteur/circulation), 15 h-18 h en salle 11

Ramsay Burt, « Anna Teresa de Keersmaker, Beyoncé et ‘The Countdown Affair’ ».

Lecture : Guillaume Sintès, « Le manifeste en danse », Etudes littéraires, vol. 44, n° 3, automne 2013, pp. 111-121.

11 avril 2016 (danse et circulation), 15 h-17 h en salle 7 puis de 17 h à 18 h en salle 11.

Prarthana Purkayastha (Royal Holloway University of London), « Indian Modern Dance, Feminism and Transnationalism » (présentation en anglais).

Lecture : Davesh Soneji, « Whatever Happened to the South Indian Nautch ? Toward a Cultural History of Salon Dance in Madras », in Unfinished gestures : devadāsīs, memory, and modernity in South India, Chicago, University of Chicago Press, 2012, pp. 70-111.

9 mai 2016 (danse et circulation), 15 h-17 h en salle 13 puis de 17 h à 18 h en salle 11.

Emmanuelle Delattre-Destemberg (Univ. Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines) , « La circulation de l’École de danse française au XIXe siècle en Europe, une histoire de la domination culturelle à l’œuvre ».

Lecture : Rahul Markovits, « » L’Europe française », une domination culturelle ? Kaunitz et le théâtre français à Vienne au XVIIIe siècle », Annales. Histoire, Sciences Sociales, 2012, n° 3, pp. 715-751.

13 juin 2016 (danse et circulation), 15 h-18 h en salle 7.

Isabelle Launay (Univ. Paris 8), « ‘Danses tordues’, Latifa Laabissi, Joséphine Baker, Polaire, Jane Avril. Métabolisation des conflits et stratégies de survie kinesthésiques ».

Lecture : Frantz Fanon, Peau noire, masques blancs, chapitre « L’expérience vécue du noir », Paris, Seuil, 1952.


Télécharger ici le programme complet du séminaire.

Consulter ou télécharger ici la bibliographie associée.

[Séminaire 2015-16] Séance de rentrée

Chers amis et fidèles participants au séminaire Histoire culturelle de la danse, le programme de cette année n’est pas encore finalisé, mais nous vous invitons dès à présent à nous rejoindre le 9 novembre pour la séance de rentrée du séminaire.

Nous diffuserons très prochainement le programme de l’année sur ce carnet et sur le site de l’Ehess.

Nous attirons votre attention sur le fait que le séminaire change d’horaire cette année puisqu’il aura lieu de 15h à 18h, une fois par mois. Vous trouverez un récapitulatif des dates des séances en bas de ce billet.

Notre séminaire 2015-2016 est organisé autour de deux axes :

  • les lieux et la circulation des danses ;
  • l’auteur en danse.

Nous vous convions donc à une séance de rentrée le 9 novembre prochain qui sera consacrée à la circulation des danses. Nous aurons le plaisir d’écouter Stéphanie Gonçalves, docteure en Histoire, ATER à l’Université de Rennes 2 et collaboratrice scientifique à l’Université Libre de Bruxelles. Sa communication est ainsi intitulée :

Une guerre des étoiles : les tournées de ballet dans la diplomatie culturelle de la Guerre froide (1945-1968).

Méthodologie et enjeux d’une recherche sur l’histoire de la danse transnationale

USSR. Moscow. The Bolshoi Theatre with portrait of LENIN and STALINE on the front. 1947. Robert Capa © International Center of Photography.
USSR. Moscow. The Bolshoi Theatre with portrait of LENIN and STALINE on the front. 1947. Robert Capa © International Center of Photography.

Informations pratiques

Le séminaire Histoire culturelle de la danse est organisé par Elizabeth Claire, Emmanuelle Delattre-Destemberg, Sophie Jacotot, Vannina Olivesi.

2e lundi du mois de 15 h à 18 h (salle 11, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 9 novembre 2015 au 13 juin 2016. Dates des séances : 9 novembre et 14 décembre 2015 ; 11 janvier, 8 février, 14 mars, 11 avril, 9 mai, 13 juin 2016.

Ce séminaire propose d’explorer l’histoire des danses sociales et spectaculaires dans une perspective culturaliste, attentive à l’articulation et aux écarts entre les pratiques et les représentations. On étudiera les moments clés, grandes figures et lieux de mémoire qui ont marqué l’historiographie de la danse ; la construction de la danse comme pratique sociale légitime et comme profession insérée dans un système de production des spectacles ; les lieux et la circulation des pratiques ; la danse comme construction des rapports entre les sexes et des identités de genre ; la question de l’auteur en danse.

[Post-doc] Dance Studies in/and the Humanities

Chers lecteurs, collègues et amis du Séminaire, un post rapide pour vous informer qu’un appel à candidature pour des bourses de postdoctorat en Dance Studies vient d’être renouvelé par la Northwestern University et la Mellon Foundation.

Vous trouverez toutes informations sur la page du projet intitulé ‘Dance Studies in/and the Humanities‘.

[Parution] Dance and the Dutch Republic

Le numéro 4 de la revue European Drama and Performance Studies vient de paraître. Il s’intitule Dance and the Dutch Republic et a été dirigé par Michiel Schuijer et Jed Wentz (Conservatoire d’Amsterdam).

c5e8798eb61246bb664900c334c015a6


SOMMAIRE

Jed Wentz
Introduction  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .    9

DANCE AND THE DUTCH REPUBLIC

Rebekah Ahrendt
A Huguenot Impresario in the Dutch Republic  . . . . . . . . . . . . .   17

Rudolf Rasch
Jacob Klein “The Elder”, Dancing Master
of the Amsterdam City Theatre in Corelli’s Time  . . . . . . . . . . .   37

Michael Burden
Masque, Nationality, and Image.
Baiting the show with a Dutch Dance  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .   59

Jennifer Thorp
London Celebrations of the Wedding between the Princess Royal
and the Prince of Orange in 1733-1734  . . . . . . . . . . . . . . . . . . .   81

Anna De Haas and Jed Wentz
Les Enfans du Sr. Frederic. The Identities and Performances
of a Theatre Family Active in The United Provinces, 1758-1763..   95

APPENDICES

Anna De Haas and Jed Wentz
A Key to the List of Performances of Caroline
and Charlotte Frederic  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .  117
The Known Performances of Caroline
and Charlotte Frederic, 1753-1763  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .  121
Bibliography  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .  145
Index of names  . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .  155
Abstracts/Résumés . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .  157


Source : Classiques Garnier

Incorporer la danse en passant par l’écrit

Dans le cadre du colloque Incorporations à la puissance deux : le corps social et ses phénotypes littéraires, organisé par Karin Peters (JGU Mainz/FMSH), Laurence Giavarini (Université de Bourgogne/Grihl), Sophie Houdard (Sorbonne nouvelle-Paris 3/Grihl) et Dinah Ribard (EHESS-CRH/Grihl),

Marie Glon réalisera le 26 juin prochain une communication

« Incorporer la danse par l’écrit.

Le projet des « danses gravées » au XVIIIe siècle »

Carolyn Carlson, « Poems for unknowns, Designs, Drems to realize », (détail), Fonds Carolyn Carlson. IV. Carnets et cahiers de notes. IV.5. Années 2000. Poèmes et dessins, 2005-2008, Bibliothèque nationale de France.

 

Lieu : EHESS, 96 bd Raspail, Paris 6, salle Lombard.

Venez nombreuses et nombreux !


Le programme détaillé du colloque Incorporations à la puissance deux : le corps social et ses phénotypes littéraires

Music-Dance: Sound and Motion in Contemporary Discourse and Practice

Conference organized by Gianmario Borio, Patrizia Veroli and Gianfranco Vinay

Fondazione Giorgio Cini, Venezia, Isola di San Giorgio Maggiore

MusicDance
Oskar Schlemmer, Tänzerin (Die Geste), 1922-23. Pinakothek der Moderne, München © 2015. Foto Scala, Firenze/bpk, Bildagentur füer Kunst, Kultur und Geschichte, Berlin (detail)

The conference aims to investigate principles, methodologies and performance practices that have recently involved music and dance, opening new areas of research for choreologists and musicologists. At the center of our exploration lie the identity of the choreomusical work, the complexities of its authorship and the concept of incorporation.

Dance performance has been the object of new considerations aimed at analyzing its organic plurality, with the musical aspect becoming a main priority. Following pioneering research by musicologists interested in ballet (Wiley 1985, Smith 2000), some scholars have brought to the field both musical and choreographic expertise, theorizing and pursuing the permeability between the two disciplines. They tend to analyze not so much the intertwining of sound and motion but rather the ways in which the co-presence of these two expressive forms creates a new dimension. A renewed attention in the dynamics of listening and vision as well as a full recognition of kinesthetic empathy have been able to make use of the advances in cognitivism and neuroscience to invest the choreomusical phenomenon in its integrity and coherence. In the last decade, a series of conferences have played their part in creating a theoretical base for ‘choreomusicology’, also extending its range of influence with many new case studies.

These new issues will be considerate in our conference from an interdisciplinary perspective, with the objective of reaching a high level of integrated reflection. The repertoire which can be taken into consideration ranges widely from the Ballets Russes of Diaghilev to the present day.

Session 1: Musical Notation and Choreo-graphy

Nicolas Donin, Claudia Jeschke, Marina Nordera

The musical score can be seen as a graphic image of the sound. Its historical evolution is linked not only to the transformation of the constituents of musical language and their fixation with graphical signs, but also to the changing conventions in performance traditions, music theory and aesthetics that have privileged some musical parameters rather than others. If we are to consider that two of the fundamental elements of music, i.e. time and sound, are not reproducible in signs, it is possible to understand how little a score can contain of a musical work. Despite the existence of a margin of freedom between the graphical image and the realization of sound, the musical score remains prescriptive. However, when it becomes part of a choreomusical project, it changes its status, becoming a flexible structure that can give origin to a number of symbolic weavings and associations.

Despite the terminology identifying its creative practice (choreography) and the invention of various ways of noting it down (choreo-graphies), Western dance performance is linked to an oral dimension and follows a different course to the one pertaining to music. The composition and execution of dance are inseparable from corporeal presence, but not from that of a text. The systems of notation, devised since the end of the fifteenth century, display a complex relationship between dance, language and writing. They are ‘texts’ of a kind of non-written ‘performing knowledge’, that allows more or less partial access to the relationship between culture, writing and movement creation, and to the theories related to the body and movement which have led to its formulation.

Goals such as aide-mémoire, recording, transmission, a public and neutral identification of movement have guided the conception of codes that use abstract signs and figurines, sometimes adopting musical notation and sometimes producing thoroughly new graphical systems.

Session 2: Choreomusical Poetics: Strategies and Processes

Stephanie Jordan, Susanne Franco, Ulrich Mosch

A choreographer can commission a score, use one or more existing pieces of music, draw from oral tradition, recordings or live improvisation. In the first decades of the twentieth century, the repertoire of Diaghilev’s Ballets Russes show several examples of direct collaboration between composer and choreographer; also today in the wake of this legendary company, many choreographers and performance artists try to establish a creative understanding with composers. In the 1950s John Cage and Merce Cunningham have theorized and practiced a cooperation based on the reciprocal autonomy of the visual and sound components, whose meeting should be exclusively dictated by chance. This kind of collaboration has opened the way to an awareness of ontological independence between sound and movement.

On the basis of what aesthetic and/or productive principles does the collaboration between choreographer and composer occur and develop? When music and dance are theorized as independent, are they reciprocally indifferent? What poetic modalities and poietic demands push a choreographer to make use of a pre-existing music score? What new meanings does music gain when inserted in a collage including music from other historical-cultural contexts? When that happens, what is the impact on the choreomusical work?

Session 3: Sentient Bodies

Dee Reynolds, Lawrence Zbikowski, Eric Clarke

An interdisciplinary perspective on the embodied quality of the cognitive processes has brought to a new interaction between dance and music, and science. In recent decades, cognitive science has recognized that the mind of each individual is tightly linked to social context, that cognitive processes are dependent on experience, and that thought is only partially expressed through language. The so-called ‘grounded cognition’ (Barsalou 2008) considers, among other things, the role of the imagination as a mediator in the relationship between body and mind, whereas neuroscientists have demonstrated how corporeal experience can influence knowledge. The discovery of mirror neurons (Gallese et al. 1996), activating imitative identification on the basis of phenomena of motor resonance, has brought to the fore the old concepts of Einfühlung (Lipps, 1913) and of “metakinesis” (Martin, 1939) that postulated an interaction between who moves and who watches that movement. Kinesthetic empathy determines a sharing of an emotional state shaped by personal history as well as by the sociocultural context to which the audience belongs. Further research has shown that mirror neurons are activated even by sound stimuli. FMRI (Functional Magnetic Resonance Imaging) techniques and sophisticated recording technologies allow human motion in space to be analyzed, correlating neural activity both to the person who moves and the one who watches the motion. They also permit the realization of functional mappings of the structures involved in the perception of sound (Gazzola et al. 2006). It has also been proved that in the absence of real perceptions, an individual has the capacity to simulate perceived information, including that associated with motor actions (Barsalou, 1999), that can propagate themselves through an analogical route, passing for example from music to movement and vice versa. The experience can act on cognitive structures also via ‘image schemata’ (Johnson 1987), that is models of thought, or rather conceptual metaphors (Lakoff-Johnson 2008) based on repeated models of corporeal experience.

Scientific contributions of this type offer opportunities to reflect on constructive processes of the meaning of a choreomusical work, from the perspective of both the watcher and listener, and from the perspective of creator and interpreter, as well as on the modalities through which movement and sound act on the perceptive process. The emergence of parameters inspired by gesture and corporeal acts, such as ‘the musical gesture’, demonstrates the extent to which somatocentric orientation has acquired an important role in recent musicological research.

Session 4: Dynamic Interactions of Motion and Sound

Inger Damsholt, Massimiliano Locanto, Julia H. Schroeder

The plurality of contexts that today present a simultaneous happening of sound and motion offers important elements for analyzing the ways in which the various elements of a choreomusical work intertwine. The audiovisual synthesis has been considered in a multi-media, above all filmic, environment, using various premises and reaching partially divergent conclusions. Nicholas Cook (1998) has indentified three possible modalities of media interaction: ‘comformance’, ‘contest’ and ‘complementation’. ‘Comformance’ refers to a kind of synaesthesia, in which sound and image respond closely to each other; ‘contest’ consists of forms of competition or rather of opposition that can act on the work’s poetic intention in a significant way; finally, ‘complementation’ identifies possible integrations between the first two modalities. Cook, Gorbman (1987) and Chion’s (1990) studies of film music have explained the relationship between the arts implicated as characterized by negotiation. In the wake of Miriam Bratu Hansen’s essays (2012), could the structure of the audiovisual text be brought into focus starting with the principles of synchronization and editing? How do such principles respond to the challenges of A digital reality characterized by an incessant proliferation of new media where music and performance interact? How can theories elaborated until now, be applied to the world of dance performance? Which tools does an analysis of the choreomusical work need in order to embrace the multifarious dynamics of motion and sound? How useful or limited can be the investigation of audiovisual recordings?

Session 5: Live bodies, mediatized bodies, ‘metabodies’

Antonio Camurri, Susan Broadhurst, Rolf Inge Godøy

In recent times technological resources have allowed a detailed analysis of musical aspects and parameters as well as of gestural constituents of musical execution and interpretation. Research shows that the performer’s body is not only a medium, a mechanism needed to translate a virtual musical image (mental and/or graphic) into a real acoustic image, but it also assumes an important role in the definition of that image and the attribution of the so called expressive characters. When the interpreter’s gestures, actions and mimics are analyzed not only for their acoustic and sound outcomes, but also for their visual impact on the audience (Davidson 1995), a space for common musicological and choreological research is open.

Practices such as motion tracking, which implies the application of sensors or markers to the interpreter’s body, and Artificial Intelligence (an agent capable of perceiving and interacting in the area in which it is situated) offer artistic and didactic opportunities. Digital technologies are nowadays fully integrated in mental, creative and performing processes. They modulate notions of interactivity and ‘liveness’, and open new possibilities to the relationship between body and sound in space and time. Wireless sensors applied to the performer’s body allow the manipulation of digital sound in real time, translating gesture into another medium. These new perspectives may also be read in terms of a ‘metabody’, which is conceptualized as a ‘body of relations in movement’ and of unstable identity, exceeding the Cartesian division between body and mind. Technology plays a fundamental role in it (del Val, Sorgner, 2011). The ‘metabody’ is currently the focus of a European project (www.metabody.eu, 2013-2018).

Selected Bibliography

  • Barsalou, Lawrence W., “Perceptual Symbol System”, in Behavioral and Brain Sciences, 22, 1999.
  • Barsalou, Lawrence W., “Grounded Cognition”, in Annual Review of Psychology, 59, 2008.
  • Bratu Hansen, Miriam, Cinema and Experience: Siegfried Kracauer, Walter Benjamin and Theodor W. Adorno, Berkeley: University of California Press, 2012.
  • Chion, Michel, L’audio-vision, Nathan, Paris, 1990.
  • Cook, Nicholas, Analysing Musical Multimedia, Oxford University Press, Oxford, 1998.
  • Davidson, Jane W., « What Does the Visual Information Contained in Music Performances Offer the Observer? Some Preliminary Thoughts », in Reinhard Steinberg (a c. di), The Music Machine Psycho-physiology and Psychopatology of the Sense of Music, Springer, Berlin-Heidelberg, 1995.
  • Del Val, Jaime, Stefan Sorgner, “Metahumanist Manifesto, Interview and Review”, in The Agonist. Nietzsche Circle, IV, 2, 2011. [Link].
  • Gallese, Vittorio et al., “Action Recognition in the Premotor Cortex”, in Brain, v. 119, 2, 1996.
  • Gazzola, Valeria et al., “Empathy and the Somatotopic Auditory Mirror System in Human”, in Current Biology, 16, 2006.
  • Gorbman, Claudia, Unheard Melodies: Narrative Film Music, Indiana University Press, Bloomington, 1987.
  • Johnson, Mark L., The Body in the Mind: the Bodily Basis of Meaning, Imagination and Reason, University of Chicago Press, Chicago, 1987.
  • Lakoff, George, Mark L. Johnson, Metaphors We Live By, University of Chicago Press, Chicago, 2008.
  • Lipps, Theodor, Zur Einfühlung, W. Engelmann, Leipzig, 1913.
  • Martin, John, Introduction to the Dance, W.W. Norton & Company, New York, 1939.
  • Smith, Marian E., Ballet and Opera in the Age of Giselle, Princeton University Press, Princeton, 2000.
  • Wiley, Roland John, Tchaikovsky’s Ballets: Swan Lake, Sleeping Beauty, Nutcracker, Clarendon Press/Oxford University Press, Oxford/New York, 1985.

Source : Fondazione Giorgio Cini

Lien vers le programme (pdf – italien/anglais) et les informations pratiques : Fondazione Giorgio Cini

La danse comme expérience

SÉMINAIRE INTERNATIONAL DES DOCTORANTS DU CRAL EHESS

Danse comme expérience
SÉANCE FINALE. La danse comme expérience – Dance as Experience. Lundi 8 juin 2015 (14h-17h) – Salle Lombard (96 Bd Raspail, 75006 Paris)

NALINA WAIT (University of New South Wales, Australia), Conscious Embodiment
Directeur de recherche : Erin Brannigan

While somatic practice is knowledge perceived at the level of the corpus, it is the practice of thinking with the body-mind as an integrated entity that actually defines a ‘somatic’ practice. As a practical, movement-based philosophy, analogous with philosophies of embodied mind, somatics does not comply with the dualistic hierarchy of ‘mind-over-matter’ but instead proposes matter-as-mind. Specific somatic practices are included in tertiary dance syllabi to enrich mindfulness and affect quality of performance by: increasing a dancer’s capacity for kinaesthesia, releasing excessive muscle tone, preventing injury, integrating coordination and fostering sense of ‘presence’. However, somatic practices also radically challenge traditional pedagogy by resisting institutional codes, such as: mimesis, language-based knowledge, codification and institutionally accepted models of judgement. Furthermore, specific knowledges within somatic practices are often never articulated because this is an entirely different labour to practice. This qualitative research seeks to develop terminology and models for articulating key somatic knowledges, drawing from experienced practitioners in the field. Alternate states of body-mind thinking, such as those I’ve collected within the term ‘conscious embodiment’, cultivate and refine a dancer’s somatic intelligence through sophisticated improvisation practices. Articulating the processes of conscious embodiment offers insight into what corporeal knowledge can contribute to the innovation of dance pedagogy and art making.

MARGHERITA DE GIORGI (Université de Bologne – Université Paris VIII), Méthodologies et esthétiques de la « présence » dans la performance dansée : l’effet « laboratoire ».
Directeurs de recherche : Isabelle Ginot, Enrico Pitozzi

L’intervention propose de revenir sur la notion de « présence », telle qu’elle apparaît dans les discours esthétiques et les pratiques somatiques (Ginot 2010). Cette notion sera analysée à la lumière de certains dispositifs chorégraphiques et de certaines pratiques corporelles qui se retrouvent chez un grand nombre de performeurs contemporains. Nous étudierons plus spécifiquement le travail de Xavier Le Roy et de Myriam Gourfink. Une approche phénoménologique de leurs pièces – pour l’un Self Unfinished (1998-2013), pour l’autre Souterrain (2014) – ainsi que du projet Labodanse, nous aidera à saisir les effets d’une telle conception de la « présence ». Finalement, nous tenterons de décrire la façon dont les artistes repensent l’espace relationnel et transforment le contexte expérimental des pièces. Le « laboratoire scénique » dévoile ainsi ses
mécanismes esthétiques intrinsèques.

VANIA GALA (Trinity Laban Conservatoire, London), (Un)occupy the Body: Towards a Dispossessed Live Presence on Stage.
Directeur de recherche : Tony Thatcher

‘(Un)occupy the Body: towards a dispossessed live presence on stage’ explores the symptoms of the apparent paradoxical condition of embodiment and disembodiment by focusing and locating the latter in the process of arriving at the live presence of a dispossessed body. The research considers a number of key questions: what is the significance of disembodiment as a presence on stage? What are the deeper implications for choreography and dance conventionally constructed around the dominant ideas of embodiment, constant motility and spectatorship? These questions will be addressed by analysing the performance, process and concepts that created the archive and the show entitled Invited Guests. The research draws on the visual arts, philosophy, science, cultural studies, dance, and performance theory. Invited Guests is a choreographic project about apathy. The ‘act of disembodiment’ or of removal of ‘occupied forces’ that transverse the body became one of the central points from which more complex compositional ideas irradiated. Consequentially, the body explored in Invited Guests is a less inhabited body from which particular intensities have been removed or a body that has been transversed by such sudden, instant speed by external forces leaving the traces of this instantaneous occupation. Franco Berardi’s concept of ‘exhaustion’ and its depiction of our present times can be helpful to identify other idiosyncrasies that characterize this new subjectivity leading to a distinct presence on stage. This paper will discuss the strategies and methodologies that led to this particular presence – that I call a ‘dispossessed live presence on stage’ – and to a possible ‘choreography of absence of inhabitation’.

Répondant – Discussant : NICOLO PALAZZETTI (EHESS)

La séance sera conclue par une performance dansée et un pot de clôture. Venez nombreux !

*

Organisateurs du Séminaire international des doctorants du CRAL :
Emily Lombi (doctorante, Université Paris III) – Violeta Nigro Giunta (doctorante, EHESS) – Nicolò Palazzetti (doctorant, EHESS)

Calendrier de fin d’année

Chers collègues et participants au séminaire, voici le calendrier des prochaines séances du séminaire Histoire culturelle de la danse :

  • 4 mai 2015 (19h-21h, Salle 7)

Emmanuelle Delattre-Destemberg (doctorante, CHCSC-UVSQ)

« À la recherche de l’École de danse : une histoire des lieux et des politiques de gestion de la danse à l’Opéra (1779-1874) »

  • 11 mai 2015 (19h-21h, Salle 7)

Lola Gonzalez-Quijano (postdoctorante, LARHRA-Univ. Lyon II)

«”Dites mon bordel” : l’amour vénal dans les établissements de spectacle parisiens au XIXe siècle »

  • Samedi 16 mai 2015 (9h-13h, salle 1)

Tiziana Leucci (CNRS/CEIAS)

« Paris, New York, Londres, Calcutta: quelques étapes de la fabrication et circulation de la danse dite “hindoue” »

Séance suivie par une table ronde avec les intervenants du second semestre.

Au plaisir d’échanger avec vous lors de ces prochaines séances !

Vue de la salle de Walse construite au carré de la laiterie; Vue du temple de la paix dans le grand carré des Champs Elisées. Print shows celebrations for the anniversary of the founding of the French Republic, July 14, 1801 in two images, including a tent for dancing and a balloon ascension from which André Jacques Garnerin descends in a parachute above the Temple de la Paix and the Champs-Elysées. Library of Congress.
« Fête du 14 Juillet An IX. Vue de la salle de Walse construite au carré de la laiterie. Vue du temple de la paix dans le grand carré des Champs Elisées », 1801, Library of Congress.

Informations pratiques : Ecole des hautes études en sciences sociales (salle 7 les lundis, salle 1 le samedi – 105 bd Raspail 75006 Paris).

Un séminaire organisé par Elizabeth Claire, chargée de recherche au CNRS (CRH-CRAL) ; Emmanuelle Delattre-Destemberg, doctorante à l’Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines (CHCSC) ; Marie Glon, docteure de l’EHESS (Centre Edgar Morin, IIAC-EHESS) ; Sophie Jacotot, docteure de l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ; Vannina Olivesi, doctorante de l’EHESS (CRAL).


Ce séminaire propose d’explorer l’histoire des danses sociales et spectaculaires dans une perspective culturaliste, attentive à l’articulation et aux écarts entre les pratiques et les représentations. On étudiera les moments clés, grandes figures et lieux de mémoire qui ont marqué l’historiographie de la danse ; la construction de la danse comme pratique sociale légitime et comme profession ; les lieux et la circulation des pratiques ; la danse comme construction des rapports entre les sexes et des identités de genre ; la question de l’auteur en danse. Une attention particulière sera accordée aux usages des sources dans l’historiographie de la danse : quels types de sources pour quelle histoire de la danse ? comment étudier l’iconographie ? quels enjeux scientifiques émergent lors de la reconstruction des pratiques et à l’occasion de leur mise en récit historique ? enfin, quelles méthodes spécifiques mobilise-t’on pour problématiser la distance entre l’historien et l’époque qu’il étudie, s’interroger sur l’anachronisme et faire de l’écart historique un instrument heuristique ?

Le carnet de l'Atelier d'histoire culturelle de la danse